Arti, cinema e spettacolo

La veneratissima icona della Madre di Dio Odigitria protettrice di Bitritto è il punto di partenza e quello di arrivo di questo testo che ha come obiettivo di far meglio conoscere le vicende relative al quadro conservato nella locale Chiesa Madre, e che è sempre stato considerato un "alter ego" dell'Odigitria della Cattedrale di Bari. La ricerca parte da un'articolata analisi storico-artistica sulla nascita e diffusione delle icone dell'Odigitria nel bacino del Mediterraneo, da Bisanzio, alla Puglia, alla Croazia, a Venezia, a Creta ed ancora, in un felice e non ancora sufficientemente studiato viaggio di ritorno, alla nostra regione. Lo scritto, che non disdegna argomenti legati alla tradizione e alla pietà popolare dei bitrittesi verso la loro Patrona, per la prima volta esamina ed evidenzia i legami di Bitritto in un ambito artistico di livello nazionale ed internazionale, contribuendo a collocare nuovamente la città in quel variegato crogiuolo di popoli, etnie, religioni che ininterrottamente vi sono stati presenti e hanno contribuito alla creazione di una Puglia da sempre porta e ponte tra Oriente e Occidente.

Catalogo delle architetture aperte per l'evento Open House Roma 2023. Descrizioni e indirizzi di tutti i luoghi.

Ettore Roesler Franz ha lasciato ai posteri una traccia inestimabile dei suoi tempi attraverso le sue opere che sono un dono per le generazioni future. Un pittore all'avanguardia che nei suoi acquerelli ha immortalato vedute, scorci, ma anche la condizione sociale, fisica e psicologica delle persone ritratte. Questo catalogo ad opera di Francesco e Pierluigi Roesler Franz nasce per favorire la conoscenza dei quadri di collezioni private del loro prozio Ettore meno noti rispetto a quelli della serie di Roma Sparita di proprietà dei musei del comune di Roma. I quadri scelti da Pierluigi Roesler Franz sono molto suggestivi in particolare gli acquerelli dedicati alla via Appia Antica, agli antichi acquedotti romani, alle paludi laziali, ad alcuni squarci e monumenti di Roma, come il Colosseo. Il testo, in italiano e in inglese, è aggiornato di tutte le novità delle ricerche di Francesco Roesler Franz emerse negli ultimi anni sulla vita e sul contesto familiare del pittore e sul significato esoterico nascosto nei suoi quadri.

"L'Arte al di là del filo spinato", un'opera di Rosario Pinto.

Tommaso Donini, detto il Caravaggino (1601-1637) è un personaggio minore ma non del tutto irrilevante nella complessa sfera artistica romana dei primi anni del Seicento. Senz'altro ha risentito degli influssi degli artisti quali il Lanfranco, Cecco del Caravaggio, il Saraceni. E' evidentemente assodato come, con la presenza sul finire del Cinquecento a Roma di Caravaggio (fu costretto a fuggire nel 1606), numerosi pittori, ne sentirono l'influenza. Questi seguivano la sua maniera di dipingere, soprattutto il suo nuovo modo di illuminare le scene con un raggio di luce forte e diretta per far emergere dal fondo scuro le singole figure e creare forti contrasti chiaroscurali. Il taglio compositivo risulta più ravvicinato e più coinvolgente per gli spettatori. I soggetti rappresentati sono resi sempre a grandezza naturale ripresi così direttamente dalla realtà. Poi vi fu la seconda generazione dei seguaci di Caravaggio che è formata appunto dai pittori nati, come il Donini, intorno al 1585-1600, ma attivi a partire dal secondo decennio del Seicento, che non ebbero una specifica formazione tardomanieristica e non conobbero direttamente Caravaggio. Questi si formarono sulle sue opere assimilandone i dati esteriori e lo spirito, apportandovi delle peculiarità diverse. Uno dei più famosi caposcuola di questa seconda generazione fu Manfredi. Le opere del pittore, Tommaso Donini, sono state molto spesso confuse con quelle del bolognese Emilio Savonanzi (1580-1660). Così, attraverso il presente lavoro, Sonia Testa, basandosi sulla fondamentale ricerca condotta da F. D'Amico, vuole sottolineare nuovamente la paternità dell'opera, presa in esame, presente all'interno dell'Abbazia di Valvisciolo (Sermoneta, Lt) al suo legittimo esecutore.

Da sempre temuta, disprezzata e talvolta persino esorcizzata, la morte ha avuto sin dalla notte dei tempi un ruolo centrale nell'immaginario collettivo, configurandosi come pensiero estremo e tappa inevitabile per qualsiasi riflessione incentrata sulla vita e sui suoi significati. Il tema viene qui analizzato attraverso l'arte, prendendo in esame due secoli importanti e densi di cambiamenti nei quali essa è stata grande protagonista. Un'analisi storico artistica ma anche socioantropologica a cura del critico d'arte Francesca Callipari che intende qui indagare sul rapporto dell'uomo con la morte, conducendoci in un viaggio introspettivo che mira ad approfondire aspetti che troppo spesso tendiamo ad allontanare per paura, invogliandoci al tempo stesso a scoprire un po' di più alcune grandi opere della Storia dell'arte.

Cinque sono i colori primari, come i sensi, le vocali, le note musicali del tempo più antico, come le cose che convivono, concorrono ad un unico fine e si possono contare sule dita di una sola mano per averne più agevole memoria. Cinque pure, nella poesia cromatica in cui Emmanuela Zavattaro le raggruppa, le essenziali umane vicende per tutte le latitudini esperte della gioia e del dolore. Ogni colore interpreta argomenti che chiarificano il nostro esserci ed appartenere all’universo della vita, dal mistero dell’ingresso a quello dell’esodo, nei viaggi tra naturali istinti, sentimenti, favole d’illusioni, stagioni dell’amore, della speranza, del rimpianto della saggezza...

Quando l’arte diventa una vera e propria dipendenza, allora le opere che nascono riescono ad affermarsi come qualcosa di unico e inimitabile nel panorama artistico. Con i suoi ritratti, Guido Irosa ci offre una rappresentazione in toto della vita, perché la carrellata di esseri umani che ci presenta non ha niente di casuale. Con queste tele riflettiamo, meditiamo, vagabondiamo tra le strade dell’esistenza. Riusciamo a imparare a capire gli altri, a condividere con loro gioie e dolori, a mettere da parte l’egoismo, a maturare. Tratti tenui o forti, colori brillanti o spenti, sfondi vivaci o silenziosi. Tante sono le caratteristiche della pittura di questo artista che si interroga sul mondo e sugli esseri umani, che riesce a prendere la nostra tristezza e a trasformarla in qualcosa di molto più bello.

Un viaggio emozionante raccontato da fotografie esclusive attraverso siti in stato di abbandono.

La tessitura e i tessuti riguardano tutti. Tutti quanti ci confrontiamo dalla mattina alla sera con gli oggetti morbidi della vita domestica e instauriamo con loro un rapporto confidenziale. Asciugamani, coperte, tappeti, cuscini, tovaglie sono oggetti con i quali entriamo frequentemente in contatto, dai quali ci lasciamo accarezzare e toccare. L’autrice li tratta in forma narrativa, arricchendo il suo racconto di riferimenti storico-tecnici, per farne emergere la capacità di comunicare, sia che questi tessuti aderiscano a noi, sia che si interpongano tra noi e gli oggetti.