Storia dell'arte: stili artistici

Questo libro colma una grande lacuna negli studi su Carlo Maratti: l’attività del grande pittore nel campo della grafica; e dopo la monografia dedicata allo stesso Maratti da Stella Rudolph e Simonetta Prosperi Valenti Rodinò, Carlo Maratti (1625-1713) tra la magnificenza del barocco e il sogno d’Arcadia: dipinti e disegni (2024), ne costituisce un vero e proprio complemento. Il volume prende in esame non solo la produzione di peintre-graveur dello stesso Carlo Maratti, ma soprattutto quella successiva di inventor per le numerose composizioni che poi, tradotte dai più noti incisori del tempo, andarono a illustrare testi a stampa con frontespizi e pagine introduttive a molteplici serie di incisioni. Il caso più noto è l’invenzione Annibale che risolleva la pittura, scena incisa da Pietro Aquila e posta in apertura alle stampe dalle celebri pitture di Annibale Carracci nella Galleria Farnese, stampe volute e promosse da Giovanni Pietro Bellori. Dalla minuziosa indagine condotta per concludere questo libro, è emerso che il fenomeno della traduzione da dipinti di Maratti fu ancora più vasto di quanto finora noto e coinvolse una numerosa schiera di artisti incisori; la paternità del pittore è segnalata sulle lastre per lo più con l’indicazione di responsabilità: Maratti pinxit. Lo stesso pittore promosse, con una lucida determinazione, questa attività artistica volta alla maggiore diffusione delle sue opere; il fenomeno si protrasse per molto tempo, continuando oltre la sua vita, a documento della vastità della fortuna riscossa dal grande artista.

"Un esempio di arte grafica forte e “spiritualista” che prende spunto da messaggi provenienti da un'altra dimensione per produrre creazioni uniche e singolari Laure Pigeon (1882-1965) è una delle figure di spicco dell’Outsider Art, insieme ad Aloïse Corbaz e Adolf Wölfli. Con ogni probabilità, la Collection de l’Art Brut di Losanna possiede l’intera produzione dell’artista, che conta oltre 400 lavori, tra cui scritti, quaderni, piccoli disegni e una vasta serie di grandi composizioni realizzate con inchiostro blu. Queste opere fanno parte del nucleo originario della collezione storica del museo acquisito da Jean Dubuffet, per la quale è stato fondato. Nel 1978, la Collection de l’Art Brut ha ospitato la prima e unica mostra monografica dedicata a quest’artista. Una nuova esposizione, prevista per il 2025, sarà interamente dedicata a lei e presenterà una selezione rappresentativa della sua impressionante opera grafica, che copre un periodo di trent’anni di attività. Come Madge Gill, Jeanne Tripier, Augustin Lesage e Raphaël Lonné, anche Laure Pigeon apparteneva alla fratellanza spiritista, un gruppo di uomini e donne che si sentivano “prescelti” per ricevere messaggi dall’aldilà e sostenevano che i defunti fossero gli artefici delle loro creazioni: la mano dello spiritista, infatti, era guidata e si limitava a eseguire ciò che gli spiriti dettavano. Il catalogo, disponibile in francese e inglese, include saggi di vari autori e numerose illustrazioni a colori. Mostra: Collection de l’Art Brut, Losanna, dal 10 ottobre 2025 al 1° febbraio 2026.

Genio o follia? Il dibattito che accompagna la vita e le opere di Edvard Munch si inserisce in una lunga tradizione di pregiudizi che hanno segnato la storia dell’arte. Il volume affronta la questione con un approccio multidisciplinare e multiprofessionale, interrogandosi su quanto il legame tra “follia e arte” sia il prodotto di vecchi schemi psichiatrici e di nuove derive algoritmiche. Dopo aver analizzato lo stigma politico e artistico in precedenti lavori dedicati a van Gogh e Caravaggio, l’autore propone uno studio che intende restituire autonomia concettuale al genio e all’arte, sottraendoli all’associazione artificiosa con la malattia mentale. La vicenda di Munch diventa così banco di prova per ribadire che la creatività appartiene alla normalità e che la grande arte è espressione estetica e culturale, non psicopatologica. Scorrevole come un romanzo ma con finalità pedagogiche, il saggio invita a riflettere sul rapporto tra mente e corpo, sulle distorsioni del pregiudizio e sull’attualità del tema, offrendo al lettore strumenti per riconoscere la grandezza dell’artista norvegese e collocarlo, a pieno titolo, nel Pantheon del genio umano.

Per celebrare 20 anni di attività artistica, questo catalogo monografico di 128 pagine offre un’ampia panoramica sull’opera del pittore Alessandro Bulgarini, attraverso una selezione di un centinaio di opere tra dipinti e disegni che raccontano un viaggio di ricerca, ispirazione e dedizione. Il volume, con testo introduttivo del filosofo e docente Massimo Rossi, è pensato non solo come strumento di documentazione, ma come occasione di scoperta e rilettura di un lavoro pittorico articolato e rigoroso, che si distingue per intensità, coerenza e profondità evocativa. Ne emerge il ritratto di un artista dalla voce autentica, capace di intrecciare sensibilità contemporanea e riflessione filosofica, in un dialogo costante tra immaginazione e simbolo. Ad arricchire la pubblicazione, una raccolta dei testi critici delle principali mostre personali realizzate nel corso degli anni e firmati da studiosi e curatori (Giulia Airoldi, Giancarlo Bonomo, Lucio Giuliodori, Giacomo Maria Prati, Luca Siniscalco) che hanno analizzato in profondità i temi, le scelte formali ed estetiche e le radici culturali del linguaggio di Bulgarini.

Dolci o maestose, fiammeggianti d’autunno o candide sotto un manto di neve, le montagne dominano il paesaggio giapponese. In questo cofanetto, oltre sessanta opere di maestri quali Hiroshige, Hokusai e Kawase riproducono le vette sublimi dell’Arcipelago, tra irte scarpate e valli brumose. Dal sacro Fuji alle cime che si profilano lungo la via del Tōkaidō, questi luoghi di pace accolgono spiriti misteriosi, e invitano il viandante a contemplare le bellezze della natura in ogni stagione.

Dalle pitture rupestri agli spot painting di Damien Hirst, passando per gli autoritratti di Rubens e le ninfee di Monet, ecco la storia dell’arte secondo Banksy! A forza d’irriverenti installazioni urbane, parodie pittoriche e capolavori dissacrati, la superstar della street art ci offre uno sguardo inatteso sui grandi classici, dialogando con le tematiche attuali più scottanti e al contempo dando prova di una profonda conoscenza della tradizione artistica. Le oltre 40 opere rivisitate da Banksy e analizzate con finezza dal critico Kelly Grovier ci portano a ripensare il nostro rapporto con i capolavori fondanti della cultura e dell’estetica per dare un nuovo senso alla storia dell’arte.

Un viaggio alla scoperta delle eccellenze dell’artigianato artistico e della tradizione in Puglia. Un percorso tra la pietra e il legno, la ceramica e il ferro, la cartapesta e i tessuti, le luminarie e gli strumenti musicali. Un incontro con le donne e gli uomini le cui mani e parole modellano le storie. Un cammino lungo la strada in cui la memoria incrocia l’innovazione all’insegna di un futuro sostenibile, espressione viva dell’identità del territorio.

Lo storico dell’arte e professore Andrea De Marchi ci presenta, descrivendola minuziosamente, un’opera inedita di Simone Martini, una Pietà di piccole dimensioni, le cui autentiche qualità pittoriche sono state riportate alla luce dall’attento restauro condotto da Stefano Scarpelli. Il dipinto risale agli anni giovanili di Simone Martini, poco prima del matrimonio con Giovanna Memmi nel 1324, quando l'artista si muoveva fra Pisa, Orvieto e Siena. Concepita in origine come parte destra di un dittico, di cui manca la valva di sinistra presumibilmente con la Madonna col Bambino, questa tavola fu usata come Osculatorium e alcune parti deteriorate lo confermano. Essa presenta delle particolarità iconografiche, come l’impressione che Cristo sia ancora vivo data dalla raffigurazione espressiva del volto. Sono molti gli interessanti confronti che De Marchi compie con altre opere di Simone Martini e di artisti coevi, soprattutto del cognato Lippo Memmi, con cui ci fu una stretta collaborazione, ma anche di Giotto, Pietro e Ambrogio Lorenzetti, Allegretto Nuzi e Naddo Ceccarelli. Una scoperta emozionante che ci riporta nell’universo giovanile dell’artista senese, dove questa tavola è ancora attraversata «da un fremito di vita, estremo, doloroso».

Per secoli, la Storia dell'arte ha relegato le donne ai margini, rendendole muse o eccezioni alla regola in un pantheon dominato dagli uomini. Con uno sguardo radicale e innovativo, Griselda Pollock e Rozsika Parker mostrano come la Storia dell'arte non sia un racconto neutro, ma un sistema di linguaggi, criteri e valori modellati per definire l'arte come spazio di creazione esclusivamente maschile. Non si tratta quindi solo di aggiungere qualche figura femminile a un canone consolidato, ma di mettere in discussione i presupposti stessi della disciplina costruiti strategicamente sull'esclusione delle artiste. Un classico della critica d'arte femminista finalmente disponibile in italiano, che continua a essere una risorsa essenziale per chiunque voglia comprendere non solo la storia dell'arte, ma il modo in cui il potere plasma la cultura attraverso l'ideologia.

In questo raffinato studio, Ladislao Mittner esplora l’Espressionismo in tutte le sue declinazioni artistiche: dalla letteratura alla musica fino alla pittura. Mittner ricostruisce con rigore storico e sensibilità critica il movimento, offrendo una panoramica completa e approfondita delle sue manifestazioni. Pubblicato originariamente nel 1965 e diventato un classico della germanistica italiana, il libro riflette la visione matura di un maestro del settore. Una guida essenziale per chi desideri comprendere la complessità di un fenomeno che rivoluzionò il linguaggio artistico del primo Novecento.