Coniglio Editore: Soundcheck

Le poesie raccolte in questo volume coprono un arco cronologico che va dal 1983 al 2011, abbracciando fasi alterne della carriera musicale di Federico Fiumani. Viene fuori da questi raccoglimenti interiori la lenta costruzione di un mondo e di uno stile. Flash di dentro e di fuori. Pensieri intimi, assenze domenicali, epifanie notturne. La vita vissuta ai bordi della musica e al centro della new wave, sui palchi, tra locali e autogrill, e poi la vita che si guarda scorrere accanto. La vita fissata con occhi voraci, come se non bastasse mai, e insieme stanchi, come se non servisse a nulla. La vita scolpita in parole mutevoli e mai definitive. Perché la vita, come il rock, "batte altri sentieri".

"Un musicista, se la propria musica comunica ed emoziona realmente, non ha nulla da spiegare e null 'altro da aggiungere a quello che si ascolta nei suoi lp". Così Lucio Battisti motivava la sua ritrosia nei confronti delle interviste e dei giornalisti. Nel 1974 Renato Marengo, giornalista e produttore musicale, riesce a superare la barriera di silenzio che avvolgeva il cantautore ormai da cinque anni e trascorre con lui cinque giorni al "Mulino", dove Battisti stava registrando "Anima latina", dialogando di tutto, ma soprattutto di musica. Nasce così la lunga e ormai storica intervista pubblicata su "Ciao 2001", il settimanale musicale più seguito dai giovani negli anni Settanta. La vera storia dell'"intervista esclusiva" viene per la prima volta raccontata in questo libro dallo stesso Marengo, con dovizia di particolari e con l'ausilio di coloro che furono testimoni di quel memorabile incontro (Claudio Pascoli, Alberto Radius, Toni Esposito, Claudio Bonivento, Cesare Montalbetti). Il libro è preceduto da un lungo saggio del musicologo Gianfranco Salvatore, uno dei massimi studiosi di Lucio Battisti, che scompone e ricompone i 9 brani di "Anima latina", il disco che rappresenta una mutazione e una maturazione nello stile del cantautore reatino e rappresentò una svolta nel modo di fare musica in Italia.

Dopo lo scioglimento del quartetto di Liverpool, l'esperienza e la maturità raggiunti portano George Harrison a un nuovo equilibrio artistico, prima come solista, poi come produttore discografico e cinematografico. Il ritratto che progressivamente emerge dalla biografia che Joshua M. Greene dedica al più giovane dei Fab Four è quello di un personaggio dalla doppia anima. L'aspetto musicale è il più noto: fino al 1970 ha un nome, The Beatles, attraversa eventi mediatici che lasciano il segno e successi discografici senza precedenti, cantati e suonati ancora oggi dal mondo intero. Il secondo aspetto di cui ci parla Greene - che costituisce la parte più ampia del libro - è quello spirituale, privato, legato alla meditazione induista, alla pratica dello yoga e alla ricerca del sacro. Queste due anime corrono parallele nella vita di George Harrison e arrivano a intrecciarsi. Nel 1965, quando viene folgorato dal sitar di Ravi Shankar, il suo mondo non sarà più lo stesso. E anche la sua musica ne risentirà profondamente. Questo mutamento ha un peso e un'influenza determinante nella produzione artistica con i Beatles, che giungerà poi a maturazione nel 1971, nei suoi album da solista: "All Things Must Pass" e "The Concert for Bangla Desh". Malato di cancro, il 29 novembre 2001 prende la morte per mano nella convinzione che "è solo il corpo che cambia. L'anima è la stessa alla nascita e alla morte".

Da cinquant'anni il Festival di Sanremo, manifestazione nazional-popolare per eccellenza, inchioda l'Italia alla TV e arriccia nasi intellettuali. La sua è una storia di pregiudizi e contro-pregiudizi, di lustrini esibiti e malcelati veleni. Musica per i nostri occhi, carrozzone mediatico a presa immediata. Eppure, in un modo o nell'altro, "dalla città dei fiori" è passata la gran parte degli artisti eletti ad alfieri della musica d'autore, quella comunemente messa in contrapposizione al Festival. Perché se la canzone è tanti generi con relative varianti e possiede in sé la possibilità di trasformarsi in arte, di scolpirsi nella memoria o svanire come una brutta barzelletta, non conta molto il palco che vorrà o potrà utilizzare. Gli autori ci raccontano, rifacendosi alla storia, come anche Sanremo sia servito, con la sua straordinaria visibilità, a lanciare o consolidare talenti e come molti insospettabili della nostra canzone "colta", pur non esibendosi, vi abbiano preso parte. Per arrivare alla consapevolezza che solo con un'attenta analisi di sessant'anni di Festival si può avere una storia della canzone italiana libera da schematismi e pregiudizi. Il volume è arricchito da una postfazione di Peppino Ortoleva.

Ci sono uomini dotati di un occhio speciale, capace di arrivare dritto al centro della vita. E di vite parlano, per sbeffeggiarle, riscattarle, consolarle, a volte per cambiarle. Cantante per scelta, fingitore per professione, Fabrizio De André, con la sua penna facile e funambolica, con la sua voce da sciamano, era uno di questi. A guidarlo un istinto sicuro da esploratore anomalo, quasi "stanziale", che lo ha portato nel tempo a costeggiare gli chansonnier francesi, a evocare ballate dimenticate, a cantare l'umanità senza volto dei personaggi incontrati e immaginati nel suo viaggio "in direzione ostinata e contraria": "Bocca di Rosa", "Princesa", "Coda di Lupo", "Jamin-a". Ne ripercorriamo le tappe attraverso questo studio di Doriano Fasoli, pensato e scritto in collaborazione con Fabrizio, corredato da tutti i testi e da una discografia completa curata da Luciano Ceri. A arricchirlo, le testimonianze di chi - da Dori Chezzi a Paolo Villaggio, da Fernanda Pivano a Mauro Pagani e Francesco De Gregori - per molto o per poco tempo, ha avuto il privilegio di camminargli a fianco.

È la sera del 23 aprile del 1972. La cena della domenica è finita, ma la settimana ci riserva ancora un momento di svago. Il grande varietà: Teatro 10. Mina e Alberto Lupo hanno un ospite molto speciale. Si chiama Lucio Battisti, il principe della musica leggera italiana. Il principe e la regina della canzone si incontrano per la prima volta al centro della scena. L'orchestra tace, calano le luci, la band comincia a suonare e loro a cantare. Ma quando Mina e Lucio finiscono l'esibizione, il lunghissimo applauso del pubblico lascia il posto a un lungo silenzio. Mina e Lucio non s'incontreranno più sul palcoscenico. In cuor loro hanno già deciso di lasciare le luci dello show business: per fare e vivere la loro musica non ne hanno bisogno. Il loro addio è cominciato oggi, 23 aprile 1972. E presto anche l'Italia non sarà più la stessa. Quest'ultimo spettacolo chiude la nostra età dell'innocenza e dell'entusiasmo. Da domani nelle case si comincerà a parlare di crisi, di recessione, di terrorismo. Una notte senza sogni. Il libro di Enrico Casarini fotografa questo momento favoloso e drammatico della nostra storia. La vicenda della grande serata di Teatro 10 si intreccia con la vita quotidiana del Paese. L'epopea televisiva di Mina e Antonello Falqui e le prime azioni delle Brigate rosse. Battisti che incide i suoi capolavori. L'arrivo dei computer, dei videoregistratori e dei tv-color, gli scandali che chiudono la "Dolce vita" e i drammatici gialli politici di Feltrinelli e Calabresi.

La rivoluzione digitale ha rivoltato come un guanto il mercato discografico; nessun altro ambito è stato modificato cosi profondamente da Internet ed elettronica. Vinili, mangiadischi, impianti hi-fi, nastri magnetici, walkman, oggetti feticcio amati da intere generazioni sono stati progressivamente messi all'angolo dall'avvento del digitale. "Copio, dunque sono" traccia un'antropologia del consumo musicale dai primi fonografi ai giorni nostri, raccontando di come la musica sia stata sottratta alla strada per essere inscatolata nelle nostre case, e poi alla strada sia tornata, fluendo su agili supporti portatili. C'è la nascita dei CD, della digitalizzazione che ha spodestato il concetto di "copia originale", di Internet, dei file mp3; c'è la rivoluzione elettronica che ha cambiato per sempre il nostro modo di acquistare, di consumare, di percepire, di conservare, ma anche di fare musica. E una richiesta di sopravvivenza, nelle piccole riserve indiane dei negozi di dischi, in nome del caro vecchio analogico.

Negli anni 60-70, Mina è stato in assoluto il personaggio che ha occupato le maggiori copertine dei periodici, e con esse, spesso, interviste da cui emergeva un'artista controversa, intelligente, spiritosa, forte e debole allo stesso modo, ma soprattutto autentica. Poi, nel '78, in occasione degli ultimi concerti a "Bussoladomani", la decisione di ritirarsi dalle scene, e la volontà di rompere, poco dopo, ogni rapporto in prima persona con la carta stampata. Ma Mina, aveva parlato abbastanza, prima di allora. Fernando Fratarcangeli ha idealmente legato le interviste, rilasciate in uno spazio di vent'anni, per ripercorrere una carriera straordinaria e luminosa che l'ha eletta la più importante interprete del pop italiano. Nel volume sono inserite le riproduzioni a colori delle varie copertine di riviste da cui le interviste sono estratte, insieme ad altre particolarmente interessanti o rappresentative del suo percorso artistico.

Questo libro, frutto di una meticolosa ricerca tra carta stampata, radio e filmati di repertorio televisivo, raccoglie tutte le interviste, le dichiarazioni, i commenti rilasciati da Lucio Battisti dal febbraio 1966 fino all'ultima intervista concessa alla Radio Svizzera nel maggio 1979. È la ristampa aggiornata, corretta e ampliata di un libro esaurito da tempo. È un volume che raccoglie tutte le parole "pubbliche" e pubblicate attribuibili con certezza a Lucio Battisti, uno dei più grandi autori italiano di musica, di cui erano noti la ritrosia, i modi ironici e scontrosi delle sporadiche e rare concessioni verbali alla stampa. strumento d'indagine e di piacere per tutti gli appassionati battistiani.

I Diaframma, gruppo di Federico Fiumani, si sono imposti da subito come i principali esponenti della new wave italiana. In queste pagine sono riportati tutti i loro testi, con note a margine dello stesso Fiumani.