NFC Edizioni

La determinazione con la quale Fabrizio Spucches affronta le contingenze collettive è unica. Il suo lavoro si origina dalla necessità di capire ciò che ha di fronte. La sua fotografia non è mai una provocazione fine a sé stessa, anzi, il suo sguardo ha il potere di scovare e conseguentemente certificare le innumerevoli contraddizioni della nostra vita. Si tratta di un modus operandi che inevitabilmente viene riproposto nell’esperienza di NoWay!: un percorso visivo orientato a cristallizzare un concetto comune, quello della memoria che, altrimenti, rischierebbe di subire una perpetua vanificazione. NoWay! - tradotto dall’inglese, significa “non se ne parla nemmeno” oppure “fori discussione”- riesce ad aggirare l’inganno della fotografia e costringe il pubblico a prendere atto di una tragedia alla quale oggi è impossibile sottrarsi.

Il tredicesimo volume di una nuova ed elegante collana dedicata alla fotografia.

Libri fotografici monografici, nati per celebrare il rapporto viscerale tra corpo e ambiente circostante, tra essere umano e sessualità, per riscoprire una sensibilità ormai perduta verso il proprio essere attraverso gli occhi di fotografi internazionali.

Amori, tradimenti, affari, vastasate, ammazzatine, prepotenza sono i registri tradizionali impiegati nella letteratura e del teatro siciliani. «'U cafè» intreccia i tradizionali registri tipici della narrazione siciliana: la robba, l'Inquisizione (ingombrante presenza da eludere con artifici e inganni), il latifondo, l'intrallazzo, e infine, il tentativo continuo di superare ogni difficoltà, ogni avversità utilizzando metodi nuovi, e una disperata ricerca dei "lumi", talvolta spinti fino all'inganno, alla menzogna e al dileggio. Un'amara analisi della realtà storica e una struttura narrativa teatrale, ironica e comica. Tra fantasia e verità, l'invenzione del caffè, bevanda calda e corroborante così come la conosciamo, e ancora oggi consumiamo, ci porta nel '700 siciliano.

La seconda edizione di CHORUS vuole mantenere gli obiettivi prefissati già nella prima edizione: costruire una mostra-evento per venire incontro alle esigenze di un pubblico sempre alla ricerca di qualcosa di diverso e interessante. 16-19 maggio 2024 - MAC Musica Arte Cultura - Piazza Tito Lucrezio Caro, 1 - Milano.

Con studi fotografici alle spalle ma con un’esperienza acerba, cerca di affinare il suo linguaggio fotografico provando tecniche di ripresa che in alcuni casi svilupperà e in altri quasi abbandonerà in seguito. Facendosi ispirare da maestri della fotografia e dall’unicità di quei paesaggi, compie dei veri e propri esercizi di stile. Le fotografie dei riti religiosi ci rimandano agli affascinanti lavori di Ferdinando Scianna, mentre i ritratti ambientati e lo studio quasi antropologico degli abitanti riconducono ai censimenti della Farm Security Administration. Ne viene fuori uno straordinario reportage di viaggio nella sua accezione più classica, di cui Marco ci lascia solo 31 stampe originali, un tentativo di editing mai ripreso in seguito. Grazie alla collaborazione con la Fototeca Marco Pesaresi e ai racconti diretti di Roberta Pozzi, la compagna che lo seguì in quella avventura, abbiamo effettuato un editing finale della narrazione originale selezionando 100 immagini da un totale di 1200 negativi.

Andrea Marchesin nasce a Motta di Livenza (TV) nel 1975. Si accosta casualmente alla fotografia da autodidatta, affinando progressivamente le conoscenze tecniche ed espressive legate all’ambito fotografico, interessandosi principalmente a temi legati al paesaggio, alla street photography e allo still life. Inizialmente lavora con il bianco e nero e si specializza in tecniche di stampa fine art, curandone personalmente il processo realizzativo. A partire dal 2018, dopo l’incontro con Franco Fontana e Oliviero Toscani, apre i suoi orizzonti sull’immagine a colori. L’avvento della crisi pandemica e degli orrori delle guerre, da lui intimamente vissute in maniera traumatica, fanno scattare una profonda e irreversibile presa di coscienza sociale e culturale, provocando un netto cambiamento nella sua visione artistica: abbandona la fotografia e inizia ossessivamente a disegnare e a scolpire, esplorando ininterrottamente nuovi territori espressivi, che sente sempre più suoi.

La pittura di Gianluca Ghigi è una planimetria di colori. Le diverse tinte vivono tra i confini geometrici delle linee, trovano un limite e un ordine nelle porzioni di campi immaginari, nelle sfaccettature del diamante formato dal contrappunto di accostamenti felici o stridenti. La supremazia del colore, domina anche i suoi disegni a pennarello, che nutrendosi di contrasti sembrano rispondere ad una musica sottintesa, una partitura coloristica. Il disegno è spesso un contorno netto, deciso, entro cui imbrigliare la festa dionisiaca del colore, tenerlo a freno, ma anche esaltarlo, dargli un corpo e conferirgli quel ruolo di protagonista che ha dimostrato di pretendere sin dal principio.

«"Corpo antico" è un dialogo immaginario con il caso che genera effetti stupefacenti, rivitalizzati da sguardi altri e impreziositi da inaspettate compresenze, è un germoglio di novità e nuova ricerca, prelude ad un nuovo percorso in equilibrio tra astratto e figurativo che evoca risonanze profonde, con rimandi all'antropologia e al mondo degli archetipi visivi». (Livia Savorelli)

«Per la X edizione della manifestazione artistica Contemporanea, a marzo 2023, è stato indetto dal Direttore Artistico Emanuele Moretti e la curatrice Arianna Sera, il primo Contemporanea Prize, rivolto ad artisti nazionali ed internazionali che operano sul territorio italiano. La selezione ha decretato 29 artisti vincitori, oggi esposti all'interno delle Scuderie del Palazzo Orsini-Colonna, invitati a realizzare opere in dialogo con il luogo che le ospita. Ogni opera è un racconto personale che l'artista ha realizzato site specific. (…) L'esposizione, celebrazione della contaminazione culturale tra il passato e il contemporaneo, esplora le intersezioni creative e le influenze reciproche che hanno plasmato l'arte e la cultura nel corso dei secoli».

A poco più di 10 anni dalla sua fondazione l’associazione TRA si scioglie e lo fa con una mostra densa di positività e di creatività, che costituisce un dialogo generazionale e un incrocio tra linguaggi e tendenze. Secondo il suo stile, TRA porta alla città un’occasione di lettura del mondo artistico contemporaneo, chiamando attorno a sé artisti che sono stati presenti nelle sue attività, soprattutto nella sede di Ca’ dei Ricchi e a Casa Robegan, con la mostra diffusa che ebbe in “Re.Use” (2018-19) la collaborazione del Comune e del Musei Civici di Treviso per un evento di qualità internazionale che tutti ricordano. Il tema dell’ultima esposizione non poteva che essere un “Happy Ending”, un saluto al pubblico trevigiano, un finale ironico e positivo che non solo illumina lo spirito di TRA, ma che vuole ricordare che l’arte contemporanea deve sempre tendere a recuperare il senso critico attraverso l’originalità e l’intelligenza estetica. Un’opera di Giuseppe Chiari dichiara “Art is easy”, in pieno spirito Fluxus il musicista e artista fiorentino, lanciò uno slogan che fa parte del bagaglio delle avanguardie del ‘900.

Eduardo Cardozo è un artista silenzioso. Il suo lavoro è preciso e, allo stesso tempo, complesso. Il suo pensiero è intricato e il suo ritmo ansioso. Si accumulano idee per le quali gli è difficile trovare le parole. Con le lettere o i discorsi non si trova a suo agio, agire e pensare con le mani e con il corpo gli riesce più naturale. Gli piace sporcarsi, toccare la materia, sentirla e riflettere a partire da questo incontro. Si definisce un pittore che dipinge con diversi mezzi e materiali, sia ad olio che con lavori in tela, rammendando e cucendo... per lui questi sono tutti diversi modi di dipingere. Lo stesso vale per le installazioni e gli interventi in bronzo, ferro, argilla e così via. Questo è il suo linguaggio e il suo modo di rapportarsi con il mondo esterno.