Electa

Il libro analizza la storia istituzionale e il modello organizzativo dell'Istituto Centrale del Restauro dalla sua fondazione nel 1939 a oggi. L'attuale direttrice Caterina Bon Valsassina si sofferma su avvenimenti e trasformazioni mettendo in luce i punti di fragilità, le difficoltà, gli aspetti non più attuali, quegli scarti inevitabili tra il progetto delle origini e la sua traduzione in realtà nel corso del tempo che aiutano ad evidenziare gli elementi di continuità con il presente e le aperture al futuro. Il volume rende manifesto gli stretti legami esistenti tra l'organizzazione dell'istituto e le attività istituzionali (toccando così anche i temi legati alla storia del restauro, dei restauratori e della ricerca scientifica applicata al settore) e tra l'istituto e il ministero (legame a volte conflittuale, a volte collaborativo, a volte indifferente ma sempre imprescindibile). I quattro capitoli in cui si articola il testo analizzano la nascita dell'Istituto sotto la direzione di Cesare Brandi (1938-1961), la successiva fase con la direzione di Pasquale Rotondi (1961-1973), la trasformazione dell'Istituto con Giovanni Urbani (1973-1977) e infine i progetti e i problemi dagli anni Ottanta e Novanta ad oggi. Oltre l'agiografia, il saggio scava nella storia tentando di rispondere alla domanda: è possibile mantenere vivo e vitale un centro di eccellenza per un periodo di tempo così lungo?

Il volume, risultato della ricerca condotta dello studioso di origini australiane Andrew Hopkins, restituisce la figura e l'opera dell'architetto e scultore veneziano Baldassarre Longhena. Allievo di Scamozzi, di cui completò le Procuratie Nuove in piazza San Marco a Venezia, Longhena con la sua opera segna profondamente il carattere della Venezia del Seicento. Oltre alla chiesa di Santa Maria della Salute, sua opera più rappresentativa e nota, progettò, sempre per la città lagunare, le chiese degli Scalzi e dell'Ospedaletto, le facciate per la Scuola dei Carmini, lo scalone di San Giorno Maggiore, e tra gli edifici civili, Ca' Pesaro e Ca' Rezzonico, entrambi su Canal Grande. Il volume ripercorre la vita e l'opera architettonica e scultorea dell'architetto restituendone, attraverso un ricco apparato fotografico, le grandi qualità di inventore e scenografo attento all'uso plastico della materia e della luce.

In età romana la presenza di marinai e commercianti alessandrini favorì l'introduzione del culto egizio di Iside in Campania. Il cuore pulsante della mostra sono le attestazioni di tale culto nei Campi Flegrei - con materiali di recente ritrovamento - a Pompei, Cuma e Benevento. Protagonista del percorso di mostra è anche la ricchissima documentazione del tempio di Iside di Pompei e, al di fuori dei santuari, numerosi ritrovamenti di materiali documentano la diffusione del culto anche in ambito privato, in particolare a Pompei ed Ercolano. In seguito alla conquista dell'Egitto da parte di Augusto, si diffuse inoltre l'egittomania che pervase le pitture, le decorazioni, gli oggetti di faïence, le suppellettili e i monili.

All'interno del volume si è tentato di tracciare un percorso omogeneo prendendo in esame quei vetri che hanno caratterizzato la produzione vetraia europea e intenzionalmente si sono analizzati alcuni degli oggetti più noti, quasi scontati, ponendoli a confronto con altri meno conosciuti. La produzione vetraia del XV secolo dimostra quanto ancora fosse preponderante l'influenza tecnica, prima ancora che formale, della vetreria romana, diffusa in tutta Europa e mantenuta viva in epoca medievale, in una sorte di 'custodia protetta' dai cenobi monastici. Successivamente, a metà del Quattrocento, emerse la vetraria muranese, favorita dalla propizia situazione commerciale ed economica di Venezia, che ideò nuove forme vetrarie, riscoprì antiche ricette e contemporaneamente sperimentò innovative tecniche. Nel Cinquecento le fornaci europe imitarono i vetri, le tecniche di esecuzione e decorative della vetraria veneziana e in tempi relativamente brevi furono in grado di manifestare linguaggi e scelte stilistiche autonome, coerenti e adeguate al gusto e alla cultura artistica delle singole nazioni.

Il volume illustra una selezione di case rappresentative del panorama architettonico contemporaneo dell'America Latina. Le opere qui illustrate rappresentano un campione sufficientemente rilevante di residenze unifamiliari realizzate da architetti attivi nei paesi latino-americani, diversi per formazione, maturità espressiva e appartenenza generazionale.

Il volume è il catalogo della mostra "MAXXI. Cantiere d'autore" (Venezia, 10 settembre - 13 novembre 2006) che propone al pubblico della 10ª Mostra Internazionale di Architettura il tema del cantiere, dalla sua immagine ai suoi significati nella cultura del progetto, come momento rilevante, ma spesso trascurato, per la qualità dell'architettura. L'idea è di porre l'accento sul cantiere del MAXXI, il museo delle arti del XXI secolo che sta nascendo a Roma e, più in generale, sui cantieri delle grandi opere pubbliche italiane. L'iniziativa intende presentare il cantiere del MAXXI attraverso immagini d'autore, appositamente realizzate per le collezioni di architettura e per illustrare le diverse fasi di attuazione della grande architettura disegnata da Zaha Hadid nel panorama romano.

Francesco Venezia (Lauro, Avellino, 1944) si è laureato in architettura all'Università di Napoli, città dove svolge la sua attività professionale. Professore di composizione architettonica all'Istituto universitario di architettura di Venezia, ha insegnato in diverse università in Europa e negli Stati Uniti. Le sue opere hanno ricevuto diversi riconoscimenti e sono state pubblicate, come i suoi scritti, dalle principali riviste internazionali. Tra le pubblicazioni che raccolgono suoi studi, vi sono: "La Torre d'Ombre o l'architettura delle apparenze reali", Napoli 1978; "Francesco Venezia", Madrid 1989; "Scritti brevi", Napoli 1990; "Korean Architects", 8, 1995.

Il volume raccoglie gli scritti autografi di Antoni Gaudí stesi nell'arco di tempo compreso tra il 1873 e il 1925. La raccolta presenta una rassegna di testi teorici e di studio sull'architettura, la costruzione e la decorazione arricchita da un nucleo dedicato alle relazioni di progetto ­ tra le quali spicca da descrizione della cripta del tempio della Sagrada Famiglia. La seconda sezione, dedicata ai documenti, raccoglie testi specifici su progetti e opere realizzate a cui appartengono sia scritti su aspetti tecnico-costruttivi, storici e topografici delle architetture sia documentazioni accademiche e biografiche. L'ultima sezione, interamente dedicata alla corrispondenza, raccoglie lettere destinate a colleghi architetti e personalità di rilievo.

L'esposizione, centrata su un significativo nucleo di opere recenti della collezione di Ernesto Esposito, aspira a ricostruire una galleria di ritratti in cui personaggi e situazioni celebrano e rappresentano le contraddizioni, le inquietudini e i rapporti interpersonali nel nostro tempo. Attraverso dipinti ed immagini fotografiche di oltre cinquanta autori di generazioni ed aree culturali e geografiche diverse, la quotidianità e la sua parodia, l'erotismo, il sesso, gli orrori della guerra, i contrasti sociali, la contrapposizione politica, il mito dell'artista ed il culto della personalità o la morte si rincorrono nella vanità della posa fotografica o nell'iperbole della pittura, proponendo una inedita e del tutto parziale commedia umana della contemporaneità.

Marc Quinn è nato e vive a Londra. Nel 1984 ha iniziato a lavorare come scultore. Ha esposto in numerose mostre, tra cui: "SeIf" alla Jay Jopling/Grob Gallery (Londra), "Young British Artists Il", alla Galleria Saatchi (Londra), "Sensation!" alla Royal Academy of Arts di Londra, alla Barbara Gladstone Gallery (New York) e alla Fondazione Prada (Milano). Marc Quinn utilizza vari media per indagare il modo di preservare le forme viventi. I suoi lavori intrecciano sempre la vita con la morte, il reale con l'immaginazione. Ha realizzato sculture per importanti piazze italiane e per Trafalgar Square a Londra.

Il volume è il catalogo della mostra di Roma (Musei Capitolini, 29 giugno - 27 agosto 2006) e di Vicenza (Gallerie di Palazzo Leone Montanari, 9 settembre 5 novembre 2006). L'esposizione, che raccoglie 60 opere provenienti dai più importanti musei russi, si articola in un percorso che, spaziando dall'antichità al XIX secolo, è in grado non solo di documentare le trasformazioni e i passaggi filologici, ma anche l'evoluzione di un linguaggio artistico che ha costituito la base dell'espressione popolare russa.