Nulla Die

In punto di morte, una donna anziana evoca una misteriosa figura femminile, di nome Sara, sconosciuta ai familiari presenti. "Sara... È venuta a prendermi Sara... Ora posso andarmene tranquilla." La giovane nipote, che si chiama Martina Corrao, personaggio principale e contemporaneo, rimane particolarmente colpita da tali e incomprensibili parole. Perciò decide di intraprendere un'ostinata e appassionata ricerca, che la condurrà a scovare vicende esistenziali complesse e segreti inconfessabili. Emerge così, nel contesto temporale coincidente con gli anni della Seconda guerra mondiale, un orizzonte umano e sociale segnato fortemente da pregiudizi, omertà e violenze, perpetuati, soprattutto, ai danni del mondo femminile e mai compiutamente dissolti, neanche ai giorni nostri.

Alcuni misteriosi omicidi e il terrore di un assassino che si aggira indisturbato tengono in ostaggio la giovane borgata di Grassello di Sicilia seminando il terrore tra i paesani che fino a quell'aprile del 1880 avevano vissuto in pace. Emanuele Cortisanti, detto Nenè, è uno dei pochi contadini che ha studiato: anche per questo decide di seguire le indagini dei Carabinieri Reali e si spinge ben oltre mettendo a rischio la sua stessa vita. Tra la raccolta d'indizi, dubbi e prove schiaccianti cui Nenè non riesce a dare una concreta risposta si snoda la trama che restituisce i volti e i desideri di un mondo dominato dalla miseria, dalla fatica e dal grande divario che segna un solco profondo tra il popolo umile e i ricchi signori della borgata.

In Paesaggi i componimenti, come dipinti espressionisti, rivelano segni, interpretano il mondo sensibile, ne intuiscono le connessioni. Il paesaggio naturale è protagonista, diventa metafora dei moti dell’anima, dell’amore, dell’esistenza. Il linguaggio evocativo delle poesie, il ritmo sincopato dei versi, come in un rituale magico in connubio coi sensi, raccontano un musicale divenire, un essere parte indistinguibile dal tutto, un finale di luce.

Nell'anima di ogni individuo si creano crepe più o meno ampie. Ogni crepa è un sasso gettato dentro al pozzo dell'esperienza, dei ricordi, della crescita. Capita raramente che dalle voragini che si creano fuoriescano altri pezzi di noi. E sono demoni, lingue di fuoco infernali, macchie che agganciano il destino e stridono dentro ai pezzi di cervello restati illesi. Non puoi controllare la fuoruscita di te da te stesso. È lì che ognuno cerca riparo in qualche caverna di fortuna e spera che la pioggia possa dare una tregua e abbandonare i giorni. Ho una caverna che si chiama Paroxetina. Un insieme d'immagini, guide, strette di mano. Una mappa che porti l'altro te fuori dal labirinto che si è creato. Paroxetina è una terapia. È chimica ricerca di benessere, scientifica accettazione di sé stessi, materno abbandono alla guida. È un graffio sulle pareti della coscienza, un lento scendere per risalire, una nuova, improvvisa forza prima dell'abbandono definitivo. Paroxetina illude di portarti oltre e t'incatena allo stesso punto sino alla fine.

"In adorazione di Venere" è una silloge poetica dedicata all'amore per sé stessi. L'amore è visto come assoluta fonte di conoscenza, la possibilità stessa del vivere. Tra figure retoriche, simbologie, ritmi la silloge ripercorre una storia fatta di immagini e silenzi naturali, visti come corrispettivo materiale della donna che l'autrice sceglie di amare, appunto sé stessa. Amore la cui natura è eterna, incorruttibile, trascendente, viatico per una consapevolezza ed energia per una trasformazione interiore, fisica, mentale, psicologica.

"Nessuno" è molto più di una silloge poetica. È un vero e proprio viaggio alla ricerca del più recondito sé, andando alla ricerca delle proprie ataviche radici, scavando dentro la storia di quei miti che fanno parte del nostro vissuto. Di Bella lo fa attraverso uno stile che ricrea una nuova lingua poetica semplice come la realtà, di saggezza antica e moderna sensibilità, capace di dischiudere il valore più nascosto e profondo degli oggetti e delle esperienze quotidiane, capace di scuotere cuore e mente del lettore. Leggete lentamente e vedrete. (Stefano Durante Poccetti).

La nostra vita è un susseguirsi di metafore, più o meno evidenti ai nostri occhi: nel caso di Birds la rivelazione avviene grazie al volo degli uccelli, padroni del cielo, del mare, della città, ma anche santi protettori e motivo di ispirazione per una poetessa rinchiusa nella sua dolorosa gabbia di assenza. Le poesie raccolgono le emozioni di dolore, scoperta, ammirazione e rabbia per una vita in cui il volo sembra negato e ogni passo ci incatena ancora di più alla terra.

"Non abbiamo saputo / sentire nel vento / il lamento dei cristi / sui Golgota, / né le rose selvatiche / sfuggite al tagliaerba, / distratti anche ora / che piove già il rimpianto."

Nero - titolo che sta a indicare una sorta di lutto dell'identità - è un vero saggio di raffinatezza poetica, non un mero esercizio di stile, ma un mosaico di poesie che seguono un loro filo rosso e possono comunicare le une con le altre esattamente come se facessero parte di un unico corpus tematico di cui la silloge offre, con precisione quasi scultorea, una raffigurazione in cui il poeta stesso è in dialogo con parti di sé stesso e del tutto che la sua anima abita, con inquieto e problematico statuto di esistenza.

"La poesia di Alessandra Montesanto è una poesia essenziale, incisiva, aperta all'interpretazione, all'interrogazione, al confronto. C'è nei suoi versi un avanzare timido, un cercare e cercarsi, una scelta accurata, pesata, delle parole, delle simbologie, delle similitudini." (Anna Fresu)

Il Bosco Sacro è certamente un’opera unica nel panorama del teatro e della poesia del Novecento. Questo testo di Edmond Rostand, pubblicato per la prima volta nel 1908 (rappresentato come pantomima) e che finalmente esce in lingua italiana grazie alla traduzione di Stefano Duranti Poccetti, mette insieme mito e contemporaneità. Porta all’incontro tra gli dèi e una FIAT 35-45 HP che giunge in una foresta mistica abitata da presenze divine che saranno così meravigliate dal veicolo da volerlo addirittura provare. Il testo si fa perfetta allegoria della Parigi abitata dall’Autore, attenta al passato e perennemente devota al progresso.

In questa silloge l'autrice fa parlare un "femminile ferito" quasi con devozione e senza vergogna, come se la ferita stessa avesse una voce che vuole "darsi" al lettore senza pudori, seppur con la delicatezza del canto poetico.