Postmedia Books

Gli spazi digitali e quelli reali sono sempre più intrecciati e nei fatti compenetrati in modo indissolubile gli uni negli altri. Chi continua a trattarli separatamente non considera che appartengono ad un unicum, più complesso ed esteso di quanto esistito finora. Le reazioni a ogni stimolazione proveniente da digitale sempre e comunque impattano sulle nostre emozioni, sul nostro corpo e conseguentemente sullo spazio che ci ospita. La rivoluzione digitale è un momento straordinario nella storia del design degli spazi, i suoi paradigmi deformano quelli esistenti nel progetto, nel mercato, nella formazione, nella rete. Mai come ora, i nostri sensi sono chiamati come strumenti di percezione, analisi, reazione e azione per la progettazione più articolata e consapevole di nuovi paradigmi e scenari di design.

È una antica questione quella dei cataloghi d'arte che non "mostrano" ciò che si trova in mostra ma solo le opere fotografate in ambienti neutri. Il catalogo della mostra "Andar X Porte" fa il contrario. L'esposizione è stata organizzata dell'associazione ArtCityLab nelle sale di Palazzo Archinto, dove aveva sede la collezione antica del Golgi Redaelli e dell'Archivio IPAB e dove una sessantina di artisti contemporanei hanno allestito nell'autunno del 2017 le proprie opere combinandole con le opere pre-esistenti. Come scrive Luca Palermo su “Artribune": “Quella curata da ArtCityLab è una mostra autentica, sincera; una mostra che si rivolge e parla direttamente allo spettatore invitandolo a riflettere su sé stesso e su ciò che lo circonda; una mostra per la quale non esiste alcun assillo di mercato (motivo che con sempre più veemenza intacca il contemporaneo); una mostra di ricerca; un piccolo lampo di luce in un panorama artistico sempre più cupo e sempre più guidato dall’economia piuttosto che dall’espressione libera e incondizionata".

Questo libro racconta la storia di "Handle with care", una video installazione realizzata dal duo artistico MASBEDO interamente dedicata al tema della cura delle immagini e del restauro. L'opera nasce da un lungo percorso che ha visto gli artisti muoversi all'interno di veri e propri scrigni del sapere sulla conservazione e tutela dell'opera d'arte quali l'Opificio delle Pietre Dure in Firenze e il Centro Conservazione e Restauro "La Venaria Reale". Il libro è suddiviso in due atti. Una prima parte è infatti dedicata al lavoro di MASBEDO, mentre una seconda parte restituisce attraverso una serie di formati editoriali diversi gli atti del seminario, pensati come un quaderno di appunti, capace di disegnare attorno all'argomento un panorama ampio, versatile, polifonico.

Stimato come uno dei registi americani più influenti e innovativi, Francis Ford Coppolalo lo è anche come autore indipendente sempre in guerra con la struttura di potere di Hollywood e la feroce critica all'America corporativa postindustriale che la stessa Hollywood simboleggia. Jeff Menne analizza la carriera di Coppola da una prospettiva postmodernista e Hollywood e la sua casa di produzione American Zoetrope come sistemi di produzione. Di conseguenza Coppola viene considerato come modello di artista creativo abile nel muoversi in un'economia postindustriale, la sua vitalità è la chiave di volta per reinventare il cinema hollywoodiano.

Questa monografia su Bertille Bak (Arras, 1983) percorre il decennio di attività dell’artista francese, dal 2007 al 2017, individuandone i punti cardine, inquadrandola in quel contesto storico artistico definito da Hal Foster “artista come etnografo” e confrontandola con altri artisti della scena internazionale. Le opere di Bertille Bak sono il frutto di mesi di osservazione e convivenza con gruppi di individui la cui storia è in via di estinzione e che divengono coproduttori dei suoi lavori filmici e di molti degli oggetti derivati.

Cecilia Guida ha deciso di non scrivere la solita monografia su un artista emergente ma in questo caso l'artista diventa co-autrice aggiungendo dichiarazioni e testi poetici che accompagnano di solito le sue performance. Elena Bellantoni, infatti, ha individuato nell'arte contemporanea una sorta di contenitore nel quale far convergere la letteratura, il cinema, il teatro, la danza, la storia dell'arte e la vita quotidiana. Pensa per immagini, vi associa delle parole e trasforma visioni personali o intuizioni poetiche in azioni e oggetti. Nelle performance, così come nei video, nelle installazioni e nelle sculture, affronta temi di natura politico-sociale con un tono a volte ironico, a volte serio, creando lo spazio per l'emersione di un altro significato, un'altra possibilità, un altro futuro.

Il primo libro della Collana dell'Accademia dello Scivolo. A ispirare Aldo Spoldi per la pubblicazione del n.0 dei Giornalini dell'Accademia dello Scivolo è stato «Il corriere dei piccoli». Non è la prima volta che ciò accade. Le edizioni della Banca di Oklahoma furono suggerite dalle "Avventure del signor Bonaventura"... La pubblicazione della raccolta dei Giornalini dell'Accademia dello Scivolo è rivolta al bambino che è dentro di noi, allo studente al quale viene offerta una prima, seppur modesta, verifica empirica delle tesi sostenute nelle accademie e università precedenti e al cittadino che abita il mondo globalizzato. Raccontando avventure realmente accadute i Giornalini invitano il bambino, ma anche l'adulto, a costruire un mondo parallelo, dialogante con il mondo digitalizzato. Età di lettura: da 6 anni.

Le opere di Roberto Fassone, spesso di natura performativa, possono essere considerate dei tentativi di dare corpo a concetti immateriali e inafferrabili attraverso la combinazione di strategie e strumenti apparentemente inconciliabili: arte contemporanea, sport, musica, imitazioni, giochi, paradossi linguistici, camuffamenti, videogame, filosofia. “Capacità narrativa e affabulazione permettono all'artista di creare storie avvincenti, in grado di coinvolgere il pubblico che partecipa alle sue performance. Pur facendo riferimento a vicende o pratiche interne alla storia dell'arte recente, l'approccio di Fassone non è mai chiuso, ma al contrario tenta di aprire varchi inaspettati e scardinare alcune logiche autoreferenziali del "sistema"”. (Saverio Verini)

"Arte in movimento" è il titolo di un ciclo di seminari svoltosi presso il Dipartimento di Lettere e Beni Culturali dell'Università degli Studi della Campania "Luigi Vanvitelli" nell'ottobre 2016. I saggi che lo compongono non riguardano soltanto le arti visive tout court e la prassi critica ad essa relativa, ma vogliono inquadrare la questione anche dal punto di vista fotografico e teatrale. A tali contributi si affiancano le testimonianze di alcuni protagonisti della scena artistica campana del decennio in oggetto. Con saggi di: Luciana Berti, Franco Cipriano, Giuseppe Coppola, Antonio Davide, Ernesto Jannini, Maria Giovanna Mancini, Salvatore Margiotta, Gabriele Marino, Livio Marino Atellano, Luca Palermo, Giuseppe Rescigno, Gaia Salvatori, Luca Sorbo, Stefano Taccone, Antonello Tagliafierro.

Mangano & Van Rooy scrivono la storia non detta, relegata ai margini degli archivi, spolverandone la forza e svelandone le potenzialità. Sviluppando nuove possibili narrazioni, liberano le molteplici posizioni che sono imprigionate nei limiti codificati dalla storia ufficiale. Insieme ne ripensano le variabili culturali, sociali, politiche, proponendoci visioni alternative composte dall’associazione tra fatti reali, memorie più intime e dettagli che si inscrivono in un nuovo immaginario percettivo. Lavorando con leggerezza e temperanza, immedesimandosi nel territorio, offrendo spazio al gioco e alla fantasia, Mangano & Van Rooy gettano le basi per la costruzione di un ponte ideale verso un mondo alternativo, eppure non distante da quello che viviamo. La pubblicazione ripercorre la complessità di The Dilution Project, primo lavoro firmato dal duo Mangano & Van Rooy, che esplora i movimenti socio-culturali che hanno contributo a rivoluzionare il pensiero attorno al tema della malattia mentale, riflettendo sul recente e graduale smantellamento dello stato sociale in Olanda.

Questa raccolta di saggi sul lavoro di Andy Warhol (1928-1987) è un manuale critico su una figura leggendaria del mondo dell'arte, che ha lavorato come artista, regista, fotografo, collezionista, editore e designer, conquistando così un posto unico nella storia della cultura visiva non grazie alla padronanza di un singolo medium, ma alla messa in atto di molteplici media e ruoli. Warhol ha rappresentato una figura importante nel colmare il divario tra arte alta e bassa, e la produzione nel famoso studio noto come "The Factory" implicava il riconoscimento dell'arte come una forma di impresa non dissimile dalle altre. La natura radicale di tale impresa ha assicurato lo status iconico della sua arte e della sua persona. Questa popolare antologia contiene i saggi di Benjamin H. D. Buchloh, Thomas Crow, Hal Foster, Rosalind Krauss, Annette Michelson, oltre a un'intervista inedita e un ampio saggio introduttivo di Carla Subrizi.

La fotografia ha giocato un ruolo importante nella vita artistica di Pascali. Da questo assunto muove la ricerca dei due giovani critici Roberto Lacarbonara e Antonio Frugis. L'occasione è data dalla cospicua donazione di fotografie originali di Pino Pascali alla Fondazione Pino Pascali di Polignano a Mare (donazione Carla Ruta Lodolo): circa 160 scatti stampati direttamente dall'artista nel 1965... Negli anni Sessanta la fotografia si incrocia visibilmente con il linguaggio dell'arte così da diventare un forte riferimento di tipo progettuale e teorico. La figura dell'artista che usa la fotografia non solo come documentazione del proprio lavoro ma come traccia progettuale al pari del disegno, diviene molto ricorrente. Pino Pascali procede su questi territori mobili, gran parte delle sue fotografie sono scatti volti alla realizzazione di spot pubblicitari eppure in molte immagini sono più che evidenti tracce embrionali dei suoi grandi lavori scultorei. Pascali scultore. Pascali grafico. Pascali performer. Pascali fotografo. Tutte sfaccettature di un unicum: un grande artista a tutto tondo. (Rossella Branà dall'introduzione)