Silvana

Il volume indaga lo stretto rapporto fra Guido Reni - e gli artisti a lui coevi - con gli illustri letterati che animavano il panorama culturale bolognese del suo tempo, nell’intento di delineare la rete di rapporti, amicizie, scambi che caratterizzò il vivace contesto artistico-intellettuale della città, e che trovò il suo centro nelle accademie dell’epoca. Partendo dal raffronto tra alcune diverse versioni del dipinto raffigurante Atalanta e Ippomene di Guido Reni, vengono presentate in queste pagine opere d’arte anche di altri autori - quali Ludovico e Agostino Carracci, Lavinia Fontana e Artemisia Gentileschi, solo per citarne alcuni - che esercitarono un particolare fascino sugli scrittori, sia in quanto dedicatarie di componimenti e antologie liriche e sia come oggetto di vero e proprio interesse collezionistico per le raccolte personali degli autori. Presenti anche opere di pittori che si cimentarono nella scrittura poetica, come Leonello Spada, o di artisti frequentanti accademie, come Giovan Giacomo Sementi. Un volume che restituisce una lettura d’insieme di un fenomeno culturale di grande interesse e che restituisce una nuova prospettiva sulla figura del maestro del Seicento bolognese.

La collezione di opere di Adolfo De Carolis (1874-1928) appartenenti alla Fondazione della Cassa di Risparmio di Fermo evidenzia l’eclettismo dell’artista piceno che, oltre a segnalarsi come xilografo e come pittore, ha affrontato imponenti imprese decorative al pari dei grandi maestri del Rinascimento da lui molto ammirati, ma si è avvalso anche delle più moderne tecnologie come la fotografia per documentare le attività del mondo dei campi e della marineria adriatica, non soltanto per servirsene in vista delle sue realizzazioni pittoriche, ma anche con l’intento di lasciare una testimonianza visiva degli stili di vita che, pochi anni dopo, sarebbero stati trasformati dall’avanzare inarrestabile del progresso. Il Trittico del mare del 1907, recentemente restaurato, è un’opera emblematica della capacità di De Carolis di sublimare la dura quotidianità dei pescatori piceni attingendo all’epos omerico, mentre l’insieme della collezione testimonia l’importanza che il pittore attribuiva al disegno come strumento indispensabile per la realizzazione delle sue opere. Gli studi eseguiti con tecniche diverse per i grandiosi cicli destinati al Palazzo del Governo di Ascoli Piceno, al salone del Palazzo Comunale di Bologna, alla cappella di San Francesco nella basilica di Padova, all’aula magna dell’Università di Pisa e alla villa Puccini di Torre del Lago sono la prova di quanto De Carolis condividesse la tradizione accademica del primato del disegno, quando oramai le avanguardie avevano già cominciato la loro opera di sovvertimento di quella stessa tradizione.

La mostra dal titolo "Raoul Dal Molin Ferenzona: Enchiridion Notturno. Un sognatore decadente verso l’occultismo e la teosofia" propone un magistrale percorso tra l’Italia e l’Europa, attraverso il quale assaporare e rileggere la biografia, lo stile e la variegatissima produzione di un raffinato protagonista del Novecento toscano quale Raoul Dal Molin Ferenzona, da più di vent’anni fuoriuscito dai riflettori critici. In circa ottanta opere, suddivise in quattro sezioni, si propone per la prima volta un’immersione totalizzante nell’universo eclettico, tra misticismo e decadentismo, di una personalità complessa e intrigante, contraddistinta da un inguaribile tormento spirituale, acuito dall’inquietudine di eterno déraciné votato alla vita nomade, la cui tensione ascetica alla ricerca spasmodica di mete arcane e trascendentali rappresentava un autentico processo evolutivo dell’anima e di trasmutazione alchemica della coscienza. Vengono inoltre approfondite, attraverso ricerche inedite, le relazioni dell’artista con i cenacoli del Novecento livornese, dove confluì dopo infinite peregrinazioni internazionali, da Parigi a Vienna, da Bruges a L’Aya, dalla Moravia a Praga, riuscendo a radicarsi brillantemente nella compagine cittadina, dal Caffè Bardi al Gruppo Labronico, con una congerie di ritratti, paesaggi, capisaldi mistici, esoterici e occultistici destinati a esercitare sulla critica e sul pubblico un’attrazione fatale, fino a imporsi come artefice di una féerie teatrale, ricostruita oggi per la prima volta grazie allo straordinario materiale documentario e iconografico conservato presso l’Archivio Bioiconografico e Fondi storici della Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma. Tra i capolavori editoriali in mostra spicca il magnifico volume (Misteri Rosacrociani - Opera n.° 2), AÔB (Enchiridion Notturno) - Dodici Miraggi Nomadi, Dodici Punte di Diamante Originali, vero e proprio diapason della collaborazione con i Fratelli Belforte di Livorno e le Edizioni di “Bottega d’Arte”, nella cui dedica “Al mio indimenticabile, indivisibile, invisibile fratello Frederick Chopin”, Ferenzona ribadiva il proprio notturnismo simbolico di filiazione crepuscolare, dannunziana ed esoterica.

"Essere contemporanei vuol dire per me essere veri e dignitosi, appunto onesti. Non è così la società capitalistica di oggi in cui tutto è calcolo, tecnologia, è sfruttamento dell’incompetenza degli altri. Vedi, la forza della mia pittura sta nel fatto che essa sia un lavoro onesto perché pensato, lavorato, costruito. La sua forza appartiene a un lavoro regale, è la via regale della vita. Per me, è molto importante la connessione del tempo nella storia. Mi alimento ancora e molto dell’arte, da quella primordiale a quella che è fonte della mia memoria e della terra in cui vivo: il medioevo gotico, la luce dei bizantini in Italia, la voce delle laudi jacoponiche. […] Io dipingo per spostare le ombre interne, per modificare l’interno dello sguardo. No, non si possono cancellare le ombre. L’alchimia mi ha insegnato la necessità, la conciliazione degli opposti: l’androginia, che ho tanto studiato, mi ha detto che le ombre e le luci si chiamano, sono reciproche. Ho fatto molte opere sul tema perché la luce, che è anche ombra, continui a illuminarci.”

“Già da qualche decennio le Accademie di Belle Arti italiane sono diventate luogo non di replicazione, ma di ricerca, aprendosi all’elaborazione innovativa dei linguaggi tradizionali e all’esplorazione di quelli più recenti: dalla fotografia alla realtà virtuale, all’intelligenza artificiale, dalla trasformazione degli interni a quella del paesaggio. Il volume rappresenta il culmine di questo percorso: include e presenta giovani artisti provenienti dalle Accademie di Belle Arti italiane, Bari, Bologna, Catania, Firenze, L’Aquila, Macerata, Brera-Milano, Napoli, Roma, Torino, Urbino e Venezia, proponendo un panorama d’insieme, che coinvolge anche i docenti. All’interno del sistema universitario, infatti, le Accademie sono comunità in cui docenti e studenti non si limitano gli uni a insegnare, gli altri a imparare, ma creano insieme. È l’antropologia dell’apprendimento, non solo quella dell’arte, a guardarci da queste pagine. Ogni opera riprodotta ha un valore intellettuale estetico e insieme esistenziale: parla di estetica ma anche delle nostre vite, come sono, o come vorremmo che fossero.” (Fabio Finotti)

Jacques Henri Lartigue (1894-1986) e André Kertész (1894-1985) sono nati nello stesso anno e le loro vite hanno attraversato gran parte del Novecento. Avrebbero potuto incontrarsi a Parigi nel periodo tra le due guerre, invece si sono conosciuti solo nel 1973 a New York. Né Lartigue né Kertész hanno mai scelto la via più diretta per il successo. Le rispettive mostre al Museum of Modern Art di New York nel 1963 e nel 1964 hanno rappresentato per entrambi una svolta decisiva: l’inizio di un riconoscimento internazionale e istituzionale per Lartigue e per Kertész la riscoperta del suo lavoro dopo due decenni di relativa oscurità. I due eventi hanno inoltre legato saldamente la pratica di entrambi alla prima metà del Novecento, consacrandoli come i precursori della modernità visiva: Lartigue fu definito “dilettante primitivo”, Kertész fu celebrato come l’“inventore del fotogiornalismo”. Se Lartigue è considerato un maestro dell’istantanea, Kertész lo è di una fotografia più meditativa. Due personalità dallo spirito indipendente, hanno costruito la loro carriera in assoluta libertà, lontano dai grandi movimenti artistici, e a partire dagli anni settanta sono stati percepiti come modelli senza aver mai fondato alcuna scuola. Presentare le loro fotografie in parallelo non soltanto rivela le affinità e le divergenze di vita e di visione, ma consente di mettere in luce la loro reale complementarità nella storia della fotografia.

Il progetto dal titolo La visione trasparente del fotografo Claudio Gobbi nasce dalla suggestione di un dipinto di Caspar David Friedrich (1774 —1840), Junotempel in Agrigent (1828 —1830) conservato al Museum fúr Kunst und Kulturgeschichte di Dortmund. La mancata presenza di Friedrich ad Agrigento e la sua esperienza immaginaria e mediata da un'incisione diventa la chiave per riflettere sulla smaterializzazione delle immagini fotografiche nell'era digitale, sulla loro ubiquità e prevedibilità, e sulla conseguente scomparsa dell'autore propria dell'iconosfera in cui siamo costantemente immersi. L'illuminazione notturna della Valle dei Templi di Agrigento, un condizionamento contemporaneo della visione che in Sicilia coincide, a partire dagli anni cinquanta, con la musealizzazione dei siti archeologici a opera dell'architetto Franco Minissi (1919 —1996), è al centro della riflessione di Claudio Gobbi. In linea con la sua ricerca, la serie costituita da 25 fotografie da negativo evidenzia la natura polisemica delle immagini, che, sottratte all'utilizzo originario, svelano contenuti semantici latenti, aumentando il proprio potere evocativo. Immagini trovate in archivi italiani ed esteri, insieme a fotografie scattate al Museo Archeologico Pietro Griffo e al Parco Archeologico e Paesaggistico della Valle dei Templi di Agrigento, si ricompongono in una nuova, enigmatica unità di senso.

In questo pamphlet Marina Valcarenghi evidenzia il rapporto fra la crescente affermazione sociale delle donne e l’aumento della violenza sessuale maschile: un fenomeno opposto a quanto generalmente si supponeva. L’autrice, psicoterapeuta e psicoanalista con quarantacinque anni di lavoro clinico sulle spalle, per prima ha introdotto la psicoanalisi in carcere, lavorando nei reparti di isolamento maschile con detenuti in gran parte condannati per reati di violenza sessuale. Dalla sua esperienza nei penitenziari di Opera e di Bollate - ancora in corso - Valcarenghi ha potuto osservare come l’insicurezza femminile sopravviva e proporre un’analisi lucida e feconda di nuove possibili direzioni. Il volume affianca l’omonimo film realizzato dall’artista Yuri Ancarani. La forza del pensiero femminile sta prima di tutto nella capacità di riconoscerlo e di abbatterne l’antico esproprio. Per questo è necessario studiare, tenere insieme la complessità e poi ricordare, pensare e infine agire.

Simbolo della partecipazione italiana alle grandi rivoluzioni scientifiche e tecnologiche dei tempi moderni, Guglielmo Marconi (Bologna, 1874 - Roma, 1937) ha incarnato il genio inventivo e imprenditoriale capace di affermare ovunque lo sviluppo della radiotelegrafia. Le onde hertziane erano già note ai fisici di fine Ottocento, ma fu Marconi a intuire la possibilità di impiegarle per trasmettere messaggi, colmando le distanze e superando qualsiasi tipo di ostacolo. Nel 150° anniversario della sua nascita si celebra un inventore geniale e visionario, capace di anticipare il futuro, di gestire e promuovere il suo nome e le sue invenzioni a suon di brevetti. Era il 1901 quando dall’Isola di Terranova, in Canada, fu lanciato il primo segnale radio transatlantico tra il Nord America e l’Europa. Parte da qui la strada verso il Nobel per la Fisica, vinto da Marconi – primo italiano in assoluto – a soli 35 anni nel 1909. Tutta la vita di Marconi rappresenta un incitamento a rafforzare la ricerca scientifica e a utilizzare la comunicazione globale come veicolo per alimentare la scintilla della conoscenza e del dialogo fra i popoli. Le sue scoperte restano straordinarie in un XX secolo che ci ha donato un progresso scientifico senza precedenti

Nelle pagine di questo libro è illustrata una scelta di circa duecento utensili, per lo più taglienti, sia antichi che moderni, italiani ed esteri, provenienti dalla collezione di oltre duemila esemplari di Aldo e Edda Lorenzi, custoditi nella Fondazione che porta il loro nome. Lo scopo è quello di fermare, anche sulla carta, il ricordo dei meravigliosi artigiani che li hanno costruiti, il cui talento si è avvalso dell’amore per il proprio lavoro e, nel caso dei pezzi più antichi, della conoscenza che si è trasmessa di generazione in generazione. Non solo una rassegna di oggetti, ma di memorie, passioni, fatiche, per ispirare coloro che volessero intraprendere lo stesso percorso degli autori: un’esperienza in un negozio specialistico, quale fu quello di famiglia (in via Montenapoleone, a Milano), cui si sono dedicati per una vita, per la gioia di poter costituire un occhio aperto sulla città, dalla quale ricevere messaggi sempre in evoluzione e restituirli arricchiti della loro esperienza.

Manuele Cerutti, pittore torinese, presenta presso la Pattern Room della Collezione Maramotti "Quem genuit adoravit", nuovo corpus di dipinti e opere su carta specificamente sviluppato in una dimensione progettuale originale. Partendo da esperienze autobiografiche semplici quanto intense – la propria paternità e i primi anni di vita del figlio – Cerutti si è focalizzato sulla creazione di un’entità destinata ad assumere, inaspettatamente, sembianze infantili: una creazione inconsapevole, quasi involontaria, che attinge largamente al vissuto vegetativo delle piante e, nella tradizione alchemica, dei minerali. Per anni l’artista ha infuso forma pittorica e presenza performativa a oggetti comuni – a volte mutili o frammentari, sempre privati della loro funzione primaria – che popolano il suo studio: una vecchia caffettiera, tubi e bastoni ritorti, scarti di plastica, ossi di pollo, sgabelli, palette, secchi e vasi multiformi divengono protagonisti di nature vive in cui i dettagli del quotidiano, attraverso nuove composizioni, si fanno interpreti di un tempo sospeso, originario, a tratti sacrale.