Silvana

Il volume è dedicato all’artista cinese Cen Long (Guangzhou, 1957). Il suo approccio distintivo consiste in uno stile semplice, una pennellata sofisticata, una composizione rigorosa, una colorazione stratificata e solida. Attraverso il prisma dell’espressione disadorna, crea opere durature che resistono al passare del tempo, invitando alla contemplazione e stimolando l’intelletto. Ogni tratto diventa un contenitore di emozioni e ogni dipinto contiene un significato più profondo, celato dietro le sue qualità superficiali. Dal corpus del suo repertorio artistico emerge un’atmosfera di serenità e freschezza, offrendo a coloro che sono trincerati nella cacofonia dell’esistenza contemporanea una tregua per riconnettersi con l’estetica sublime della tranquillità: un toccante ritorno alla purezza fondamentale intrinseca alla condizione umana. L’opera di Cen Long svela un mondo luminoso intriso di forza e speranza. Come la leggendaria costellazione della Croce del Sud, la sua arte ha un influsso costante sul pubblico, calma i cuori e infonde speranza e coraggio. Metra Lin Nei suoi dipinti, Cen Long ricrea un paradiso terrestre, non privo di difficoltà ma genuino e sostanziale, invitando lo spettatore a fermarsi e contemplare. Attraverso il suo linguaggio visivo universale, Cen Long crea un ponte tra Oriente e Occidente.

Il volume documenta l’impatto profondo e trasformativo di Alexander Calder, uno degli artisti più rivoluzionari del XX secolo. Calder (1898-1976) ha infatti cambiato il modo in cui percepiamo e interagiamo con la scultura, introducendo la quarta dimensione del tempo nell’arte con i suoi leggendari mobiles - termine coniato da Marcel Duchamp che in francese si riferisce sia al “moto” che al “movente” - ed esplorando i volumi e i vuoti negli stabiles, i suoi oggetti stazionari, così battezzati da Jean Arp. Sono riuniti in queste pagine oltre trenta capolavori realizzati tra il 1930 e il 1960 - gli anni più innovativi e prolifici di Calder - dalle prime astrazioni o sphériques a una magnifica selezione di mobiles, stabiles e standing mobiles di varie dimensioni, nonché un’ampia serie di constellations, un termine proposto da Duchamp e James Johnson Sweeney per gli amati oggetti dell’artista realizzati in legno e filo metallico nel 1943, periodo in cui il metallo scarseggiava a causa della Seconda guerra mondiale.

"Noi siamo gli unici e indiscussi destinatari delle immagini, la loro obbedienza ai nostri bisogni non ha mai smesso di lusingarci nel raccontare ciò che mostrano. Nel far affiorare allo sguardo ricordi, sensazioni, esperienze, giudizi che la memoria conserva in forma di parola. Ma cosa resta a queste immagini fatte di parole se le emancipiamo dal compito di ricordare, consegnandosi a chi, tenendole in vita, le ascolta con lo sguardo? Probabilmente l’accesso e non la fuga dalle cose, l’essere implicati in ciò che si figura facendo tacere la voce e rendendo il nostro sguardo persuaso, soddisfatto di sé. L’intento di questo volume, e della mostra da cui nasce, è mettere a tema la vita senza dar voce alle cose, ma nel suo presentarsi come nuda evidenza. Quali eredi di un pensiero prospettico noi invece percepiamo la vita fuori dai nostri confini, una vita che accede alla scena del mondo come l’affiorare di una mancanza, la restituzione traumatica di qualcosa che è andato perduto nel corso delle nostre vite particolari. Ma la vita, non avendo il carattere di cosa, non può né smarrirsi né essere ritrovata, dandosi solo a se stessa, non può essere posseduta o ceduta. È l’essere che si manifesta senza annunciarsi essendo da sempre presso di noi, ma senza portare con sé ricordi e dunque immagini. È la vita di quando “non eravamo uomini”."

Metablu (1976), in collezione al Centre Pompidou di Parigi, è un’opera iconica e caratterizzante della poetica di Claudio Olivieri e della sua riflessione sulla pittura, in dialogo con la produzione coeva, dove: “l’enigma del blu trascende l’apparenza e riverbera l’eco della visione”, scrive l’autrice.

Il volume offre un racconto visivo su novant’anni di vita nella città universitaria di Roma, dalla sua edificazione nel 1935 fino a oggi. Le fotografie restituiscono un ritratto del campus piacentiniano, delle architetture, degli studenti e docenti e di molti eventi entrati a far parte della storia del Paese. Due importanti committenze d’autore dominano il volume: nel 1985, in occasione del cinquantenario, l’Ateneo propose a sette protagonisti della fotografia italiana di interpretare la città universitaria; l’esperimento è stato ripetuto nel 2022, dove altri sette progetti di analoga natura sono stati realizzati da fotografi di diverse generazioni. Il libro, nato dalla mostra 2022: La Sapienza fotografata, tenutasi al Museo Laboratorio di Arte Contemporanea dell’Ateneo, contiene anche alcuni saggi relativi ai contesti delle immagini e un corredo di interviste.

È stato il grande regista e scenografo di un secolo intero: il Cinquecento. Paolo Caliari (1528-1588), “il Veronese” per i clienti e gli ammiratori di Venezia, la città in cui visse e lavorò e di cui divenne cittadino, fu apprezzato anzitutto come colorista, capace di proporre una tavolozza inedita per luminosità, accostamenti arditi di tinte, abilissimi giochi di luce, ma poi anche come fastoso narratore. Da solo ha creato un genere: le Cene grandiose per misure e sfoggio di tessuti, pose e ritratti: dove l’evento evangelico è occasione per mettere in scena la società patrizia del suo tempo, all’interno di spazi architettonici in cui gli ordini classici si articolano in fantasie urbanistiche tanto impressionanti quanto creative. Inoltre ha realizzato per una clientela di patrizi e grandi ordini religiosi una varietà impressionante di scene bibliche, storie di santi e di martiri, allegorie sofisticate e allusive, sul filo dell’ambiguità e dell’ironia. Apprezzato e ammirato, attentamente studiato, Veronese deve essere considerato il pittore che aprì, con le sue soluzioni illusionistiche e il gusto per la messa in scena, la strada alla pittura secentesca, per essere infine ricompreso come colorista dai pittori della generazione romantica, e dagli impressionisti. Questo libro ripercorre le tappe essenziali di una creatività precoce, subito magistrale, poi svolta in un quarantennio di invenzioni di inesausta creatività.

È stato il grande regista e scenografo di un secolo intero: il Cinquecento. Paolo Caliari (1528-1588), “il Veronese” per i clienti e gli ammiratori di Venezia, la città in cui visse e lavorò e di cui divenne cittadino, fu apprezzato anzitutto come colorista, capace di proporre una tavolozza inedita per luminosità, accostamenti arditi di tinte, abilissimi giochi di luce, ma poi anche come fastoso narratore. Da solo ha creato un genere: le Cene grandiose per misure e sfoggio di tessuti, pose e ritratti: dove l’evento evangelico è occasione per mettere in scena la società patrizia del suo tempo, all’interno di spazi architettonici in cui gli ordini classici si articolano in fantasie urbanistiche tanto impressionanti quanto creative. Inoltre ha realizzato per una clientela di patrizi e grandi ordini religiosi una varietà impressionante di scene bibliche, storie di santi e di martiri, allegorie sofisticate e allusive, sul filo dell’ambiguità e dell’ironia. Apprezzato e ammirato, attentamente studiato, Veronese deve essere considerato il pittore che aprì, con le sue soluzioni illusionistiche e il gusto per la messa in scena, la strada alla pittura secentesca, per essere infine ricompreso come colorista dai pittori della generazione romantica, e dagli impressionisti. Questo libro ripercorre le tappe essenziali di una creatività precoce, subito magistrale, poi svolta in un quarantennio di invenzioni di inesausta creatività.

Questi atti di convegno offrono un innovativo riesame del ruolo dei Longobardi nell'Italia centrale. Contrariamente alla comune opinione che li ha sempre visti come eversori dell'ordine romano, gli studi più recenti dimostrano che spesso essi si insediarono nel territorio in stretto rapporto con le autorità dell'Impero a difesa della città di Ascoli. Anche se non mancarono episodi di conflitto, i nuovi arrivati stabilirono presto costruttive forme di collaborazione con le classi dirigenti locali. Si avviò così la fusione della loro cultura etnica con quella propria del paese. Attraverso vicende in parte ancora da chiarire prese forma quel Ducato longobardo di Spoleto, che realizzò l'unificazione istituzionale di un territorio molto articolato ed ebbe caratteristiche culturali assai originali, che lo distinguono significativamente anche dal Regno Longobardo dell'Italia settentrionale e che sono ampiamente illustrate nei saggi di questo volume.

"Progetto Genesi. Arte e diritti umani", a cura di Ilaria Bernardi e promosso dall’Associazione Genesi, è un progetto itinerante, interdisciplinare e inclusivo che coniuga momenti espositivi ed educativi con l’obiettivo di fornire un’educazione permanente in tema di diritti umani. Si articola in un ricco programma composto da attività educative rivolte al pubblico di tutte le età, e da attività espositive che includono o che comunque prendono ispirazione dalle opere della collezione d’arte contemporanea dell’Associazione Genesi, la Collezione Genesi, le quali riflettono sulle più drammatiche questioni del nostro tempo. Dopo il successo delle prime due edizioni di Progetto Genesi (rispettivamente nel 2021-2022 e nel 2023), questo volume racconta la terza edizione, concepita per l’anno 2024, focalizzandosi soprattutto sulle nuove acquisizioni entrate a far parte della Collezione Genesi e mai esposte finora.

Attraverso una ricca selezione di opere, il volume intende riportare l’attenzione su una fase di fondamentale importanza per lo sviluppo della nuova scena artistica a Torino, quella che va dal secondo dopoguerra agli inizi degli anni Sessanta del secolo scorso. Dopo le tragiche vicende belliche, nell’ambito del generale clima di rinnovamento ideologico culturale, nel campo delle arti figurative si assiste a un accelerato processo di trasformazione e di apertura verso i più aggiornati movimenti internazionali, dal Postcubismo all’Astrattismo, e fino all’esplosione della vitalissima stagione dell’Informale. È in questi anni che il capoluogo piemontese incomincia a diventare uno dei centri propulsivi dell’arte contemporanea in Italia. Un ruolo che si consolida con l’inaugurazione, nel 1959, della nuova sede della Galleria Civica d’Arte Moderna e che crescerà in modo straordinario nei decenni successivi fino a oggi. Torino anni ’50 presenta un’ampia selezione di opere dei principali artisti attivi in area torinese e piemontese, in dialogo con quelle dei più affermati artisti italiani e stranieri esposte nelle mostre delle gallerie private e nelle più importanti rassegne in spazi pubblici della città.

Il volume, dedicato al celeberrimo Autoritratto di Leonardo da Vinci, icona della storia dell’arte di tutti i tempi, si propone di inquadrare l’opera storicamente a partire dagli anni della sua realizzazione, seguendo le tracce che ne documentano la conoscenza nel secondo Cinquecento e nel primo Ottocento, prima del suo arrivo alla Biblioteca Reale di Torino, e la successiva consacrazione e divulgazione. Sulla scorta dei più recenti studi – che ne confermano l’esecuzione tra il 1517 e il 1518, negli ultimi anni di vita di Leonardo ad Amboise, alla corte del re Francesco I di Francia – viene ricostruito idealmente il contesto in cui il prezioso disegno ha avuto genesi. Accanto a esso sono presentate in queste pagine testimonianze dell’attività di Leonardo negli ultimi anni della sua vita, dal manoscritto che racconta la visita del cardinale d’Aragona nel 1517 ad altre rappresentazioni originali di Leonardo, tra cui spiccano sei fogli del Codice Atlantico, esempi dei temi che gli erano cari e dei progetti che aveva in corso mentre realizzava il suo Autoritratto. Due sezioni completano il volume: la prima è dedicata a venti opere della Galleria Sabauda, riunite per la prima volta, che evocano le differenti modalità di guardare alle novità leonardesche da parte di alcuni artisti attivi tra il Quattrocento e il Cinquecento dal nord al sud della penisola; la seconda presenta quindici sculture di Giuliano Vangi, che nei suoi “volti contemporanei” fonde retaggio della tradizione e intensità di espressioni e sentimenti ricordando i “moti dell’anima” di Leonardo.