Silvana

Applicare all’arte contemporanea della fine del XX secolo gli strumenti euristici postcoloniali è un esercizio in gran parte inedito, specialmente per il contesto italiano, dove le storie e le memorie coloniali sono state a lungo rimosse e i fenomeni migratori non hanno ancora trasformato gli ambienti accademici. I saggi raccolti in questo volume, quindi, provano a dare un contributo in tal senso, partendo da punti di osservazione molto angolati da cui rileggere alcune vicende artistiche ed espositive e restituire traiettorie diasporiche di oggetti e di persone. Non metabolizzati nelle narrazioni ufficiali, infatti, tali tracciati sono ancora tessere di un mosaico in via di definizione. Attraverso la sollecitazione di prodotti editoriali e documenti d’archivio, fonti orali e manifestazioni temporanee, e dal confronto tra sguardi di antropologi, museologi, storici e storici dell’arte, emergono tanto le linee di faglia del tessuto culturale del paese quanto i lenti mutamenti di specifici microcosmi: i fenomeni migratori sia a livello sociale sia nel più circoscritto contesto delle esposizioni e dei percorsi artistici individuali, gli interrogativi etici sollevati dalle collezioni provenienti dall’Africa a suo tempo colonizzata, gli spettri del colonialismo storico e del più recente neocolonialismo lasciano tracce talvolta labili, talaltra evidenti ma silenziate negli immaginari visivi. Proprio su questi ultimi si concentrano i contributi di Irene Baldriga, Giulia Beatrice, Riccardo Capoferro, Michele Colucci, Giorgia Gastaldon, Valentina Lusini, Caterina Toschi, Denis Viva e della curatrice del volume, Francesca Gallo.

Tra il 1968 e il 1978 Giorgio de Chirico abbandona il precedente periodo ispirato al barocco e riprende a dipingere manichini, piazze d’Italia e altri enigmi con nuove rielaborazioni e invenzioni: è il periodo della neometafisica. Attraverso un’accentuata ironia, colori più accesi e cadenze più giocose, l’artista si stacca dalla propria visione nichilista degli anni dieci e reinterpreta in forme più serene, anche se non prive di qualche malinconia, i temi del passato. La metafisica degli anni dieci voleva esprimere l’incomprensibilità, l’assurdità, la mancanza di significato dell’esistenza che de Chirico, seguendo Schopenhauer e Nietzsche, aveva anche teorizzato nei suoi scritti. Ora il sentimento dell’insensatezza dell’universo si è attenuato ed è osservato con distacco. Giunto quasi alla fine della sua lunga e operosa vita, de Chirico, che ha ormai dagli ottanta ai novant’anni, guarda con quieta saggezza e ironica levità al senso ultimo della commedia umana.

Il volume accompagna il lettore alle origini della scultura del Duomo, quando Hans von Fernach e bottega concepiscono una delle più raffinate opere scultoree della cattedrale: il portale della sacrestia meridionale, dedicato alla vita di Maria Vergine. Esemplificativi delle atmosfere e delle vicende che hanno segnato il cantiere della Fabbrica di fine Trecento, i contributi di studiosi e restauratori gettano nuova luce su questo maestoso lavoro, troppo a lungo velato dalla patina del tempo. L’osservazione diretta delle minuziose figure, resa possibile dagli alti ponteggi del restauro, costituisce una solida base di studio per quanti, nei decenni futuri, desidereranno approfondirne i vari aspetti iconografici, la policromia originaria, le raffinate decorazioni e i suggestivi riferimenti filosofici qui presentati.

Il volume inaugura un nuovo ciclo di monografie dedicate ai grandi maestri della critica del secolo scorso che, mai come prima, hanno segnato una rapida evoluzione dalla scrittura all’azione, dalla considerazione dell’opera e del determinarsi di tendenze culturali alla diretta compartecipazione al fatto artistico. Tra questi, Enrico Crispolti è figura esemplare per tutte le questioni decisive dell’agire critico: dai processi di storicizzazione all’archivio vivente, dall’impegno universitario all’attitudine curatoriale, dall’invenzione editoriale alla responsabilità politica nel pensare e fare arte. Storico, curatore e docente, Crispolti ha vissuto l’arte come un impegno civile e politico, seguendo con passione le avanguardie, l’Informale, l’arte ambientale e le ricerche più sperimentali. Sempre vicino agli artisti – da Lucio Fontana a Francesco Somaini, da Enrico Baj a Mauro Staccioli, fino alle generazioni più recenti –, è stato un interlocutore curioso e partecipe, convinto che l’arte dovesse dialogare con la società e incidere nel mondo.

Carmelo Nicosia ritorna con una raccolta di fotografie dedicate alla città che per molti decenni è stata considerata la metropoli per eccellenza: New York. Un racconto di viaggi compiuti tra il 2010 e il 2020 condensati in immagini roboanti, piene e invadenti, rese contemporanee dall’utilizzo di una luce smagliante e ammaliante al tempo medesimo: naturale come artificiale, dai tanti riflessi che sembrano voler accentuare la globalizzata complessità della metropoli americana, e dal mosso che ne simboleggia pragmaticamente il ritmo incalzante, contribuendo così a creare una sorta di fermento elettrico che pervade ogni cosa. Un rumore che accompagna le fotografie pagina dopo pagina, che si respira come l’aria, all’interno e all’esterno dei building luccicanti, nei mall infiniti e nelle ordinate sale dei musei, nei parchi e nella confusione della metropolitana, un rumore che si quieta solo quando sfuma nei contorni indefiniti di ombre e figure familiari, a ribadire quanto infine la condivisione di un’esperienza sia per Nicosia parte ineludibile del rito del viaggiare e del conoscere.

Matt Mullican ha creato un sistema simbolico personale per definire la realtà che lo circonda. Composto da segni, diagrammi, pittogrammi e simboli. That Person’s Heaven, la più grande opera d’arte realizzata dall’artista, è un tappeto-mappa che può essere attraversato e incidere sulla modalità con cui viene percepito. Camminare sull’opera significa entrare nel suo cosmo personale, esperire un territorio-griglia in grado di interpretare ogni aspetto consapevole e inconsapevole dell’esperienza umana.