Silvana

Palazzo Madama non è un edificio: è un palinsesto di memorie. Il volume ricostruisce il suo volto medievale riportando alla luce il castello degli Acaia attraverso documenti, scavi, analisi architettoniche e modelli digitali. Ne emerge un luogo vivo, cuore politico e simbolico della Torino delle origini, abitato da principi, funzionari, artigiani e da una miriade di storie intrecciate. Un viaggio affascinante tra pietre e parole che restituisce alla città un profondo senso identitario.

Amiternum (San Vittorino, L’Aquila), antica città dell’alta Sabina incorporata nella Repubblica romana intorno al 290 a.C., rivive in questa guida che accompagna il visitatore tra le sue architetture, le storie e i volti che l’hanno abitata. Il testo ripercorre la storia della città fino alla fondazione dell’Aquila. Il teatro, l’anfiteatro, le altre strutture pubbliche e le necropoli si intrecciano con i reperti del Museo Nazionale d’Abruzzo: rilievi, iscrizioni, maschere teatrali, ritratti imperiali e volti privati che raccontano identità, culti, potere e vita quotidiana. Con testi chiari, immagini e percorsi tematici, questo libro offre uno sguardo completo, con un linguaggio accessibile, su un sito chiave dell’archeologia abruzzese.

Il Museo Nazionale d’Abruzzo, il più importante della regione, è ospitato sin dalla sua fondazione nel 1951 nel maestoso Castello cinquecentesco dell’Aquila. Questa guida accompagna il visitatore attraverso il nuovo percorso espositivo inaugurato nel dicembre 2025, in seguito alla riapertura parziale del complesso architettonico chiuso nel 2009 a causa dei gravi danni provocati dal terremoto. Entrambi i piani oggi accessibili al pubblico, insieme al bastione orientale che accoglie il celebre Mammuthus meridionalis, sono raccontati in queste pagine con approfondimenti dedicati agli aspetti architettonici del Castello. Tutte le opere esposte sono riprodotte con immagini ad alta definizione e corredate da una breve sinossi e da un inquadramento storico-artistico, per offrire al lettore una visione completa e coinvolgente.

Giorgio Casali (1913-1995) è una figura centrale nella storia della fotografia del Novecento. Dal 1951 a metà degli anni ottanta, per oltre trent’anni, egli è il fotografo dei maggiori architetti e designer italiani. La sua prolungata collaborazione con la rivista internazionale “Domus” lo mette in luce quale testimone negli anni in cui l’Italia viene attraversata dall’onda della modernizzazione, periodo caratterizzato da un forte entusiasmo per i nuovi stili di vita, per il nascente mercato dei consumi di massa, per le trasformazioni architettoniche pubbliche e private che plasmano nuovi contesti. Il sottotitolo della mostra, Paesaggi pubblici e privati, fa riferimento alla costruzione della nuova società, urbana e sociale, che si esprime nell’immaginario domestico, rappresentativo, produttivo e umano interpretato dalla fotografia. I materiali del Fondo Giorgio Casali, conservati presso l’Archivio Progetti dell’Università Iuav di Venezia (centoventimila fra lastre e negativi, oltre a una corposa documentazione dell’attività dello studio con le carte personali), consentono di raccontare, secondo diversi tagli tematici, le trasformazioni dell’Italia nella fase del più intenso sviluppo. Le sue fotografie rappresentano quindi un corpus documentale di grande interesse per raccontare uno dei contesti più produttivi del paese in una fase di sperimentazione e cambiamento.

Se l’abbigliamento ha sempre rivestito un’importanza speciale è perché la moda si presenta come una delle soluzioni più affascinanti per sottolineare gusto, benessere e successo. Partendo da tale assunto e con il ricorso a inedite foto d’epoca, le pagine di questo libro restituiscono l’ambiente e i modelli che, tra Otto e Novecento, spinsero l’élite veronese a mettersi in posa davanti all’obiettivo. Per immortalare la propria condizione privilegiata, ogni protagonista ha scelto con cura scenografia, posa e toilette. Ma proprio perché indossate da individui in carne e ossa, le vesti aiutano non tanto a seguire la storia della moda e del costume lungo un generico percorso cronologico, quanto soprattutto a entrare nel vivo del contesto culturale in cui vennero selezionate, adattate e, infine, esibite.

Il volume indaga il complesso rapporto tra Gio Ponti e la città di Roma. A partire da ricerche archivistiche e dallo studio dei progetti, realizzati e non, qui presentati per la prima volta in modo sistematico, il testo raccoglie considerazioni inedite sul ruolo che il rapporto con la Capitale ha giocato nella traiettoria professionale e intellettuale dell’architetto milanese. Roma ha infatti rappresentato per Ponti non soltanto il centro del potere entro cui sviluppare una carriera professionale di respiro nazionale e internazionale, ma anche un banco di prova per la verifica e l’esercizio delle proprie idee. Rimasta a lungo in secondo piano rispetto alla natia Milano e ad altre città del mondo dove Ponti realizzò opere di grande richiamo, la Capitale torna così a occupare una posizione strategica nella sua vita, trattenendolo in più occasioni prima e dopo la Seconda guerra mondiale, e offrendogli un fecondo terreno di confronto persino su temi a lui lontani come la storia dell’architettura, il restauro e il rapporto con la preesistenza archeologica.

Le sculture di Claudio Capotondi sono opere di altri tempi, o forse addirittura di tempi futuri, capaci di rappresentare l’impresa di una vita trascorsa disegnando, progettando, fondendo, ma soprattutto scolpendo la materia, senza timore di affrontare la sfida più grande per un artista: quella della monumentalità.

Il volume ripercorre la lunga carriera dell’artista britannico Peter Blake (Dartford, 1932), definito il padre della Pop Art inglese e molto noto per aver realizzato le copertine di diversi album musicali, quali ad esempio Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band dei Beatles (1967), ideata insieme a Jann Haworth. Sono qui presentati oltre 160 lavori realizzati tra il 1956 e il 2023: dalle prime opere astratte ai poetici e ricercati collage della serie Joseph Cornell’s Holiday, dalle sculture e installazioni create con materiali di recupero fino agli ultimi divertiti ritratti Studies for ‘Party’, con cui Blake esprime il proprio umorismo, tipicamente inglese e leggermente irriverente, caratteristico anche dei nonsense, che nasce nel solco della grande tradizione di Edward Lear e Lewis Carroll.

Artur Żmijewski è una delle figure radicali più importanti sulla scena artistica polacca. La sua opera riflette la preoccupazione per i problemi socio-politici della nostra contemporaneità, esaminando i meccanismi del potere e dell’oppressione all’interno dell’ordine sociale esistente – così come i conflitti di vario tipo che rasentano la violenza - e mettendo in evidenza la relazione tra le emozioni estreme e le loro espressioni fisiche, compresi l’impatto sulla memoria e il trauma collettivo, senza mai perdere interesse per il tema classico della scultura: la rappresentazione del corpo umano. Una menzione particolare merita il tema della paura, centrale nella vita umana e troppo spesso veicolata come sistema di controllo sociale, e a cui fa esplicito riferimento il titolo del progetto, omaggio all’omonimo film del 1974 di Rainer Werner Fassbinder. Il volume, dal taglio monografico, presenta un’ampia selezione di lavori storici, recenti e inediti dell’artista, e accoglie i testi di Diego Sileo, Juli Carson, Galit Eilat, Adam Mazur e Adam Szymczyk.

Questo è il primo libro dedicato all'intera opera artistica di Claudio Costa, non un catalogo ragionato bensì l'avvio di un lavoro complesso e sistematico sull'opera di uno dei più sensibili protagonisti dell'arte contemporanea italiana della seconda metà del XX secolo. Un artista complesso, con profondi interessi sull'antropologia culturale, sui segreti alchemici, sui processi chimici, sugli studi filosofici, poetici e letterari. Protagonista di una delle più sconvolgenti stagioni dell'arte contemporanea, presente alle grandi manifestazioni internazionali come Documenta a Kassel nel 1977 o alla Biennale di Venezia nel 1986 e 1990, ha stretto rapporti con i più significativi artisti coevi, ideando e realizzando nel 1992 il "Museo Attivo delle Forme Inconsapevoli" all'interno dell'Ospedale psichiatrico di Genova Quarto. Claudio Costa riattiva la liturgia magica dello sciamano-artista che pianta il proprio totem salvifico e lo adorna delle paure e degli orrori che devono essere accolti, abbracciati, per essere poi superati. L'arte rappresenta per l'artista la magia del riscatto, il luogo rassicurante che non teme di esibire i mostri, che sa acquietare gli incubi.