Silvana

Dimenticati sono tutti quelli che il mondo ha smesso di guardare. Questo libro fotografico è un'avventura e insieme una scoperta. Ogni singolo scatto propone la vita messa alla prova dalla follia, che sia Italia o Africa lo stordimento che vivrete è sempre lo stesso. Valerio Bispuri sembra dotato di un potere, quello di cogliere il momento in cui il dolore si fa plastico, visibile sino allo strazio. A questa capacità si unisce la caparbietà. Perché per arrivare a certi scatti occorre tempo, abnegazione, anni, quegli anni che ha dedicato al tema della malattia mentale. Il sacrificio di interi anni di esistenza dietro un progetto artistico e insieme civile appare oggi come qualcosa di rivoluzionario. Un consiglio a chi guarderà questo libro fotografico: non è consentita la fretta. Lasciatevi portare da ogni singolo scatto dentro l'umano che racconta, perdetevi nei dettagli, soprattutto lasciatevi penetrare dagli occhi spesso senza ragione di questa umanità provata, sprofondata nel pozzo della malattia mentale. Ne uscirete diversi, voi e il vostro sguardo, per sempre.

Il volume, nel celebrare il centenario della collezione della Fondazione Sicilia, è l’ultimo numero di una collana editoriale che dal 2009 al 2021 ha dato alla luce ben sette libri. L’opera, oltre a essere una sintesi dei lavori già pubblicati, intende offrire al lettore gli ultimi aggiornamenti sia riguardo alle collezioni, sia alle sedi nelle quali queste sono esposte. Palazzo Branciforte e Villa Zito sono, infatti, assieme agli oggetti d’arte, protagonisti del volume, anch’essi opere della collezione stessa. Sfogliando queste pagine si percepisce l’importanza nel panorama storico-artistico siciliano di questo corpus di opere d’arte, tanto variegato quanto prezioso. Spiccano per unicità nell’isola le collezioni numismatiche e incisorie, seguite da quella archeologica e pittorica, dove possiamo trovare una delle più importanti raccolte di paesaggi siciliani.

Come in altre realtà europee assai meglio indagate, la famiglia è anche in Italia, specialmente in età risorgimentale e post-unitaria, uno dei soggetti ricorrenti della produzione artistica e della cultura visiva. Ha una sua iconografia, un suo statuto, gode di una particolare fortuna non solo nella letteratura, nella storia sociale, culturale e materiale del Paese ma anche nell'arte. Questo volume presenta gli esiti di una ricerca che ragiona sull'incidenza di questo tema sia nelle opere di artisti di rango, come Francesco Hayez e Giuseppe Molteni, sia nei dipinti eseguiti da pittori locali attivi in realtà periferiche lungo tutta la Penisola: dal Friuli fino alla Sicilia, come Eduardo Fiore o Mariano Guardabassi. Articolato in proficuo dialogo con le testimonianze storiche e letterarie, con quanto sappiamo della società e della cultura materiale, contrastando la laconicità delle fonti con gli strumenti euristici a disposizione dello storico dell'arte, il libro segue, si interroga, analizza i generi della pittura in cui l'immagine della famiglia si declina, specificamente la ritrattistica e la pittura di genere, scandendo nella cronologia e nella geografia artistica della Penisola la storia di un soggetto, sempre in positiva tensione fra gli sforzi creativi dei pittori e le aspettative legittime dei committenti.

La moneta, mezzo di scambio e simbolo di potere e prosperità, e le professioni che le gravitavano attorno sono i temi al centro del presente volume, che offre un quadro complessivo della storia del mondo finanziario dell'antica Roma e del contesto storico e sociale nel quale si è sviluppato. Argentarii, coactores, coactores argentarii e nummulari furono i professionisti dell'economia romana nel momento del suo massimo splendore, tra la fine della Repubblica e l'età antonina (fine I secolo a.C. - seconda metà II secolo d.C.). Il loro lavoro è qui ricostruito grazie a documenti bancari di duemila anni fa, a strumenti della loro professione e a splendidi rilievi capaci di portarci fin dentro una banca romana, dominata dalla mensa, il bancone che finì col divenire il simbolo di tutte le professioni legate al mondo del denaro. Di alcuni banchieri si può inoltre ripercorrere la storia, come Daphnus, che nella scena scolpita sulla sua ara si mostra in abito da lavoro, mentre dirige un'asta nel sontuoso mercato costruito da Nerone, o Caecilius Iucundus, che ancora oggi può accoglierci nella casa pompeiana e aprirci il suo archivio privato.

Il libro è diviso in quattro capitoli dedicati al mare, all'urbe, alle campagne e alle alture. Per il progetto, il fotografo e architetto Roberto Mirulla ha utilizzato sempre un obiettivo decentrabile che viene impiegato specialmente per la fotografia di architettura. Ogni "paesaggio ricomposto" è realizzato scattando sul posto 12 fotografie in sequenza, variando a ogni posa il decentramento. In un secondo momento, Mirulla riunisce tutti i fotogrammi sovrapponendoli, e dunque l'immagine che ne deriva risulta più ampia di ogni singolo fotogramma. L'immagine finale ricomposta con tutti i rettangoli visivi forma lo scalettato ai bordi che caratterizza tutte le fotografie della serie. Inoltre, variando l'esposizione da un fotogramma all'altro, il fotografo è riuscito a ottenere degli effetti di profondità all'interno dell'immagine. Un processo lento sia in ripresa che in successiva ricomposizione, necessario per riuscire a bilanciare composizione e luce nell'intento di trovare il giusto equilibrio, il giusto istante.

Per la nuova edizione di Performing PAC si parte dalla rilettura della mostra "Ultime Notizie. Christian Boltanski", curata da Jean-Hubert Martin al PAC nel 2005. Tra le principali chiavi di lettura dell'opera di Boltanski vi è proprio l'analisi del concetto di "tempo", che inesorabilmente fluisce e in cui la memoria e il ricordo divengono i segni, le tracce, del fragile e instabile passaggio dell'uomo. La mostra è dedicata infatti al rapporto tra arte contemporanea e memoria storica, e l'idea è quella di raccontare, attraverso video, fotografie, installazioni, performance e una piccola mostra "flashback" con i materiali dell'Archivio del PAC, come la pratica e la ricerca artistica contemporanee abbiamo trattato la memoria non in quanto conoscenza della storia fine a se stessa, ma in quanto nesso, significativamente ed emotivamente carico, vissuto fra soggetti e vicende che trascendono la loro singolarità. Con la partecipazione di: Maja Bajevic, Yael Bartana, Christian Boltanski, Maurizio Cattelan, Clemencia Echeverri, Miguel Gomes, Douglas Gordon, Ottonella Mocellin e Nicola Pellegrini, Giulio Squillacciotti.

Nelle sculture di Helidon Xhixha, la materia inerte e pesante dell'acciaio diventa leggera e disponibile a ogni trasformazione. E, a sua volta, la specchiante levigatezza della superficie dà vita a un ammaliante processo illusionistico, animato da apparizioni inattese, leggere e fluttuanti, pronte a rigenerarsi o a scomparire al più piccolo movimento di chi vi si pone di fronte. Forte di una potente attitudine creativa costante in ogni suo progetto, l'artista suscita meraviglia quando avvolge e coinvolge sia il pubblico sia lo spazio, facendoli diventare parte attiva e imprescindibile delle monumentali installazioni scultoree pensate e realizzate per i sontuosi saloni neoclassici del Palazzo Reale di Milano.

Nel 2022 avviene un importante ritrovamento di vasi e piatti fittili presso la manifattura La Cigale, fondata a Vallauris (Alpi Marittime francesi) dalla famiglia Ribero. Sono tutti dell'artista Cesare Peverelli (Milano, 1922 - Parigi, 2000) del quale si sta celebrando il Centenario della nascita. È la scoperta di un inedito Peverelli, ceramista per un biennio, il 1992-1993, nella città dove anche Picasso si fece potier, e, fatto meno noto, affichiste con linoleografie per mostre di artieri locali. Questo volume documenta per la prima volta cinquanta artefatti ceramici di Peverelli, tornati per sempre in Italia, concessi in comodato d'uso al Museo della Ceramica di Mondovì grazie al progetto Donare di Fondazione CRC; oltre a offrire un omaggio a Picasso (Malaga, 1881 - Mougins, 1973) nel Cinquantenario della morte, attraverso i suoi manifesti originali provenienti dalla collezione dell'A.V.E.C. Association Vallaurienne d'Expansion Céramique, e un "oltraggio" ceramico di Eduardo Alamaro al picassismo del Novecento, di cui un po' anche Peverelli soffrì.

Questo volume racconta la storia della collezione di Filiberto e Bianca Menna, nata da una condivisa passione per il presente dell'arte. Le opere raccolte nel corso di anni di intensa attività critica e artistica testimoniano di una singolare avventura intellettuale che ha trovato nel Lavatoio Contumaciale, attivo a Roma sin dal 1974, uno spazio privilegiato di esposizione e di confronto attraverso raffinati eventi di poesia visiva, esposizioni e incontri sugli statuti della critica d'arte e sull'estetica. Occasioni del tempo documenta anche la consistenza e la storia culturale delle opere che Bianca Menna, in arte Tomaso Binga, ha voluto recentemente donare alla Fondazione Filiberto e Bianca Menna. Un patrimonio divenuto bene comune con l'idea di dare vita a un museo che ne mantenga attivi il valore e il significato.

Un moderno sguardo sull’architettura e gli interni, fino ai dettagli più nascosti, di un sorprendente teatro italiano tra rococò e ’800: Il Teatro Grande di Brescia. Nelle fotografie di Paola Pansini composizione, luce e colore trovano equilibrio in una nitidezza naturale e silenziosa. Materia, spazialità, esattezza e armonia definiscono le sue immagini di interni e gli still-life, fuoco del suo interesse. Un riflesso di studi in scultura e comunicazione visiva, di un preciso e originale punto di vista, e perfezione tecnica. Pansini ha lavorato con alcune delle più influenti riviste internazionali di moda e design, con aziende del lusso italiane e francesi, e con studi di progettazione come David Chipperfield Architects e Dimore Studio. È una dei tre autori delle fotografie di Ingressi di Milano (Taschen, 2017), città nella quale vive.

Il volume, dal taglio monografico, accompagna la più ampia esposizione mai dedicata a Mario Nigro (Pistoia, 1917 - Livorno, 1992) con oltre centoquaranta opere dal 1947 al 1992, tra dipinti, lavori tridimensionali e su carta, insieme a una vasta selezione di documenti. Il volume ripercorre i diversi momenti del linguaggio artistico di Nigro: da un'attitudine sperimentale a partire dagli anni Quaranta, ad un deciso orientamento verso le strutture compositive astratte e geometriche degli ultimi anni. Le opere dell’artista suggeriscono un orizzonte narrativo ricorrente basato sul “ritmo”, le “forme” e il “tempo”, frutto di una visione in cui la conoscenza della musica e del sapere scientifico hanno un’influenza determinante. Il volume contiene un saggio di Antonella Soldaini, un’intervista di Elena Tettamanti con Tommaso Trini sul lavoro e la figura di Mario Nigro, un saggio di Francesca Pola dedicato all’opera su carta, una dettagliata cronologia e un aggiornato apparato bio-bibliografico per approfondire la figura del pittore toscano.

Il volume è l'espressione editoriale della mostra omonima allestita presso il Palazzo delle Albere a Trento: un percorso emozionale dedicato ai colori e alla loro percezione che si trasforma in un portale di accesso al suggestivo intreccio di arte e scienza. “Cosa sia il colore è una domanda che ha affascinato la cultura di ogni tempo e le risposte sono sempre andate oltre le spiegazioni scientifiche che riceviamo dalla fisica, dalla matematica, dalla biologia, perché i colori suscitano e rappresentano un’emozione, uno stato d’animo, generano conoscenza, elaborano sentimenti e simbologie.” (Stefano Zecchi)