Silvana

Il volume ripercorre il lavoro degli ultimi trent’anni di Giuseppe Salvatori (Roma, 1955), artista che è stato fra i fondatori, nel 1978, dello spazio autogestito di S. Agata de’ Goti a Roma e successivamente annoverato nel movimento artistico dei Nuovi-Nuovi. In questi tre decenni l’artista ha privilegiato la formula del ciclo per scongiurare la frammentazione dispersiva di opere la cui peculiarità spesso consiste nello stretto rapporto con la narrazione letteraria, di natura classica e contemporanea. Opere, quindi, sempre ancorate a un dato di realtà culturale ma anche pervase da un vissuto personale che ne trasfigura la visione in rappresentazioni singolari. Il ciclo Centuria consiste di centocinque ritratti - profili delle diverse e inesauribili figure della vita dell’artista: un lavoro in progress in cui motivi floreali si trasformano in volti, portandoci in un territorio di incanti metafisici sospeso tra il reale e il fantastico. L’opera di Salvatori sta come un’immagine in meno dell’almanacco visuale che ci circonda, e di cui abbiamo bisogno per non smarrirci e non sentirci soli, essendo coinvolti e sconvolti fin nel profondo, talvolta persino scandalizzati. Essere presenti oggi equivale a essere feriti. Al contrario, Salvatori dipinge un’immagine in meno nel nostro corredo di metafore attivate per non vedere la realtà che abbiamo davanti agli occhi. Ma finalmente è un’immagine di nessuno, un’immagine che piega la testa e si concede totalmente, diventando finalmente nostra. L’unica.

Il presente volume ripercorre la mostra personale di Luca Vitone D’après (de Pisis – Paolini), organizzata nel 2022 al Museo Novecento di Firenze, dove l’artista ha esposto quattro lavori inediti in dialogo con le mostre di Giulio Paolini e Filippo de Pisis, allestite negli stessi mesi al Museo. Grazie a un’indagine sul ruolo assunto dai due maestri sia nella memoria collettiva che in quella personale, Vitone chiama in causa la nostra percezione dello spazio in opere dalla forte impronta concettuale, caratterizzate dall’impiego di media diversi.

Il 27 febbraio 2024, dopo circa cinquant’anni di dibattiti e proposte, l’opera Guerriero con scudo di Henry Moore è stata collocata nella Terrazza di Saturno in Palazzo Vecchio a Firenze, avverando così il sogno del grande artista britannico. Traendo spunto da questo evento straordinario, il Museo Novecento e l’ufficio Firenze Patrimonio Mondiale e Rapporti con Unesco del Comune di Firenze hanno approfondito la riflessione sui nessi tra le città Patrimonio Mondiale Unesco e l’ispirazione artistica, grazie al convegno Le città patrimonio mondiale, che ha permesso di esplorare il rapporto tra creatività contemporanea e arte del passato e di sondare le possibili ricadute sul territorio di questo legame mai scontato. Gli atti del convegno, raccolti nella presente pubblicazione, racchiudono l’essenza di questo racconto corale: un dialogo intenso e vivace tra artisti, studiosi ed esperti di diverse discipline, chiamati a confrontarsi quotidianamente con le sfide e gli stimoli generati dalle città Patrimonio Mondiale.

Il volume si svolge attorno a una riflessione filosofica sulla fotografia, rendendo conto dell’impudicizia che caratterizza, potremmo dire ontologicamente, l’immagine fotografica e la sua presuntuosa pretesa di dire il mondo con un semplice clic. Nessuno, d’altronde, ha mai visto l’istante che essa riesce miracolosamente a fissare, a separare, a strappare dal flusso dell’esperienza. Perciò essa è anche costitutivamente “ingannevole”. Eppure, riesce a dire, di noi stessi e del mondo, più di qualsiasi altra forma di scrittura o di immagine. Queste pagine sono anche un omaggio a Italo Zannier, primo docente di Storia della fotografia in Italia: a lui l’autore deve tantissimo; da lui ha imparato quasi tutto quello che sa della fotografia e dei suoi eroi – che vengono appunto qui ricordati.

Fotografia Europea compie vent’anni e celebra questo importante traguardo dedicando l’edizione 2025 a una riflessione proprio su quel periodo della vita. Nella biografia di una persona, vent’anni segnano la linea d’ombra, la fine dell’innocenza e, insieme, hanno il sapore della libertà e dell’indipendenza. A vent’anni si può ancora diventare tutto, ma ci si può anche scoprire soli, separati dal mondo e dall’eredità della famiglia. Avere vent’anni è come navigare in un oceano di possibilità, senza una mappa precisa. Si affrontano aspettative immense, sia personali sia sociali. È un’età di sogni grandi e di enormi sfide ideali, dove ogni giorno può essere un’occasione per scoprire chi si è e chi si vuole diventare.

L’omaggio a Carlo Levi (1902-1975) per la celebrazione dei cinquant’anni dalla scomparsa viene qui declinato attraverso il dialogo con le opere dell’amico più giovane Piero Martina (1912-1982), anch’egli torinese. Un “dittico” dedicato a sondare il linguaggio della pittura di entrambi, in certe stagioni affine sia stilisticamente che per scelte tematiche, pur nella innegabile originalità e autonomia dei loro temperamenti individuali. L’approfondimento dell’opera di Levi è ulteriormente arricchito dalla presentazione di un nucleo significativo di sue opere tutte inedite, provenienti dalla raccolta privata di Angelina De Lipsis Spallone, interessante figura di collezionista romana, sostenitrice, dopo la morte dell’artista, della Fondazione Carlo Levi. Il volume si propone di contribuire alla conoscenza di un intellettuale del secolo scorso, pittore e scrittore, che ha creduto nell’autonomia come forza del pensiero e fondamento della ricerca della libertà. Un profondo sentimento che Levi ha nutrito e alimentato nel costante confronto con l’Altro.

Il Parco archeologico del Colosseo è un luogo mitico, culla millenaria della nostra storia civile e della cultura di noi europei, in cui la verità dell’oggi vive in osmosi con quella della memoria che la fotografia sa fermare nel flusso instabile del tempo. Alla contemplazione ammirata dell’Antico ci ammettono scatti potenti in cui passato e presente si fondono in attesa del futuro, già inverato nella suggestiva sintonia di paesaggi industriali in cui la Bellezza diviene contemporanea. Su un tracciato parallelo di testi e immagini si muove questo volume, che esplora in ambito filosofico, semiotico oltre che archeologico, attraverso parole chiave e l’analisi di casi esemplari, la consonanza fra le capacità innovative, le competenze tecnologiche raggiunte dai Romani e le nuove frontiere dell’ingegneria chimica in una prospettiva ecosostenibile. Alla costruzione visiva di questo percorso concettuale concorre l’indagine corale dei fotografi delle Accademie di Belle Arti italiane al cospetto dei monumenti più iconici del mondo classico, nell’originalità dei loro linguaggi.

Benvenuti nel regno dello sberleffo e del paradosso. Benvenuti nel mondo di Donato Sansone. Lucano di origine, ma torinese di adozione, Sansone è artista nonché animatore e autore di brevi film, videoclip musicali, spot e altri “scherzi” audiovisivi. Il suo stile è all’insegna di un surrealismo ludico e provocatorio, che oscilla tra artigianale e digitale. Metaversi è la prima monografia sul suo lavoro, pubblicata in occasione della mostra personale dedicatagli dal Museo Nazionale del Cinema di Torino. Oltre alla graphic novel "Il gatto", nel volume sono presenti contributi di Niccolò Ammaniti, Simone Arcagni, Enrico Ascoli, Beatrice Borromeo, Paola Bristot, Max Casacci, Rosalba Colla, Max Cooper, Domenico De Gaetano, Andrea Laszlo De Simone, Bruno Di Marino, Beatrice Fiorentino, Simona Lisi, Chiara Magri, Andrea Martignoni, Marco Molinelli, Samuel Romano, Roberta Sammarelli, Nicolas Schmerkin, Paolo Spaccamonti e Sergio Toffetti.

Tra i maggiori protagonisti della fotografia italiana del primo Novecento, Attilio Badodi (Reggio Emilia, 1880 - Milano, 1967) ritrae il teatro del tempo in un affresco di rara precisione e bellezza. Nelle sue opere, straordinari esempi di foto ritratto liberty, compaiono attori, cantanti, musicisti, compositori e drammaturghi, sia in scatti privati sia in abiti di scena. Partendo dalle parole dello stesso Badodi, questo volume vuole essere un omaggio alla fortunata carriera del fotografo e a quella dei protagonisti del teatro italiano immortalati nelle sue lastre: “Due grandi passioni hanno caratterizzato la mia esistenza: la fotografia e il teatro. Non fu quindi soltanto l’amore per la professione che esercitavo a indurmi, nel 1902, ad abbandonare la città natia per Milano, ma insieme il fascino potente che su di me esercitava la brillante vita artistica della metropoli. Era quello il tempo dei trionfi di Tina di Lorenzo, di Petrolini, della Duse, di Betrone, della Borelli”.

Da oltre quarant’anni, Fauciglietti Engineering incarna il perfetto connubio tra rigore metodologico e creatività progettuale. Con sede a Cantù, nel cuore della Brianza, il centro di ricerca indipendente fondato da Graziella Bianchi e Renzo Fauciglietti ha saputo coniugare ingegneria e design, produzione industriale e saper fare artigianale, tessendo relazioni locali e internazionali e dando vita a un metodo capace di mediare industria, tecnologia e cultura materiale. Questo volume ripercorre la storia e il metodo Fauciglietti attraverso conversazioni con i suoi protagonisti, riflessioni teoriche, memorie e considerazioni sul mestiere del progettista, restituendo il ritratto di un laboratorio di idee e sperimentazioni, dove il design si configura come un processo intellettuale e operativo strettamente legato alla realtà produttiva.

È possibile individuare un linguaggio “di prossimità” per gli studi che si stanno compiendo nel mondo della ricerca sulla creatività contemporanea? Come trovare la chiave di lettura in grado di coniugare rigore scientifico, profondità delle argomentazioni e comprensione più ampia, capace di essere accessibile anche ad un pubblico composto non necessariamente da specialisti o appassionati? Da questi interrogativi nasce RADART, un progetto a cadenza biennale che offre una visione – necessariamente parziale – dello stato della ricerca sul contemporaneo in Italia. MU6 venti anni dedicati all’espressione della creatività contemporanea nella convinzione, come diceva Leo Longanesi, che l’arte è un incidente dal quale non si esce mai illesi.

Il volume raccoglie una serie di articoli di Francesco Gostoli pubblicati nelle riviste «Spazio e Società», «L’architettura cronache e storia», nel mensile «The Venice international Foundation» e nel quotidiano «Il Gazzettino» di Venezia, unitamente a conferenze e introduzioni a laboratori e seminari tenuti presso le Università di Camerino, di Cà Foscari, di Udine, di Trento, Università Federale di Alfenas (Brasile), Università Cattolica del Mozambico, sede di Beira. Gli scritti affrontano i temi di trasformazione delle città e dell’architettura a seguito della crisi dei modelli di sviluppo che hanno guidato il XX° secolo, offrendo indicazioni concrete in particolare sui temi legati alla sostenibilità. Completa il volume un’appendice di “backstage” con documentazione inedita. "Non ho mai dato retta alle mode culturali. Tantomeno alle polemiche che le mode accendono. Ho sempre pensato che l’architettura è un’arte e una scienza sulle strade del mondo. Tra la gente, non per risolvere i problemi dell’esistenza, ma per far vivere donne e uomini in luoghi migliori. Luoghi che rappresentano la vita delle persone nei tempi in cui vivono. Qui il senso e la fatica di progettare un edificio." (Francesco Gostoli)