Arti, cinema e spettacolo

Paul Russotto, interprete dell’Espressionismo astratto americano, fonde la lezione dei grandi maestri – da Cézanne a Gorky, da de Kooning a Pollock – con un’intensa ricerca personale. Le sue opere non sono mai un punto di arrivo, ma campi aperti dove il colore vibra, si stratifica e si rinnova. Contro la ripetizione imposta dal mercato, Russotto oppone la forza viva del disegno, il gesto che esplora, studia e ridefinisce l’atto stesso del dipingere. Nelle parole di Eleanor Heartney: “Demolisce e amplia la tradizione modernista”. Per tutta la vita, infatti, Russotto si è dichiarato “un apprendista”, fedele a una pittura che non smette mai di instaurare un dialogo profondo con la modernità, una sfida continua al limite della forma e del senso, dove ogni quadro è un’esperienza che coinvolge non solo l’artista ma anche l’osservatore, chiamato a farsi partecipe del processo creativo.

Il lavoro di Florin Ştefan è un continuo fare i conti con momenti della memoria, risistemati mediante esercizi di riflessione che trasformano la tela in un’arena dove luoghi o figure del passato ritornano affievoliti, rigenerati in un rapporto di vicinanza e di lontananza. Quasi come spaccati di analitica cronofagia utile a nutrire l’atto del presente (quello del dipingere) con la potenza del passato (le storie), le sue opere presentano sempre dei tocchi enigmatici la cui velocità rimaneggia il reale rendendolo evanescente, vago, soft, nebuloso, spettrale, opaco, spesso poco decifrabile, a tratti squisitamente onirico e cromaticamente intenso.

Tra i più importanti ceramisti del Settecento, Giorgio Giacinto Rossetti (1705-1778) non ha finora goduto di studi approfonditi. Una lacuna che il volume di Cristina Campanella (1963-2023) permette ora di colmare. La capillare ricerca archivistica della studiosa mette in luce nuovi aspetti del percorso personale e professionale di Rossetti, dagli esordi a Torino nel 1725, con la fondazione di una Fabrica di Maiolica aperta sotto patrocinio reale, al trasferimento per nove anni a Lodi, fino al rientro definitivo nella capitale sabauda. Qui, nel 1736 diede avvio a una delle prime fabbriche di porcellana sorte in Italia. Un capitolo affascinante e poco noto della storia artistica e imprenditoriale di Torino.

Genesi è la ricerca del mondo delle origini, come ha preso forma, si è evoluto, è esistito per millenni prima che la vita moderna accelerasse i propri ritmi e iniziasse ad allontanarci dall’essenza della nostra natura. È un viaggio attraverso paesaggi terrestri e marini, alla scoperta di popolazioni e animali scampati all’abbraccio del mondo contemporaneo. La prova che il nostro pianeta include tuttora vaste regioni remote, dove la natura regna nel silenzio della sua magnificenza immacolata; autentiche meraviglie nei Poli, nelle foreste pluviali tropicali, nelle vastità delle savane e dei deserti roventi, tra montagne coperte dai ghiacciai e nelle isole solitarie. Regioni troppo fredde o aride per qualsiasi cosa salvo per le forme di vita più resistenti, aree che ospitano specie animali e antiche tribù la cui sopravvivenza si fonda proprio sull’isolamento. Frutto di otto anni di lavoro e oltre trenta reportage, le fotografie di Genesi aspirano a rivelare tale incanto; un tributo visivo a un pianeta fragile che tutti abbiamo il dovere di proteggere. Il materiale è suddiviso in 5 sezioni: si comincia con il sud del pianeta, l’Argentina, l’Antartico e le sue isole, per poi proseguire con l’Africa, un continente complesso e diversificato. La terza sezione è dedicata a isole che potrebbero essere definite “i santuari del pianeta” perché custodiscono una biodiversità particolarissima, come il Madagascar, la Papua Nuova Guinea e i territori degli Irian Jaya. Si passa poi all’emisfero nord del mondo, che comprende le regioni fredde come la Siberia e il Colorado, e infine alla quinta e ultima sezione, riservata all’Amazzonia, il polmone del mondo e il luogo dove abitano un’immensità di specie, di flora e di fauna. Genesi. Guida alla mostra è l’agile album che ha accompagnato l’iconica mostra omonima che dopo la sua prima apparizione all’Ara Pacis di Roma nel 2013 ha poi girato il mondo in oltre trenta paesi nelle più prestigiose sedi espositive.

Il mare e la spiaggia, da sempre simboli di libertà ed evasione, sono il tema di questo volume che, attraverso gli scatti di otto celebri fotografi dell’agenzia Magnum - Ferdinando Scianna, Bruno Barbey, Bruce Gilden, Harry Gruyaert, Martin Parr, Trent Parke, Olivia Arthur e Newsha Tavakolian - racconta la spiaggia come scenario di momenti intimi e universali, in cui si intrecciano corpi, emozioni e paesaggi. Un luogo di contrasti e riflessioni, dove la gioia spensierata si mescola alla solitudine, all’introspezione e all’umorismo sottile della vita quotidiana. Attraverso lo sguardo di questi grandi fotografi, si osserva come la fotografia “balneare” possa andare ben oltre l’immaginario estetico tradizionale, rivelando le sfumature più profonde dell’esistenza umana. Il volume accoglie un testo introduttivo di Andréa Holzherr.

Rotoletti, come accade agli artisti, ha strumenti sensibili, e punti di vista unici: il risultato è un’educazione sentimentale allo sguardo di cui abbiamo, oggi, più bisogno che mai. Tomaso Montanari (...) Le immagini che troverete in questo libro non hanno l’ambizione di raccontare in modo esaustivo una terra così ricca di storia e di contraddizioni, autentica isola-mondo, ma sono, semplicemente, una selezione di fotografie tratte dai vari progetti dedicati alla Sicilia che ho realizzato nel corso degli anni, e che, nel loro insieme, rifletto- no la mia visione della regione. E qui, probabilmente, occorre declinare al plurale il nome dell’isola e parlare di Sicilie, perché si tratta di una regione estremamente caratterizzata e nello stesso tempo variegata, ricca di una corposa stratificazione storica e di una complessa struttura antropologico-sociale. Armando Rotoletti Il volume, con un testo di Tomaso Montanari, presenta le immagini di Armando Rotoletti accompagnate da didascalie narrative di Placido Antonio Sangiorgio, ed è completato da una biografia del fotografo.

Il fotografo giapponese Kenro Izu è celebre per la ricercatezza e la raffinatezza delle sue immagini, percepibili nei soggetti da lui privilegiati in oltre 50 anni di carriera: still life, nudo e, soprattutto, i luoghi sacri del mondo. Il suo approccio è altro dalla semplice rappresentazione di un’architettura e del contesto ambientale in cui questa è collocata: implica un processo di approfondimento e apprendimento che di volta in volta differisce a seconda del luogo e della cultura che intende esplorare. Storia, tradizioni e credenze, ritualità e conoscenza delle religioni e delle culture permettono al fotografo viaggiatore di entrare in simbiosi con i luoghi sacri, potendo così restituire attraverso la fotocamera la sintesi di questa relazione “unica e speciale” in forma di lastra impressa. Un’esperienza colma di meditazione e contemplazione, di un tempo che solo la fotografia può concedere all’artista.

Il BancaStato Swiss Architectural Award riconosce e segnala architetti under 50 che, con particolare sensibilità nei riguardi delle questioni etiche, estetiche ed ecologiche, hanno offerto un apporto rilevante alla cultura architettonica contemporanea, contribuendo in tal modo a migliorare la qualità di vita dell’uomo e a favorire il dibattito pubblico e disciplinare sul ruolo dell’architettura nella società odierna.

Dopo Pausa caffè questo volume ripercorre la carriera artistica di Jack La Cayenne, dall'esordio al successo internazionale con Vanna Revelli (Gelsomina) a quello televisivo e cinematografico negli anni Settanta e Ottanta: emerge che le sue performances sono frutto di una ricerca d'idee, di stili e di tecniche innovative per la scena. Dal 1977 il performer è stato inoltre tra i protagonisti della nuova stagione della televisione italiana, che ha prodotto programmi geniali quali Ribaltone, Drive In e Non Stop. Quest'ultimo ha contribuito alla creazione dello stereotipo del mangia tazzine. I suoi interessi spaziano dall'arte performativa a quella figurativa, dalla moda all'arredamento e molto altro ancora. Campi qui ampiamente analizzati con notizie inedite. Alcune sue esibizioni, presenti negli archivi Rai e nelle cineteche, sono delle vere e proprie opere d'arte, esito di un negoziato solo in parte consapevole con il proprio tempo, le condizioni storiche, la società in cui ha vissuto, la formazione che ha ricevuto. anche per questo motivo l'autore, Michele Celeste, nel primo capitolo del libro ha dedicato ampio spazio agli eventi succedutesi in Italia e nel mondo, presentandoci uno spaccato storico e sociale, che abbraccia il periodo che va dalla fine degli anni Cinquanta ai primi del Duemila. La seconda parte del libro analizza le tecniche, le correnti culturali e artistiche cui La Cayenne si è ispirato, anche grazie alle esperienze maturate sia nella Rivista italiana sia nei più importanti palcoscenici del mondo. La sua cifra stilistica è qui considerata l'equivalente allegorico dell'atto poetico, dove maestria, tecnica e abilità sono virtù essenziali.