Libria: Mosaico

"Vita dei campi" è una ricerca progettuale iniziata nel 2009 e sintetizzata - dopo dieci anni di osservazioni, rilevamenti topografici, fotografici ed elaborazioni progettuali - in questo volume. Lo studio si propone di analizzare l'architettura e i caratteri essenziali del paesaggio agricolo dei Monti Erei con lo scopo di estrapolarne, attraverso un procedimento di "derivazione compositiva", i principi insediativi e tipologici riconosciuti come invarianti formali del territorio in esame. Il titolo fa chiaro riferimento alla raccolta di novelle "Vita dei campi" di Giovanni Verga, ambientate in quella «landa desolata» quale è l'entroterra siciliano; un luogo del quale lo scrittore catanese esalta ed elabora, con una prosa strutturata su parole, giri sintattici e ritmi dialettali, gli aspetti mitici e tipici della millenaria cultura contadina siciliana. Un atteggiamento compositivo, quello sperimentato dal Verga, che fornisce una chiave interpretativa ai progetti architettonici che qui vengono raccolti, ispirati anch'essi dall'osservazione diretta della tradizione costruttiva contadina ed elaborati, al presente, con spirito di rinnovamento tipologico e figurativo.

In questo volume sono riportati una serie di attività legate alla ricerca teorica, espletata nel volume "Spazio suono corpo" come casi di applicazione fattiva e sperimentale. La costruzione di una time-line degli spazi performativi (dal 1919, con la fondazione della Bauhaus e le sperimentazioni di Oskar Schlemmer, al 2021) che raccoglie una parziale selezione dei possibili progetti sul tema per la cultura e la musica, per il corpo e la performance. Sono inoltre presentati: il progetto per il nuovo distretto musicale a Pescara come esperienza condotta a più mani, grazie all'intersezione dei diversi saperi scientifico-disciplinari; un esercizio di ricerca teso a costruire un primo Lessico di progetto per "11 possibili temi di architettura": Esperienza, Luce, Materia, Proporzione, Rugosità, Scomposizione/Composizione, Sensazioni, Soglia, Suono/silenzio, Svuotamento, Vuoto; il risultato di un esercizio di configurazione dello spazio cavo. Senza le riflessioni contenute in "Spazio suono corpo. Sconfinamenti nel campo dell'architettura" non sarebbe stato possibile sperimentare e testimoniare il necessario travaso tra applicazione, ricerca e conoscenza.

Nel volume si avvicendano diverse esperienze e contributi di studiosi che hanno esercitato - a partire dai temi - una continua ricerca, operando nel campo laico della sperimentazione attiva anche attraverso l’esperienza del progetto. Sono narrazioni vibrati dei corpi che abitano gli spazi, che respirano e si intrecciano tra suoni e spazi, sono sconfinamenti a partire dall’architettura. I contributi restituiscono un affresco dai toni vivaci a tratti sovrapponibili, ma complementari tra loro. Uno sconfinamento per certi versi necessario, nel quale la fenomenologia dello spazio assegna al suono il compito di poter essere uno tra i materiali attivi per la costruzione dello spazio. Un confronto singolare-plurale delle esperienze dirette, grazie alla rilettura di sperimentazioni e alle testimonianze registrate nel tempo. Singolare perché ciascun autore testimonia una propria sfumatura all’interno della collettanea, attraverso frammenti tematici che intrecciano ricerca e didattica, studio e progetto, performance e architettura, suono e spazio, corpi e silenzi.

Questo libro raccoglie alcune riflessioni sul tema dell'edificio collettivo, attraverso un punto di vista che pone il pensiero sullo spazio in relazione all'ideazione delle sue forme strutturali. Un tema fondativo per il progetto, una questione che non può che realizzarsi attraverso un dialogo tra saperi, tra architettura e «arte delle strutture». Le esperienze presentate si offrono come paradigmi progettuali di grande significato. Tutte queste opere si interrogano sul senso dell'edificio collettivo, facendo coincidere l'ordine spaziale e figurativo con l'ordine costruttivo delle loro forme. Attraverso disegni, maquettes, fotografie originali delle opere, viene inscenato un dialogo tra esperienze maestre, aprendo ad alcune domande che si rinnovano continuamente nella relazione tra spazio, materia e costruzione. Queste sineddochi costruiscono una sorta di parete tascabile di idee, strumenti utili alla pratica del progetto.

Piero e Lana sono due gemelli con tanta voglia di divertirsi e qualche problema con le costruzioni: i loro castelli di carte non raggiungono mai il secondo piano ed i fortini di sabbia che costruiscono in riva al mare scompaiono sempre nel tempo di una notte. Un giorno, però, incontrano un misterioso maestro che li porta con sé in una fantastica avventura nell’arte del costruire. In un vertiginoso girotondo, i tre personaggi incontreranno ponti sospesi che funzionano come altalene per giganti e torri infinitamente alte, fatte interamente con i pezzi del meccano. Penetreranno così i segreti del pensiero che costruisce, fino a confrontarsi con alcuni dei suoi protagonisti indiscussi, da Leonardo e Galileo sino a Soufflot, Eiffel, Mies o Le Corbusier. Per la prima volta un libro dedicato a chi vuole avvicinarsi alla scienza delle costruzioni e al pensiero che ne costituisce il fondamento con passo leggero, evitando che i propri castelli di carte crollino al primo soffio di vento.

Il libro racconta le dinamiche e i protagonisti che, negli anni Cinquanta, hanno posto le basi di quella che sarebbe stata un'architettura di resistenza: un'architettura che si opponeva allo stile di Salazar, tendeva timidamente la mano alle esperienze internazionali e osservava con attenzione la realtà dei materiali locali e le regole del buon costruire delle maestranze. Attraverso il campione di cinque case - presentate e indagate con letture grafiche - l'intento di questo volume è riportare alla luce la lezione di alcuni maestri in ombra dell'architettura lusitana. João Andresen, Francisco Keil do Amaral, Ruy Jervis d'Athouguia e Alfredo Viana de Lima, poco noti alla letteratura italiana, sono i costruttori pratici di quella terza via teorizzata da Fernando Távora: una via contraddistinta da quel realismo tra tradizione e modernità che ancora oggi risuona all'interno della poetica degli architetti portoghesi.

La ricerca presentata in questo volume mira a ricodificare la produzione teatrale di Oskar Schlemmer nell'ambito delle contemporanee esperienze avanguardistiche europee, con l'obiettivo di tracciare una "mitologia privata" che trova nell'icona del figurino "Astratto" il riferimento chiave alla dimensione dialettica dionisiaco-apollinea entro cui l'opera dell'autore si svolge. Il teatro di Schlemmer come esercizio astratto, utile a comprendere le possibili maniere di esperire lo spazio fisico, necessita altresì una necessaria rilettura delle sue coreografie in termini architettonici: una lezione, qui intesa in termini di "arte totale e teatro totale", che rivela la sua attualità nel progetto di architettura e nelle più recenti esperienze pedagogiche, che pongono alla base dell'apprendimento l'esplorazione dinamica dello spazio.

La fase bizantina di Melfi, prima della conquista normanna, è avvolta nel mistero e non ha ricevuto adeguata attenzione nel mondo degli studi. Questo saggio colma questa vistosa lacuna proponendo un'indagine a fondo delle complesse componenti che hanno determinato il poderoso riassetto territoriale intrapreso dal catapano di Bari Basilio Boiohannes a partire dal 1018. In modo sintetico e innovativo sono ricostruiti gli aspetti strategici, tecnici, giuridici, economici che definiscono l'iniziativa del comandante bizantino in Italia, in una fase in cui l'impero di Costantinopoli può esercitare una presa maggiore sull'Italia meridionale. Analogamente, sono indagate la forma mentis, la cultura e la competenza tecnica e strategica del catapano bizantino Boiohannes. I tratti ancora riconoscibili della Melfi bizantina sono messi a confronto serrato con quelli delle altre fondazioni di Boiohannes in Capitanata per evidenziare i tratti comuni ma anche le peculiarità. Un'impostazione astratta e centralizzatrice si misura, adattandovisi con realismo e spiccato senso dei costi e dei tempi, a un'attenta valutazione delle preesistenze e delle possibilità offerte da ogni singolo sito.

In questo scritto, Angelo Bucci rivolge uno sguardo attento e poetico sulla città di São Paulo e, al tempo stesso, definisce un metodo per il lavoro in architettura. Con lucidità e amore per la propria città, Bucci ne rileva qualità e criticità, guidandoci con sapienza in un itinerario lungo la sua area centrale: durante tale ricognizione, evidenzia gli elementi peculiari e significativi di São Paulo, partendo dalle sue caratteristiche geografiche e giungendo alla complessa e tumultuosa costruzione urbana. Riconosciuti elementi e relazioni, Bucci si appresta ad usarli in maniera inedita, ricombinandoli in nuove e significative proposizioni, capaci di superare le criticità rilevate. Ma se tale attività concettuale e operativa attiene ad un luogo specifico, il metodo che essa configura è invece generalizzabile, perché stabilisce un processo che parte dalla città, giunge al singolo episodio architettonico, spazio urbano o edificio che sia, e torna inevitabilmente e necessariamente alla città. E così, le premesse teoriche che Bucci illustra nei primi capitoli del libro, trovano una convincente applicazione e una suggestiva traduzione architettonica.

I Solidi elaborati da Cesare Leonardi all’inizio degli anni Ottanta sono una sperimentazione formale che non ha precedenti nel panorama del design italiano. Questo progetto è incentrato sul riutilizzo dei pannelli in multistrato di legno, impiegati per le casseforme delle strutture in cemento armato, come unico materiale per la realizzazione di una varietà di oggetti ad uso domestico. Sebbene vi si possa riconoscere in questo progetto un antesignano degli attuali processi di progettazione fondati sul re-cycle e il self-made, è necessario rileggere quest’esperienza progettuale come una ricerca artistica sull’elaborazione della forma-oggetto mediante l’uso del disegno. I tracciamenti eseguiti da Cesare Leonardi sulle tavole di multistrato, potrebbero essere intesi come quadri astratti che si trasformano in sculture mobili quando la materia si stacca dalla superficie e mediante il movimento viene riorganizzata nello spazio tridimensionale. Il passaggio dalla bidimensionalità del quadro, che contiene una profondità concettuale oltre che spaziale, alla tridimensionalità plastica dell’oggetto scultoreo pone degli interrogativi sul ruolo assunto dal disegno in questo processo figurativo.

Nel XXXV capitolo della "Naturalis Historia", Plinio racconta il mito, tramandato a partire da Erodoto, della figlia del vasaio corinzio di nome Butade la quale, affranta per l'imminente partenza del proprio amato, ne segnò la silhouette del suo volto aiutandosi con una lampada che proiettava l'ombra dell'uomo sul muro. Butade, partendo dalla silhouette tracciata dalla figlia, riproduce con la creta il volto dell'uomo ormai lontano. L'interpretazione condivisa di questo racconto, che ha avuto un certo successo a partire dal Rinascimento ma soprattutto tra gli artisti neoclassici minori di area francofona, è la nascita della pittura. Ed è significativo che questa esperienza arcaica di arte, nasca da un disegno prodotto tramite un processo ottico, quindi da una immagine. Da una immagine, una donna traccia un disegno e germoglia l'arte dei ritratti in creta. Il volume propone al lettore un viaggio che ha come punto di partenza il rapporto tra immagine, disegno e arte.

Il volume raccoglie i testi delle principali mostre curate nell'ultimo decennio dal noto critico italiano Giorgio Agnisola. In essi si coglie il registro che è suo, orientato ad una lettura di senso dell'opera e dell'artista, ispirata da una visione interiorizzata dell'arte e della vita.