Marsilio: Cataloghi

Il catalogo e la mostra (Palazzo Reale, Milano, 27 ottobre 2021 - 30 gennaio 2022), nati originariamentedal dialogo della curatrice Francesca Alfano Miglietti con la storica dell'arte e critica militante Lea Vergine, offrono una riflessione sull'insorgere nella contemporaneità di nuove forme di rappresentazione, ponendo l'attenzione sullo storico passaggio dal corpo vivo protagonista della Body Art al corpo rifatto dell'Iperrealismo, riflettendo sul mutamento dei canoni estetici della rappresentazione e sulla potente evocazione dell'individuo mediante i suoi resti, le sue tracce, i suoi rivestimenti. Il titolo si riferisce alla scomparsa del "corpo vero" a favore del "corpo dello spettacolo". Da un Corpo Glorioso - il corpo della consapevolezza, della ribellione, dell'alterità - al Corpo del Contemporaneo, inteso nella sua declinazione di corpo della società dello spettacolo e nelle sue forme più poetiche: il corpo dell'esodo, del lavoro, della moltitudine silenziosa. Ecco dunque corpi perfetti, modificati, ripensati, prodotti e riprodotti ed essenzialmente finti da un lato; dall'altro, corpi reali ma imperfetti, non rispondenti ai canoni estetici in vigore che, privati dell'accesso all'immagine, divengono invisibili. Attraverso installazioni, sculture, disegni, videoinstallazioni e fotografie, il lettore si immergerà in un percorso poliedrico, composto da 111 opere di 34 artisti riconosciuti a livello internazionale - alcune delle quali vere icone del contemporaneo, esposte per la prima volta in Italia, per raccontare la molteplicità della rappresentazione dell'essere umano. Dalle opere di iperrealisti storici, quali Duane Hanson, John DeAndrea e Carole A. Feuerman, artisti che hanno indagato l'iperrealtà della rappresentazione dell'essere contemporaneo, si approda ad altre tipologie narrative, dove il corpo è evocato più che rappresentato. Nei lavori di Christian Boltanski, scomparso di recente, Ibrahim Mahama, Chiharu Shiota, Dayanita Singh, Charles LeDray, il corpo sembra essere svanito lasciando solo le tracce del suo esserci stato. I frammenti del corpo, e la sua mutazione, così come le mutevoli condizioni sociali, sono presenti nelle opere di Oscar Muñoz, AES+F, Yael Bartana, Alfredo Jarr, Janine Antoni, Robert Gober, Andres Serrano, Robert Longo, Michel Rovner, Franko B. Nel catalogo l'analisi e i possibili significati del corpo sono affrontati da punti di vista e angolazioni eterogenei, con i saggi di Francesca Alfano Miglietti, Vincenzo Argentieri, Franco Berardi "Bifo", Furio Colombo, Francesca Giacomelli, Gianfranco Ravasi, Massimo Recalcati, Chiara Spangaro, Gino Strada e Moreno Zani.

"Alter Eva. Natura Potere Corpo" innesca, partendo da un punto di vista femminile, una riflessione sul futuro fondato su nuovi principi di coabitazione naturale e sociale. Protagoniste sono Camilla Alberti, Irene Coppola, Martina Melilli, Margherita Moscardini, Silvia Rosi, Marta Roberti, artiste nate tra gli anni Ottante e Novanta, le cui opere, tra scultura, pittura, fotografia e installazione, vanno a comporre una narrazione sfaccettata dove la natura decostruita o immaginifica si affianca a corpi esibiti o raccontati, e forti dichiarazioni politiche dialogano con le storie intime e personali di appartenenza culturale. Tutte le sei artiste condividono un impegno rivolto al cambiamento per una trasformazione sul nostro modo di osservare, parlare e agire nel mondo. Mettendo in discussione il patriarcato, i ruoli di genere, l'antagonismo tra natura ed essere umano, i ruoli restrittivi e le relazioni di potere, la mostra costruisce futuri alternativi proponendo forme di relazione ancora in fase di negoziazione.

Questo volume raccoglie sei capolavori del Rinascimento italiano recentemente riemersi o riattribuiti, di artisti quali Donatello, Tintoretto, Antonio Lombardo e Benedetto da Rovezzano, presentati al grande pubblico per la prima volta. In occasione della mostra alla Colnaghi Gallery di New York, le opere vengono qui trattate in maniera esaustiva dai più grandi esperti di arte del Quattro e Cinquecento, quali Francesco Caglioti e Peter Humfrey. Riccamente illustrato attraverso una campagna fotografica realizzata per l'occasione e grazie a una grande varietà di confronti, il volume è un interessante contributo scientifico allo studio dell'arte rinascimentale italiana. Testi di: Francesco Caglioti, Rosario Coppel, Jeremy Howard, Peter Humfrey, Peter Marino, Jeremy Warren.

Il volume propone uno studio approfondito sulle sculture lignee policrome di area lombarda del Compianto di San Dionigi e dell'Ancona di San Giuseppe provenienti da Vigevano. Un affascinante repertorio iconografico e inedite analisi svelano i rapporti tra scultori, pittori e committenti che ne hanno permesso la produzione. L'intervento di restauro dell'Ancona di San Giuseppe ha aperto la strada alla valorizzazione dell'opera e la sua relazione con altre, favorendone l'analisi, l'approfondimento e il confronto con le opere del Castello Sforzesco. Il lavoro del curatore e degli autori indaga la storia di questi significativi gruppi scultorei, realizzati tra fine Quattrocento e inizio Cinquecento, cercando di ricostruirne l'originaria disposizione e collocazione. I testi in catalogo analizzano i due complessi, ne illustrano il contesto artistico coevo, fanno emergere i rapporti tra committenti, intagliatori, pittori, rileggono l'opera di Bernardino Ferrari, analizzano fonti a stampa come modelli per il repertorio iconografico degli artisti e per il rinnovamento del linguaggio stilistico e compositivo degli stessi, raccontano l'allestimento delle sculture in mostra e l'accurato intervento di restauro. Gli apparati presentano una ricca appendice documentaria e una bibliografia. Il libro, con circa cento illustrazioni a colori, include una nuova campagna fotografica dedicata ai gruppi scultorei. Testi di: Carlo Cairati, Benedetta Chiesi, Fabio Frezzato, Mariolina Olivari, Antonella Ortelli, Anna Maria Penati, Andrea Perin, Luca Quartana, Cristina Quattrini, Claudio Salsi.

Sviluppati in rapporto diretto con l’artista, la mostra e questa monografia rappresentano il più grande progetto mai dedicato in Italia a Jeff Koons, una delle figure più in vista dell’arte contemporanea globale. Autore di opere capaci di unire cultura alta e popolare, Koons trova nell’idea di “lucentezza” una delle principali caratteristiche della sua arte, dalla reinvenzione postmoderna del ready-made alle opere in metallo perfettamente lucido che simulano giocattoli gonfiabili. Per l’artista lo “shine” è qualcosa che va oltre l’idea di decoro o ornamento: è la sostanza stessa delle sue opere, dotate di una proprietà riflettente che unisce forma e significato, trasparenza e opacità. Attraverso un’ampia selezione tra i più celebri dipinti e sculture della sua carriera, il volume indaga il concetto di “shine” tra splendore e bagliore, preziosità e banalità, essere e apparire: un gioco di ambiguità che caratterizza il lavoro di Koons nell’utilizzo di materiali e soggetti che mettono in discussione il nostro rapporto con la realtà quotidiana e il concetto stesso di opera d’arte. Una grande opportunità per proporre al mercato librario italiano una pubblicazione che racconta la “genialità” di questo artista tanto discusso quanto amato dal grande pubblico.

Anna Coliva e Mario Codognato, curatori della mostra e autori, tra gli altri, dei saggi in catalogo, esponendo Damien Hirst nella Galleria Borghese, hanno compiuto un’operazione culturale straordinaria. L’artista inglese, assoluta e controversa celebrità del mondo artistico contemporaneo, non ha realizzato un progetto site-specific per il museo, eppure le sculture prodotte nel corso degli anni e la nuova serie dei dipinti Color Space sembrano assolutamente e indubitabilmente concepiti per legarsi alle opere, ai colori, alla materia antica e moderna che la Galleria Borghese conserva, e di cui è integralmente tessuta.

Anna Coliva e Mario Codognato, curatori della mostra e autori, tra gli altri, dei saggi in catalogo, esponendo Damien Hirst nella Galleria Borghese, hanno compiuto un’operazione culturale straordinaria. L’artista inglese, assoluta e controversa celebrità del mondo artistico contemporaneo, non ha realizzato un progetto site-specific per il museo, eppure le sculture prodotte nel corso degli anni e la nuova serie dei dipinti Color Space sembrano assolutamente e indubitabilmente concepiti per legarsi alle opere, ai colori, alla materia antica e moderna che la Galleria Borghese conserva, e di cui è integralmente tessuta.

"Breath ghosts blind" accompagna l'omonima personale di Maurizio Cattelan a Pirelli HangarBicocca, un ambizioso progetto sviluppato dall'artista e prima mostra in Italia dopo molti anni. Nel mettere in scena una complessa rappresentazione simbolica del ciclo della vita e affrontando temi come la memoria e il senso di perdita individuale e collettiva, il progetto include opere e immagini iconiche del percorso di Cattelan, insieme a un nuovo corpo di lavori realizzati appositamente. «Nel caso di Pirelli HangarBicocca, l'architettura industriale mi ha ricordato - scrive Maurizio Cattelan - un'enorme cattedrale abitata dai fantasmi del suo passato di fabbrica. Lì l'intruso ero io e a quel punto potevo solo usare a mio vantaggio il senso di minaccia che provavo: sono partito dalla fine con Blind e il resto delle opere si è mimetizzato nello spazio, come se i lavori fossero sempre stati lì». La monografia approfondisce e offre una lettura inedita del lavoro dell'artista, presentato attraverso contributi critici di autori e voci di rilievo internazionale che da anni seguono il lavoro di Cattelan, come Francesco Bonami e Nancy Spector, insieme a ulteriori approfondimenti tematici di filosofi, teologi e scrittori quali Arnon Grunberg, Andrea Pinotti e monsignor Timothy Verdon. Completano il volume le immagini che documentano il progetto di mostra e una conversazione dell'artista con i curatori, oltre a una selezione di testi ripubblicati e tradotti per l'occasione della filosofa e scrittrice Susan Sontag (1933-2004), dell'intellettuale e traduttrice Giustina Renier Michiel (1755-1832) e del poeta e scrittore curdo-siriano Golan Haji.

Lo studio internazionale di architettura, urbanistica e design Sauerbruch Hutton è stato fondato a Londra nel 1989 da Matthias Sauerbruch e Louisa Hutton che lo guidano con Juan Lucas Young, assieme a un team di centoventi professionisti che lavorano nell'odierna sede centrale di Berlino. In Italia, è Sauerbruch Hutton che firma il progetto del museo multimediale sulla storia d'Italia del '900 di Mestre, inaugurato nel 2018, parte di una sinergica rigenerazione urbana, Museo che dal 3 settembre ospita una retrospettiva dedicata allo Studio berlinese. L'edificio museale, connotato e reso riconoscibile dalla trama policroma dei rivestimenti in ceramica di produzione tedesca, è una sintesi perfetta del lavoro dello studio, che pone al centro del progetto un'architettura funzionale e sensoriale, combinata all'uso del colore e di forme curvilinee, all'approccio sostenibile e alle innovazioni tecniche. Il volume include un'introduzione di Luca Molinari e presenta un'intervista, inedita in Italia, di Keyne Geipel, direttore della rivista tedesca Bauwelt, e Benedikt Crone ai tre partner dello studio. Il dialogo affronta il ruolo dell'architettura nella città contemporanea, l'urgente ricerca e incremento della sostenibilità, e l'eterna questione della bellezza in architettura. Chiude il volume una lista con brevi schede di progetto illustrate.

JR, artista contemporaneo tra i più celebri al mondo, è chiamato a reinterpretare la facciata di un simbolo del Rinascimento a Firenze, Palazzo Strozzi, con una nuova opera site specific intitolata The Wound/La Ferita, che propone una riflessione sull'accessibilità ai luoghi della cultura nell'epoca del Covid-19. La monumentale installazione di JR rappresenta uno squarcio sulla facciata di Palazzo Strozzi, che si apre alla visione di un interno reale e immaginato allo stesso tempo, una diretta e suggestiva riflessione sull'accessibilità a tutti i luoghi della cultura durante la pandemia. Palazzo Strozzi diviene così il palcoscenico spettacolare per una ferita, simbolica e dolorosa, che accumuna tutte le istituzioni culturali italiane e del mondo intero: musei, biblioteche, cinema e teatri, costretti a limitare o a proibire l'accesso al pubblico. Il volume raccoglie un dialogo inedito tra l'artista e il curatore Arturo Galansino che racconta la genesi di quest'opera così originale e significativa, e la inquadra all'interno del modus artistico di JR, che unisce fotografia e street art creando monumentali interventi di arte pubblica nelle città di tutto il mondo, dalle favelas di Rio de Janeiro alla grande piazza della Piramide del Louvre, da Ellis Island a New York alla prigione di massima sicurezza di Tehachapi in California. A Palazzo Strozzi l'intervento di JR si caratterizza per un'ulteriore sperimentale contaminazione con la storia dell'arte, con riferimenti che spaziano dal Rinascimento all'epoca moderna.

Un piccolo volume curatissimo, come nella tradizione del grande artista tedesco, che documenta il lavoro inedito di Baselitz durante il 2020 per una mostra monografica ospitata alla Fondazione Emilio e Annabianca Vedova di Venezia. I 17 lavori, tutte tele verticali di grandi dimensioni (3 x 2,12 metri) sono suddivisi in due serie: una di 7 tele dedicate a Emilio Vedova e l'altra di 10 tele raffiguranti la moglie Elke. I titoli delle opere su Vedova, caratterizzati dai Witz con cui l'artista si diverte a spiazzarci, ci portano a cogliere qualche dettaglio in merito alla relazione tra l'artista e il suo amico di vecchia data. Anche nella serie di opere con Elke, i titoli giocano e il tema è lo Speiseeis (Gelato), rappresentazione giocosa e poetica della donna che vive accanto all'artista da oltre sessant'anni.

Bruce Nauman (Indiana - USA, 1941) è una delle figure più significative del panorama dell'arte contemporanea con una costante attività di ricerca tuttora prolifica e multiforme. A partire dagli anni sessanta fino a oggi, Nauman ha esplorato linguaggi artistici diversi, dalla fotografia alla performance, dalla scultura al video, sperimentandone le potenzialità concettuali e indagando la definizione stessa di pratica artistica. Vincitore del Leone d'oro alla Biennale di Venezia nel 2009, Nauman presenta in questa occasione la sua produzione più recente e in particolare la serie di opere video che l'artista ha realizzato negli ultimi cinque anni a partire dalla rivisitazione di uno dei suoi primi lavori, il celebre Walk with Contrapposto del 1968. Il catalogo, composto da due volumi e disegnato dallo studio grafico londinese Zak Group, si sviluppa in linea con il percorso espositivo affiancando alle opere della serie Contrapposto i lavori storici, e ripercorre le tappe della ricerca dell'artista sui temi del suono, della performance e dello spazio grazie ai testi di Carlos Basualdo, Erica Battle, Caroline Bourgeois, Jean-Pierre Criqui, Damon Krukowsi, Noé Soulier, Michael Taylor e a una imprescindibile conversazione tra Basualdo e lo stesso Nauman.