Silvana: Fotografia

«Berengo Gardin entra nell’intimità di Morandi, si muove nel suo luogo, si ferma sugli oggetti custoditi sempre con cura, tante volte osservati e tante ancora ritratti nelle tele del grande artista. Lo studio offre al fotografo anche una scoperta preziosa e unica: un ripostiglio rimasto segreto o, comunque, non visto e non aperto per anni dopo la morte dell’artista e tornato alla luce poco prima dell’arrivo del fotografo. La documentazione attenta e partecipe di Berengo Gardin testimonia così lo speciale spazio dell’arte.» (Alessandra Mauro)

Mario Giacomelli (1925-2000) è stato una figura centrale nella cultura visiva italiana del secondo Novecento, capace di attraversare le grandi trasformazioni del linguaggio artistico. La sua opera si colloca in un punto di passaggio decisivo, tra la modernità ancora segnata dal realismo e l’irruzione della sensibilità postmoderna, che dissolve i confini tra i generi e sposta lo sguardo dall’oggettività documentaria alla soggettività dell’esperienza. La sua fotografia, fin dalle origini, si muove in una direzione divergente: fonde la documentazione con la trasfigurazione, la testimonianza con l’invenzione. Come scrive Germano Celant, “le sue immagini vivono sulla teatralità del reale, ma rivelano una prepotente devozione al vedere interiore e soggettivo”. Questo volume, a cura dell’Archivio Mario Giacomelli, attraverso uno sguardo inedito e organico sulla sua vita e il suo lavoro, restituisce la complessità, la densità e la stratificazione di un’opera che continua ancora oggi a sfuggire a ogni canonica definizione. Questo volume, a cura dell'Archivio Mario Giacomelli, attraverso uno sguardo inedito e organico sulla sua vita e il suo lavoro, restituisce la complessità, la densità e la stratificazione di un'opera che continua ancora oggi a sfuggire a ogni canonica definizione.

Il volume si svolge attorno a una riflessione filosofica sulla fotografia, rendendo conto dell’impudicizia che caratterizza, potremmo dire ontologicamente, l’immagine fotografica e la sua presuntuosa pretesa di dire il mondo con un semplice clic. Nessuno, d’altronde, ha mai visto l’istante che essa riesce miracolosamente a fissare, a separare, a strappare dal flusso dell’esperienza. Perciò essa è anche costitutivamente “ingannevole”. Eppure, riesce a dire, di noi stessi e del mondo, più di qualsiasi altra forma di scrittura o di immagine. Queste pagine sono anche un omaggio a Italo Zannier, primo docente di Storia della fotografia in Italia: a lui l’autore deve tantissimo; da lui ha imparato quasi tutto quello che sa della fotografia e dei suoi eroi – che vengono appunto qui ricordati.

Fotografia Europea compie vent’anni e celebra questo importante traguardo dedicando l’edizione 2025 a una riflessione proprio su quel periodo della vita. Nella biografia di una persona, vent’anni segnano la linea d’ombra, la fine dell’innocenza e, insieme, hanno il sapore della libertà e dell’indipendenza. A vent’anni si può ancora diventare tutto, ma ci si può anche scoprire soli, separati dal mondo e dall’eredità della famiglia. Avere vent’anni è come navigare in un oceano di possibilità, senza una mappa precisa. Si affrontano aspettative immense, sia personali sia sociali. È un’età di sogni grandi e di enormi sfide ideali, dove ogni giorno può essere un’occasione per scoprire chi si è e chi si vuole diventare.

Il Parco archeologico del Colosseo è un luogo mitico, culla millenaria della nostra storia civile e della cultura di noi europei, in cui la verità dell’oggi vive in osmosi con quella della memoria che la fotografia sa fermare nel flusso instabile del tempo. Alla contemplazione ammirata dell’Antico ci ammettono scatti potenti in cui passato e presente si fondono in attesa del futuro, già inverato nella suggestiva sintonia di paesaggi industriali in cui la Bellezza diviene contemporanea. Su un tracciato parallelo di testi e immagini si muove questo volume, che esplora in ambito filosofico, semiotico oltre che archeologico, attraverso parole chiave e l’analisi di casi esemplari, la consonanza fra le capacità innovative, le competenze tecnologiche raggiunte dai Romani e le nuove frontiere dell’ingegneria chimica in una prospettiva ecosostenibile. Alla costruzione visiva di questo percorso concettuale concorre l’indagine corale dei fotografi delle Accademie di Belle Arti italiane al cospetto dei monumenti più iconici del mondo classico, nell’originalità dei loro linguaggi.

Tra i maggiori protagonisti della fotografia italiana del primo Novecento, Attilio Badodi (Reggio Emilia, 1880 - Milano, 1967) ritrae il teatro del tempo in un affresco di rara precisione e bellezza. Nelle sue opere, straordinari esempi di foto ritratto liberty, compaiono attori, cantanti, musicisti, compositori e drammaturghi, sia in scatti privati sia in abiti di scena. Partendo dalle parole dello stesso Badodi, questo volume vuole essere un omaggio alla fortunata carriera del fotografo e a quella dei protagonisti del teatro italiano immortalati nelle sue lastre: “Due grandi passioni hanno caratterizzato la mia esistenza: la fotografia e il teatro. Non fu quindi soltanto l’amore per la professione che esercitavo a indurmi, nel 1902, ad abbandonare la città natia per Milano, ma insieme il fascino potente che su di me esercitava la brillante vita artistica della metropoli. Era quello il tempo dei trionfi di Tina di Lorenzo, di Petrolini, della Duse, di Betrone, della Borelli”.

Walter Rosenblum (New York, 1 ottobre 1919 - 23 gennaio 2006) è stato un esponente di spicco nella storia della fotografia per oltre mezzo secolo. Questo volume esplora la sua vita, il suo lavoro e gli eventi storici significativi che Rosenblum ha documentato, offrendo uno sguardo completo sui suoi contributi nel campo della fotografia. Durante la giovinezza, l’esperienza diretta delle condizioni degli immigrati in America ha plasmato il suo approccio empatico alla fotografia e il suo impegno per la giustizia sociale. Come membro attivo della Photo League, ha documentato molte istanze pressanti del suo tempo, dagli anni turbolenti della Grande Depressione alle realtà sanguinose della Seconda Guerra Mondiale. L’eredità fotografica di Rosenblum fornisce intensi affondi nelle vite di coloro che ha immortalato e mette in risalto la sua appassionata determinazione nel cogliere l’essenza dei soggetti.

Introduction by Ai Weiwei.

Un percorso fotografico lungo oltre cent'anni, scandito sia dagli eventi che hanno collocato la città di Trieste al centro dello scenario internazionale, sia dalle tappe del suo sviluppo economico, demografico, sociale e culturale, visto attraverso il filtro privilegiato della famiglia Wulz, che per più di un secolo gestì l'omonimo atelier fotografico triestino (1868-1981). Il volume presenta quasi trecento immagini, tra stampe fotografiche, negativi, vintage, documenti e oggetti dell'archivio dello Studio fotografico Wulz – conservato oggi negli Archivi Alinari – assieme ad altri materiali provenienti da istituzioni pubbliche, come la Wolfsoniana di Genova, il Museo Revoltella e i Civici Musei di Storia e Arte di Trieste, e da collezioni private. Oltre a uno sguardo inedito sulla storia della città fra Ottocento e Novecento, la rassegna propone una nuova lettura della produzione dei Wulz. In particolare, le fotografie realizzate dalle sorelle Wanda e Marion nell'ultimo periodo di attività dello studio consentono di visualizzare concretamente i progressivi mutamenti dell'identità delle donne, che nei primi decenni del Novecento videro una delle fasi più importanti del loro percorso di emancipazione e indipendenza.

Il volume rende omaggio a Robert Mapplethorpe, uno dei massimi esponenti della fotografia del Novecento, tramite un confronto inedito con Wilhelm von Gloeden e i Fratelli Alinari: un raffronto evocativo, a tratti puntuale, che rivela il ricorrere di temi comuni. L’interesse per l’Antico e l’approccio scultoreo al mezzo fotografico rivivono nella scelta dei soggetti, nella definizione delle pose e nelle atmosfere sospese delle composizioni, guidando alla scoperta di un’idea non convenzionale di bellezza e di eros. Gli scatti, ispirati ai canoni della classicità, invitano a interrogarsi sui temi del corpo e della sensualità e si offrono come spunti di riflessione su come arte, morale e spiritualità cambino e si evolvano continuamente nella loro reciproca relazione.

Il libro e la mostra più personali di Ferdinando Scianna, maestro indiscusso della fotografia contemporanea internazionale. Il suo linguaggio visivo, profondo e intriso di significati, si precisa in queste fotografie che provengono dalla memoria, unite a parole e scritture. Volti e situazioni che hanno lasciato un’eco profonda nell’autore, incontri con l’umano che vive e spera. Da Paesi come Etiopia, Sudan, India, Vietnam, Stati Uniti, Italia, Francia, America Latina e Libano. “Niente si può esprimere senza geometria. La forma di ogni uomo e donna è la ricerca della felicità. Il dolore del mondo provoca la compassione. E in esso si scopre l’ansia di cercare la felicità”. Al fotografo è ordinato di fare come fece il buon samaritano: “va’ e fa lo stesso”. Si rivela perciò la cifra straordinaria dell’autore che ha scelto quelle immagini sulle quali si è depositata quella pietà e affezione in un rapporto personale con il soggetto che si è trovato davanti, verso il quale si è messo alla stessa altezza. Un lascito: il fotografo accoglie il mistero del mondo, invece di arrendersi a una funzione documentaria si spinge in una silenziosa implorazione del destino.