24 Ore Cultura: Cataloghi di mostra

L’opera di Roy Lichtenstein, artista statunitense tra i più celebri esponenti della Pop Art, sembra oggi più saggia e attuale che mai. C’è infatti una profonda radicalità nel suo progetto, più estrema dell’abbraccio inizialmente trasgressivo della cultura Pop. Nel riaffermare l’immagine prodotta in serie attraverso un processo pittorico fatto a mano, Lichtenstein ha scompaginato la nozione di ready made e ha cambiato per sempre la concezione di come un dipinto può essere realizzato, di come dovrebbe apparire e di come definiamo l’artista nella nostra società. La prima fase della carriera matura di Lichtenstein fu definita dalla modalità cartone animato: dopo il 1966 iniziò infatti ad applicare il suo stile “cartoon” a una vasta gamma di soggetti, compresi quelli ispirati all’”arte alta”, usando retini di grandi dimensioni per dare l’idea di una comprensione del reale mediata dalla quantità di immagini diffuse nel mondo contemporaneo. La mostra e il catalogo offrono una visione innovativa dell’arte di Lichtenstein, delle sue sculture e delle stampe, rivelando la sua tipica, forte commistione tra pubblicità, unità compositiva e valori plastici.

"La mostra Paul Klee. Alle origini dell’arte", a cura di Michele Dantini e Raffaella Resch, presenta un’ampia selezione di opere di Klee sul tema del “primitivismo”, con un’originale revisione di questo argomento che in Klee include sia epoche preclassiche dell’arte occidentale (come l’Egitto faraonico), sia epoche sino ad allora considerate “barbariche” o di decadenza, come l’arte tardo-antica, quella paleocristiana e copta, l’Alto Medioevo; sia infine l’arte africana, oceanica e amerindiana. La mostra presenterà un centinaio di opere dell’autore, provenienti da importanti musei e collezioni private europee, e conterà su una consistente collaborazione del Zentrum Paul Klee di Berna.

"Presso la GAM - Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea di Torino, per la prima volta una mostra presenta al pubblico un confronto ravvicinato e puntuale fra artisti dell'Ottocento che hanno contribuito per strade diverse - ma spesso intersecate e talvolta confluenti - al rinnovamento della pittura italiana nel segno della ricerca sul "vero": i macchiaioli, toscani per nascita o per appartenenza professionale, e i piemontesi e liguri corrispondenti per età, motivazioni e percorsi pittorici. Si è scelto di individuare e documentare questo rapporto artistico - finora mai esplorato a fondo - proprio nella stagione iniziale e più felice di questa pittura improntata a un naturalismo anticonformistico, ossia il periodo che va dalla sperimentazione degli anni cinquanta dell'Ottocento ai capolavori degli anni sessanta, concludendo il percorso espositivo con il 1870." (Cristina Acidini Luchinat e Virginia Bertone)

L'esistenza dissipata e la purezza delle immagini, le muse e le amanti, l'influenza della scultura africana, di Brancusi e di Cézanne. Sono solo alcuni degli aspetti che hanno reso celebre l'arte e la figura di Amedeo Modigliani, l'artista maledetto per eccellenza. Quella di Modi è la storia di una formazione italiana e di una maturità parigina: la Parigi travolgente di Montmartre e Montparnasse, che fanno da sfondo agli incontri con gli artisti più famosi dell'epoca. La guerra, il trasferimento a Nizza, la morte prematura e il conseguente suicidio dell'amatissima compagna Jeanne Hébuterne segnano la fine del racconto - e l'inizio del mito.

Vissuto a Norimberga tra il 1471 e 1528, Albrecht Dürer va considerato protagonista assoluto del Rinascimento tedesco ed europeo all’epoca della sua più alta espressione, attorno al 1500. La sua carriera di prolifico pittore, disegnatore, e – forse soprattutto – artista grafico, segna infatti un momento di grande effervescenza in termini socio-economici, artistici, culturali ed intellettuali nella Germania meridionale, ma anche un momento di massima apertura verso l’Europa, e soprattutto l’Italia settentrionale. Una serie di raffinati confronti illustrerà dunque la fruttuosa, reciproca interazione fra l’arte di Dürer e dei suoi contemporanei tedeschi da una parte, e quella di grandi autori padani, veneti e emiliani dall’altra: Lucas Cranach, Leonardo da Vinci, Giorgione, e ancora Giovanni Bellini e Lorenzo Lotto. Magnifico nucleo della mostra e del catalogo è una rappresentativa selezione di opere di Dürer, che ne rivela, oltre al carattere fortemente innovativo, una capacità di diversificazione formale, iconografica e funzionale che non ha rivali nell’intero arco del Rinascimento europeo.

L’Argentina, uno dei territori più ricchi e importanti per lo studio dei dinosauri, possiede una tradizione paleontologica lunga e accreditata, tuttora alimentata da scavi sempre nuovi e da nuovi istituti di ricerca. La mostra e il catalogo Dinosauri. Giganti dall’Argentina presentano i risultati di questa proficua attività. Attraverso un percorso cronologico, il catalogo ripercorre l’intero percorso evolutivo dei dinosauri, dalle origini fino all’estinzione: 150 milioni di anni di storia naturale narrati attraverso reperti originali e riproduzioni ottenute, con tecniche sofisticatissime, a partire dai resti fossili. Il volume si apre con il Triassico, da cui provengono i cinque dinosauri più antichi noti finora, tra cui l’Eoraptor lunensis e l’Herrerasaurus ischigualastensis. La sezione seguente è dedicata al periodo più celebrato dalla letteratura e dai film fantascientifici: il Giurassico, durante il quale si assiste allo sviluppo dei grandi predatori e dei primi dinosauri coperti di piume, forse in grado di volare. Infine, il Cretaceo, che ha visto il massimo livello di biodiversità nel mondo dei dinosauri. È a questo periodo che risalgono i giganti: l’erbivoro più grande del mondo, l’Argentinosaurus huinculensis che poteva raggiungere i trentotto metri di lunghezza, e il più grande carnivoro terrestre finora conosciuto, il Giganotosaurus carolinii, che con i suoi tredici metri di lunghezza per dieci tonnellate superava in dimensioni il più famoso Tyrannosaurus rex.

Barbie è moda. Barbie è arte. Barbie è tendenza. Barbie è il simbolo della donna emancipata di ogni cultura e ogni Paese. Nata nel 1959, ma sempre giovane e sempre moderna grazie ai suoi molteplici cambi di stile e fisionomia, Barbie è una vera icona pop: trend setter, top model e musa ispiratrice di innumerevoli artisti.

Si tratta del catalogo della mostra (Milano, 25 marzo-11 settembre 2016).

"Nelle sale del piano nobile di Palazzo Reale a Milano abita 'Simbolismo. Arte in Europa dalla Belle Époque alla Grande Guerra', un percorso espositivo molto suggestivo che ripercorre la temperie artistica del simbolismo in Europa. La mostra mette in luce la natura multiforme del simbolismo, evidenziando i suoi legami con la letteratura e in particolare con Baudelaire e i suoi 'Fiori del Male'. È un omaggio a una delle correnti più interessanti della storia dell'arte nonché ai suoi maggiori interpreti, quali Segantini, Moreau, Redon, Böcklin, Khnopff, Previati, Sartorio. In questo inizio del 2016 Milano accoglie tale progetto per riflettere sul ruolo di una corrente artistica che, superando l'oggettività del reale, indaga in maniera nuova l'essenza e il mistero della natura e ambisce a scoprire il significato più intimo e segreto delle cose." (Filippo Del Corno).

"Il Museo delle Culture apre in maniera definitiva come polo multidisciplinare dedicato alle diverse culture del mondo con una mostra che rispecchia in pieno la sua vocazione: favorire un dialogo tra le tantissime civiltà, tradizioni e identità che popolano il pianeta e una riflessione sulle relazioni reciproche che le legano. Da questa convinzione nasce Gauguin. Racconti dal Paradiso, un percorso espositivo caratterizzato non solo dalle opere esposte ma soprattutto dalla ricostruzione documentaria dei luoghi vissuti e immaginati dall'artista e dell'influenza che questi hanno avuto per la sua estetica. Nella sua continua ricerca di un ritorno al 'primitivo' e di evasione dalla società a lui contemporanea, Gauguin ha attinto a tecniche pittoriche e a stili figurativi molto ramificati ed eterogenei: Bretagna, Martinica e Polinesia sono solo alcuni dei mondi fonte di ispirazione per l'artista. Una produzione artistica poco compresa dalla critica coeva a Paul Gauguin, e che assume oggi un fortissimo significato per la capacità di fondere e contaminare tradizioni estetiche a noi vicine e lontane. 'Gauguin. Racconti dal Paradiso' trova quindi la sua collocazione più coerente al MUDEC per l'avvio di un nuovo e originale percorso di dialogo tra le culture del mondo." (Filippo Del Corno, Assessore alla cultura, Comune di Milano)