Armelin Musica

L’organista che, con un misto di freschezza e ingenuità, dovesse approcciarsi ai Corali di Johannes Brahms per quello che appaiono ad una prima lettura, ravvisando in essi “solamente” delle pagine nate da un grande lavoro di cesello, incapperebbe senza dubbio in un colossale fraintendimento, in quanto questo è solo uno degli aspetti caratterizzanti dette opere. L’apparato analitico si staglia in modo schematico e chiaro. Il tutto scorre sotto gli occhi del lettore in modo che questi sia agevolato nel ritenere a memoria le informazioni principali. Preziose, inoltre, le indicazioni sulla registrazione organistica, atte a debellare un possibile quanto fatale fraintendimento esecutivo.

Considerando le continue ricerche legate alla fisiologia, anatomia e tecnica del canto che a oggi consideriamo all’avanguardia e gli studi affrontati in diverse nazioni e riguardanti ogni stile musicale, presa dalla convulsa curiosità mi sono chiesta come i cantanti e gli insegnanti di canto del ’500 gestivano la formazione vocale. Il percorso affrontato nell’attenta lettura e ricerca è risultata interessante ed appagante. Vince sempre l’idea che alla scienza va sempre affiancato l’intuito di un bravo didatta e di un acuto musicista dotato di uno spiccato gusto musicale unito alla competenza, ma, soprattutto, quelle regole fondamentali di primo approccio legate all’imitazione”.

L’autore, ne da una chiara descrizione, esprimendo con un linguaggio semplice ma compiuto, la forma e il contenuto dei 4 piccoli brani che costituiscono l’intera composizione. Molto utili ed interessanti sono i suggerimenti che il Maestro indica, per potersi accostare allo studio della “Pastorella”, affrontando le caratteristiche tecniche e musicali presenti in ciascuno dei quattro movimenti. Il primo che è quello caratterizzante, il secondo e il quarto che si rifanno ai movimenti di danza presenti nelle suites per clavicembalo, il terzo, che è un delizioso cantabile con accompagnamento. Le indicazioni di prassi esecutiva che seguono, espongono con chiarezza alcune importanti caratteristiche del modo di suonare la musica organistica al tempo di Bach. Lo studio della polifonia, separando le voci e poi mettendole assieme, con attenzione alla diteggiatura, aiutano l’interprete a raggiungere una consapevolezza musicale, che contribuisce a rendere il linguaggio chiaro e convincente per l’ascoltatore. Interessanti e utili sono le scrupolose indicazioni sul modo di suonare l’organo

Offriamo al pubblico la ristampa dei “Partimenti” di Fenaroli pubblicati a Roma dalla Litografia Ratti all’inizio dell’Ottocento. Molte furono le edizioni di questo trattato che ebbe enorme diffusione e fortuna. Fu stampato ininterrottamente dal 1775 (Napoli, presso Vincenzo Mazzola) al 1930 (Milano, Edizioni Sonzogno). L’opera fu tradotta anche in francese da Emanuele Imbimbo, e pubblicata a Parigi presso Carli (1813-1814). L’ultima edizione in commercio fu quella pubblicata da Forni che ristampò, alla fine degli anni Ottanta del secolo scorso, l’edizione Canti del 1863. Questo suo metodo d’insegnamento è ancora oggi attuale per chi voglia affrontare in modo approfondito lo studio della composizione e la parassi esecutiva della musica italiana del Settecento e in particolar modo quella appartenente alla “Scuola Napoletana”. Fedele Fenaroli (Lanciano, 25 aprile 1730 – Napoli, 1 gennaio 1818) studiò a Napoli al Conservatorio di S. Maria di Loreto dove ebbe come insegnanti Francesco Durante e Leonardo Leo. Nel 1775 ricevette la nomina di maestro di contrappunto e composizione al Conservatorio della Pietà dei Turchini, posto che tenne in modo prestigioso fino alla morte.

Ci troviamo di fronte a un’opera polivalente, articolata su svariati piani della conoscenza e non assimilabile sotto frettolose etichette. Nello specifico territorio che l’opera si assegna (quello didattico e che più propriamente chiamerei maieutico) noi assistiamo a un capovolgimento di rotta rispetto ai tradizionali dettami educativi: anziché partire da premesse dottrinali per poi suffragarle coi dati dell’esperienza, qui si parte dalla sperimentazione personale e guidata per giungere alle premesse. Sempre mantenendosi sul piano didattico-sperimentale l’autrice individua nello slittamento discendente, prevalentemente contenuto nell’ambito di una quarta, un pattern ricorrente nella storia della musica, penetrato perfino in accattivanti pièces di consumo, capace di muovere gli affetti e di “toccare” quindi anche la disponibile sensibilità adolescenziale.

Ci sono delle innumerevoli ragioni per cui la musica organistica di François Couperin valga essere sempre ulteriormente studiata, approfondita, diffusa, ben eseguita, compresa, goduta. La presente edizione curata da Sandro Carnelos, che completa, assieme alla Messe Solemnelle à l’usage ordinaire des Paroisses, la pubblicazione delle opere per organo di François Couperin, non solo costituisce una attenta e puntuale trascrizione dall’originale pubblicato da André Danican (Versailles, 1689-90), ma rappresenta una guida all’esecuzione che si rivolge sia all’organista professionista che all’organista di chiesa o al non professionista che voglia compiutamente eseguire la musica di questo affascinante autore e avvicinarsi al mondo sonoro dell’organo francese del XVII e XVIII secolo.

L’opera 60 di Schumann, Sechs Fugen über den Namen BACH nell’analisi di aspetti tecnici, armonici, retorici e storici, confronto tra manoscritto originale e partitura stampata, considerazioni sulle altre opere scritte da Schumann per il pianoforte a pedali e il pensiero di grandi esecutori, organisti e ricercatori sulla vita dell’autore e le opere in questione. Questo è quanto si riscontra in questa nuova pubblicazione di Mirko Ballico, incentrata su un’opera cara agli organisti ma non così diffusa e conosciuta come meriterebbe. Un autore importante, Robert Schumann, affascinato quasi innamorato dell’organo, ma fondamentalmente pianista per tecnica e pensiero. Una nuova concezione di fuga che possa essere scambiata per uno studio di Chopin o un walzer di Strauss, ma soprattutto l’incertezza e il dubbio sulla reale destinazione dell’op. 60: Organo o Pedalflügel? Attraverso un percorso ordinato, un’attenta analisi e con l’ausilio costante di esempi musicali, l’autore conduce per mano il lettore a formulare una propria opinione su quest’opera che resta uno dei lavori più importanti a metà tra stile organistico e tecnica/esecuzione pianistica.

Una moderna storia della letteratura del pianoforte, e dei precursori clavicembalo e fortepiano, deve avere come obiettivo la comprensione della “giusta” esecuzione, ossia la maniera più adatta di interpretare il testo. L’arco temporale oggetto della nostra ricerca comprende gli autori più rappresentativi del Settecento fino ai principali compositori dei primi anni dell’Ottocento incluso Beethoven, del periodo sono evidenziate le convenzioni della prassi esecutiva e i nuovi procedimenti compositivi attraverso l’individuazione delle tecniche e artifici usati nel periodo barocco e poi riutilizzati in seguito in forma mutata. I cambiamenti organologici e il perfezionamento progressivo dell’affidabilità meccanica sono causa ed effetto di un nuovo modo di scrivere il testo musicale dove la tradizione, patrimonio culturale dei compositori, si fonde con i contenuti innovatori.

L’organista moderno ha un debito di riconoscenza verso Guilmant: il suo lavoro indefesso ha contribuito in modo assolutamente unico a generare una cultura dell’organo a canne e a delineare i contorni dell’organista di oggi. Concertista acclamato, docente di fama, musicista di chiesa coscienzioso, compositore esperto e apprezzato dal popolo, conoscitore dell’organologia e primo vero grande studioso dell’antico repertorio organistico. Con lui nasce a tutti gli effetti lo studio attento e documentato della cosiddetta “prassi autentica”. Davvero la sua parabola di organista a tutto tondo merita di essere conosciuta attraverso questo libro che scandaglia ad uno ad uno ogni aspetto del vastissimo lavoro di questo personaggio ancora da riscoprire.