Gutenberg Edizioni

"Te voglio murmulià quaccosa dint' 'a recchia" non è solo un titolo, ma una promessa sussurrata, un invito a entrare in un mondo intimo e profondo. Con un linguaggio delicato, l'autore accompagna il lettore in uno spazio ricco di emozioni, dove la poesia si fa gesto di carezza, un'eco silenziosa che invita alla riflessione. Ogni verso emerge da un'esistenza segnata dalla perdita, ma anche arricchita dalla memoria, dalla fede e dall'amore. Il poeta, originario di Pomigliano d'Arco, ha radici profonde nella cultura partenopea, che permeano il suo lavoro artistico. Pittore, scultore, ceramista, fotografo, maestro presepista e poeta, esplora temi universali come la sofferenza, la guerra, le migrazioni e la memoria storica. La sua arte diventa un atto di testimonianza e resistenza, dove la cultura napoletana, con la sua ironia e profondità, si mescola al sacro e al profano. Con delicatezza, il libro offre uno spazio di verità, in cui il dolore e la bellezza si intrecciano.

'La pittura come diario intimo' è un viaggio nell’universo interiore e artistico di Anna Maria Saviano, pittrice che attraverso la tela esplora la dimensione più intima dell’esistenza, dove luce e ombra convivono in equilibrio fragile e necessario. Il volume racconta la sua ricerca pittorica come un diario visivo dell’anima, dove ogni segno, tratto o velatura diventa strumento di introspezione, cura e silenzio. Le opere della Saviano — che spaziano dal disegno alla pittura, con una forza espressiva d’urgenza — sono scandagli dell’interiorità, tentativi di rispondere a due domande essenziali: Chi siamo? e dove andiamo? Domande che l’artista affronta non con parole, ma con immagini che emergono da una quiete inquieta, da una penombra che diventa rifugio e sguardo sul mondo.

Un progetto coraggioso, per divulgare e promuovere informazione, prevenzione, inclusione, rispetto e unicità. A farlo è Mick, un virus HiV. Un virus, ancora oggi, troppo poco conosciuto e demonizzato. Età di lettura: da 7 anni.

La pittura di Paolo Laudisa si rivela come un’esperienza di immersione sensoriale e interiore. Osservando le sue tele, caratterizzate da ampie superfici di pigmento puro e da una luce che emerge senza creare ombre, si entra in un campo percettivo che supera il dato visivo per trasformarsi in emozione. Le grandi dimensioni, usate dall’artista sin dagli anni Ottanta, amplificano questo coinvolgimento, offrendo allo spettatore un varco verso ciò che Laudisa definisce “primarie emotività”. Il colore, mai subordinato alla forma, diventa presenza viva nello spazio, ponte immediato tra artista e osservatore. Pur riprendendo la lezione dei Nabis e riflettendo sul rapporto tra percezione e psiche, Laudisa costruisce un linguaggio autonomo, fondato su variazioni tonali minime e profonde risonanze interiori. Nelle opere più recenti, come Zenit, Saturno e Matisse, affiora una dimensione quasi simbolica, accentuata dall’intensa luminosità del giallo, colore centrale anche nella cultura cinese che l’artista frequenta da anni. Ne emerge una ricerca matura, capace di coniugare sensibilità, rigore estetico e una meditazione profonda sul potere del colore.

Per l’artista, nativo di Ravello e di adozione positanese, il rapporto con lo spazio sociale, con il contesto ambientale, è la spinta a inseguire l’utopia della semplicità. Prefigura pertanto, con una pittura essenziale, un luogo nuovo (un dove immaginifico che si chiama Positano) che nasce da un’esigenza personale, avvertita quale espressione del suo agire nel mondo con lo sguardo del sentimento, tra gli altri uomini che tendono a dare un senso al tempo in cui vivono. Giuseppe, che i positanesi chiamavano con affetto “Peppino”, nelle sue raffigurazioni del paesaggio delle terre che chiudono la Costa di Amalfi e si affacciano sugli isolotti de Li Galli, un tempo le Sirenuse, ha scartato gli elementi del folclore, l’effetto cartolina. La sua, diversamente da quanto sostenuto, non è una pittura naif: non lo è sia perché Di Lieto ha avuto una formazione che potremmo definire accademica, in quanto si è formato nello studio di Manfredi Nicoletti a Ravello, non ancora quindicenne, sia perché la sua non è una pittura spontanea, istintiva, tantomeno carica d’ingenuità.

La mostra legata al catalogo nasce da un pomeriggio d’inizio estate, quando Livia Di Luzio propone di lavorare sul tema della rinascita. Da subito diventa chiaro che si tratta di un’esigenza profonda: il reset non è solo tecnologico, ma una possibilità umana quando la vita impone di scegliere tra arrendersi o ripartire. I quattordici artisti coinvolti portano storie di trasformazione, coraggio e resistenza, segnate da fragilità diventate forza creativa. Al centro del percorso c’è Eden di Monica Pirone, un giardino solo in apparenza armonioso, attraversato da simboli di vita e ferite. Attorno a essa, visioni diverse interpretano il tema: i corpi ricomposti di Sergio Angeli, la pittura istintiva di Erika Capobianco, i mondi reinventati di Claudia Caracausi, le sculture di Paola Chartoux, il blu introspettivo di DOC, la luce impossibile di Fabrizio Fragano, fino alle opere delle più giovani, Chiara Pellegrini e Monica Toscani, che raccontano un futuro possibile. Anche la curatrice espone il proprio “reset”, mentre la presenza di Cinzia Leone conferisce al progetto un significato autentico. Questa mostra è un luogo vivo, nato dalla fragilità, in cui ogni opera diventa un nuovo inizio.

I corpi acefali di Pietro Lista sono entità universali, ritratti dell’uomo non di un uomo. Ritratti che si sono ritratti da sé stessi: non rappresentano un preciso soggetto, ma quel soggetto assoluto che, a differenza del ritratto tradizionale, non è concentrato su sé stesso, non è confinato nei suoi stessi limiti né attira l’attenzione sui tratti somatici ed unici del proprio volto. Il corpo acefalo vive nello spazio; è esso stesso un luogo del sistema mondo con il quale instaura un osmotico scambio; il corpo acefalo non è mai autoreferenziale come il ritratto; esso stabilisce relazioni con tutto ciò che lo circonda. I corpi acefali di Pietro Lista sono, in linea con tutto quanto detto, rapidi segni che si fanno disegni, pura istintività che si fa figura, sagome che non rappresentano, ma presentano, non riproduzione, ma produzione:«pro-duzione, condurlo davanti, trarlo al di fuori».

Il Museo-FRaC Baronissi pone l'accento sull'architettura approfondita da giovani architetti nel suo programma di ricerca e mostre. In collaborazione con l’architetto Antonio La Stella, sono stati avviati studi sullo sviluppo urbanistico e le principali opere architettoniche di Salerno e provincia, come la fabbrica Solimene di Paolo Soleri e la Chiesa della Sacra Famiglia di Paolo Portoghesi. È emersa l’esigenza di esplorare le nuove prospettive avanzate dai giovani architetti, sia a livello regionale che nazionale. La curatela della mostra, affidata a Pasquale Ruocco e Claudio Bozzaotra, propone una riflessione non sui progetti realizzati, ma su ipotesi progettuali che intrecciano architettura e arte contemporanea. La mostra evidenzia la ricchezza del dibattito contemporaneo, mirando a conciliare innovazione e il bisogno di creare spazi che rispondano alle esigenze dell’individuo e della collettività.

Un obelisco alto nove metri sormontato, in cima, non da l’effige di conquistatore o da un elemento decorativo a ricordo di gradi imprese, ma da un grande masso che, da un momento all’altro, sembrerebbe poter cedere al peso della gravità. Quella di Lista è una ricerca volta al raggiungimento di un equilibrio, voluto, mantenuto o scardinato, in un mondo così palesemente sbilanciato; in qualsiasi contesto, con qualsiasi tipo di forze e contro sovrastrutture con le quali ci si deve quotidianamente confrontare; la sua è un’estetica del bilanciamento perfetto: è un disequilibrio che cerca l’equilibrio. Lista con pochi, minimi elementi ci fornisce, dunque, una stratificata lettura della nostra condizione esistenziale, nella consapevolezza che solo chi è in grado di trovare il giusto equilibrio sarà in grado di dominare il suo stare al mondo.

Rizoma è la metafora del pensiero creativo che sottende a questo progetto: Il Rizoma dell’Arte vive nascosto e rappresenta un mistero. In un contesto complesso come quello dell’arte, caratterizzato da numerose ricerche interconnesse e indipendenti tra loro, capaci di innovare, attraverso l’adozione di diverse prospettive interpretative lo sviluppo di narrazioni soggettive, nasce questo progetto, che partendo dalla natura, cerca punti di connessione tra i diversi linguaggi. 13 presenze tra artisti e architetti Designers, esporranno le loro installazioni negli spazi dei Vivai vesuviani, a Ottaviano.

Gli artisti Antonio Carotenuto, Cristina Cianci, Mario Ciaramella, Max Coppeta, Ugo Cordasco, Anna Crescenzi, Giovanni Cuofano, Eliana Petrizzi, Ernesto Terlizzi e Luigi Vollaro si interrogano sul significato dell’acqua in una mostra che trae la sua riflessione dall’identità del luogo, il Battistero Paleocristiano del Complesso Museale di Santa Maria Maggiore, sito in Nocera Superiore (SA). È una mostra che conserva un carattere laico, nell’accezione più inclusiva del termine ma che, nell’interpretazione di ogni artista, propone spunti di riflessione sull’assenza di spiritualità che connota il nostro tempo, con una crescente attenzione ai valori materiali e alla diminuzione della connessione umana con qualcosa di trascendentale; insomma la perdita di quel significato più profondo fra l’uomo e un possibile oltre, qualcosa che è al di là del mondo.

In vista del primo anniversario dalla scomparsa di Daniel Spoerri, la città di Narni vuole rendere omaggio alla memoria dell'artista tramite un'esposizione che spazia dai celeberrimi tableaux pièges a opere scultoree forse meno note, ma non per questo secondarie all'interno della sua produzione. La collezione di bronzi della Fondazione d'Arte Contemporanea Vittorio Caporrella costituisce infatti un corpus di straordinaria pregnanza, dove le installazioni entrano in rapporto mai scontato con lo spazio intorno, nell'ottica di una poliforme 'arte ambientale' attraverso la quale il pioniere del Nouveau Réalisme pone e interroga, nell'arco di circa quarant'anni di sperimentazione, il tema del rapporto tra scultura e natura.