Marsilio Arte

Dalla metà del XIX secolo ad oggi, Cartier ha saputo riscrivere il repertorio estetico e simbolico dell’antica Grecia e di Roma, trasformando motivi millenari in gioielli dal carattere unico e moderno. Cartier e il mito è un viaggio affascinante alla scoperta dell’universo estetico e formale della Maison Cartier, ed esplora il modo in cui l’antichità classica ha mutevolmente ispirato le sue creazioni più iconiche. Non si tratta solo di un’esplorazione di stili e forme: il volume ricostruisce atmosfere intellettuali e culturali, evocando l’evoluzione dell’immaginario legato alla Grecia e a Roma nel corso dell’Ottocento e del Novecento, con un focus particolare sul legame profondo tra Cartier e l’Italia, e soprattutto con Roma. Questo volume racconta come Cartier abbia saputo fondere tradizione e modernità, reinterpretando motivi antichi in chiave contemporanea. Dai raffinati pastiche dei grandi orafi e collezionisti del XIX secolo – come i Castellani a Roma – passando per il raffinato design dei gioielli in platino di inizio Novecento, alle creazioni audaci e surrealiste del dopoguerra, fino alla contemporaneità, con monili che interpretano la bellezza armonica delle proporzioni auree, Cartier e il mito mostra l’evoluzione del repertorio classico nella gioielleria. Particolare attenzione è dedicata agli scambi di stile tra Roma e Parigi, che, grazie alla visione innovativa di Cartier, hanno dato vita a gioielli dal fascino intramontabile e dall’eleganza senza tempo.

Dalla metà del XIX secolo ad oggi, Cartier ha saputo riscrivere il repertorio estetico e simbolico dell’antica Grecia e di Roma, trasformando motivi millenari in gioielli dal carattere unico e moderno. Cartier e il mito è un viaggio affascinante alla scoperta dell’universo estetico e formale della Maison Cartier, ed esplora il modo in cui l’antichità classica ha mutevolmente ispirato le sue creazioni più iconiche. Non si tratta solo di un’esplorazione di stili e forme: il volume ricostruisce atmosfere intellettuali e culturali, evocando l’evoluzione dell’immaginario legato alla Grecia e a Roma nel corso dell’Ottocento e del Novecento, con un focus particolare sul legame profondo tra Cartier e l’Italia, e soprattutto con Roma. Questo volume racconta come Cartier abbia saputo fondere tradizione e modernità, reinterpretando motivi antichi in chiave contemporanea. Dai raffinati pastiche dei grandi orafi e collezionisti del XIX secolo – come i Castellani a Roma – passando per il raffinato design dei gioielli in platino di inizio Novecento, alle creazioni audaci e surrealiste del dopoguerra, fino alla contemporaneità, con monili che interpretano la bellezza armonica delle proporzioni auree, Cartier e il mito mostra l’evoluzione del repertorio classico nella gioielleria. Particolare attenzione è dedicata agli scambi di stile tra Roma e Parigi, che, grazie alla visione innovativa di Cartier, hanno dato vita a gioielli dal fascino intramontabile e dall’eleganza senza tempo.

«Dopo aver perso mio padre a diciott’anni, mi sono rimasti pochissimi scatti che ci ritraggono insieme. Ciò che resta sono ricordi lontani e ritratti formali in studio, immagini che sembrano scollegate dalla nostra relazione quotidiana. All’epoca la fotografia non era così accessibile, e l’archivio che avrei voluto semplicemente non esiste. Hero, Father, Friend nasce come risposta a questa assenza. Ricostruisce i momenti emotivi e visivi che ho desiderato, colmandone le lacune con scene sia reali che immaginate». Le parole di Carlos Idun-Tawiah, fotografo e regista ghanese, descrivono l’anima del progetto Hero, Father, Friend, documentato in questo libro nella forma di un diario intimo e intenso, che scava nella memoria per elaborare il lutto attraverso una ricerca di identità e la ricostruzione di un solidissimo legame padre-figlio. Il lavoro di Idun-Tawiah ha vinto il premio Photo Grant di Deloitte 2025, con tema Contrast. Il grant internazionale è oggi alla sua terza edizione e costituisce già un punto di riferimento per la fotografia contemporanea. Promosso da Deloitte Italia, ha la direzione artistica di Denis Curti ed è realizzato in collaborazione con Triennale Milano e con la squadra di «Black Camera». Percorrendo un doppio binario giocato tra realtà e ricostruzione, le fotografie di Carlos Idun-Tawiah intrecciano memoria privata e collettiva raccontando le lezioni di pianoforte con il nonno, le giornate sulla spiaggia con lo zio, le partite di calcio con i cugini: una rete familiare unita per colmare un’assenza, in una riflessione sulla paternità e sulle diverse declinazioni di un ruolo articolato e multiforme. I testi di Denis Curti e Alessio Fusi fanno da contrappunto critico a questa narrazione, analizzando i contrasti emotivi e visivi che la caratterizzano. Il progetto Hero, Father, Friend sarà esposto alla Triennale di Milano dal 27 novembre 2025 al 25 gennaio 2026.

Quali dinamiche sottendono il progetto espositivo e conservativo di un grande museo? Che cosa si nasconde dietro l’effimero spazio-tempo di un allestimento? Come creare le condizioni ottimali per il prestito di un’opera d’arte? Un racconto a più voci svela questo mondo nascosto intersecando architettura, ingegneria, sapere artigiano. Un percorso che consente al pubblico di riconoscere il valore di queste sfide e soluzioni, rendendo visibile ciò che normalmente resta invisibile. Dalle grandi mostre internazionali ai delicati interventi su capolavori sensibili realizzati dall’azienda veneziana OTTART, il libro svela come ogni esposizione nasca da un lavoro condiviso, spesso invisibile, che unisce competenze artigianali, conoscenza storica, ricerca tecnologica e cura dell’opera. Ciò che solitamente resta dietro le quinte appare qui come un vero e proprio laboratorio di pensiero e di azione, in cui la protezione e la valorizzazione delle opere si coniugano per rendere possibile l’incontro con il pubblico. Il mestiere invisibile di esporre arte si articola attraverso una serie di saggi e interviste che restituiscono la complessità di questo processo come pratica quotidiana, metodo, responsabilità. I saggi di Maurizio Torcellan, Luca Massimo Barbero e Veronica Rodenigo affiancano i dialoghi con professionisti che operano nelle istituzioni e nei cantieri dell’arte: Alessandro Pedron, Massimo Alvisi, Maurizio Milan, David Landau, Annabelle Selldorf, Michele Coppola e Karole Vail. Il volume racconta questi interventi come luoghi d’incontro tra visione artistica e competenza tecnica, e invita così a riconoscere il valore di queste professionalità “silenziose”, fondamentali per trasformare ogni esposizione in un’esperienza di senso, incontro e memoria.

Un’opera intrisa di storia, segnata dal tempo e dagli interventi dei restauratori: la Pietà di Giovanni Bellini, custodita al Museo della Città di Rimini “Luigi Tonini”, rivive oggi sotto una nuova luce grazie a un restauro meticoloso che ne restituisce la bellezza originaria. Un’attenta pulitura della superficie pittorica, la rimozione di vernici ingiallite e il delicato reintegro dei dettagli hanno permesso alla pennellata del maestro veneziano di emergere nella sua completezza cromatica e compositiva. Ogni fessurazione, ogni traccia del passato è stata rispettata, trasformandosi in un filo narrativo che racconta la complessa vicenda conservativa dell’opera, dal delicato trasporto del 1969 agli interventi del Novecento. Il volume ripercorre la storia della Pietà attraverso i contributi di Peter Humfrey, Giovanni Sassu, Giulio Zavatta e Sara Masinelli, fino ad arrivare agli approfondimenti tecnici sul restauro condotto da Lucia Tito, che documentano ogni fase con precisione scientifica e sensibilità artistica, offrendo documentazione fotografica del prima e del dopo restauro. Il progetto rappresenta la testimonianza di un’iniziativa che esprime una visione condivisa di tutela e promozione del patrimonio culturale veneziano, capace di generare nuove prospettive di conoscenza, fruizione e diffusione dell’arte italiana nel mondo. Si tratta di un’azione sinergica tra pubblico e privato, frutto della collaborazione tra il Museo della Città di Rimini “Luigi Tonini”, la Direzione regionale Musei nazionali Veneto – tramite la Galleria Giorgio Franchetti alla Ca’ d’Oro – e Venetian Heritage. Una guida completa che unisce arte, scienza e storia, permettendo al lettore di comprendere quanto sia preziosa la cura del nostro patrimonio culturale.

Un’opera intrisa di storia, segnata dal tempo e dagli interventi dei restauratori: la Pietà di Giovanni Bellini, custodita al Museo della Città di Rimini “Luigi Tonini”, rivive oggi sotto una nuova luce grazie a un restauro meticoloso che ne restituisce la bellezza originaria. Un’attenta pulitura della superficie pittorica, la rimozione di vernici ingiallite e il delicato reintegro dei dettagli hanno permesso alla pennellata del maestro veneziano di emergere nella sua completezza cromatica e compositiva. Ogni fessurazione, ogni traccia del passato è stata rispettata, trasformandosi in un filo narrativo che racconta la complessa vicenda conservativa dell’opera, dal delicato trasporto del 1969 agli interventi del Novecento. Il volume ripercorre la storia della Pietà attraverso i contributi di Peter Humfrey, Giovanni Sassu, Giulio Zavatta e Sara Masinelli, fino ad arrivare agli approfondimenti tecnici sul restauro condotto da Lucia Tito, che documentano ogni fase con precisione scientifica e sensibilità artistica, offrendo documentazione fotografica del prima e del dopo restauro. Il progetto rappresenta la testimonianza di un’iniziativa che esprime una visione condivisa di tutela e promozione del patrimonio culturale veneziano, capace di generare nuove prospettive di conoscenza, fruizione e diffusione dell’arte italiana nel mondo. Si tratta di un’azione sinergica tra pubblico e privato, frutto della collaborazione tra il Museo della Città di Rimini “Luigi Tonini”, la Direzione regionale Musei nazionali Veneto – tramite la Galleria Giorgio Franchetti alla Ca’ d’Oro – e Venetian Heritage. Una guida completa che unisce arte, scienza e storia, permettendo al lettore di comprendere quanto sia preziosa la cura del nostro patrimonio culturale.

It’s Snowing! racconta la neve come potente motore di creatività, stile e trasformazione. La montagna e gli sport invernali, dal Novecento a oggi, hanno intrecciato un dialogo continuo con arte, moda, design, cinema e fotografia, raccontando l’evoluzione del gusto e l’estetica del vivere l’inverno: dalle eleganze di Cortina, St. Moritz, Gstaad e Aspen ai manifesti turistici di grandi maestri della grafica, dalla sciatrice di Tamara de Lempicka ai decori di Gio Ponti, fino ai Moon Boot e alla dimensione spettacolare dei Giochi Olimpici e Paralimpici invernali. Con oltre 600 immagini, It’s Snowing! invita a scoprire l’anima creativa dell’inverno, dove la neve diventa protagonista di un racconto che unisce memoria e futuro.

It’s Snowing! racconta la neve come potente motore di creatività, stile e trasformazione. La montagna e gli sport invernali, dal Novecento a oggi, hanno intrecciato un dialogo continuo con arte, moda, design, cinema e fotografia, raccontando l’evoluzione del gusto e l’estetica del vivere l’inverno: dalle eleganze di Cortina, St. Moritz, Gstaad e Aspen ai manifesti turistici di grandi maestri della grafica, dalla sciatrice di Tamara de Lempicka ai decori di Gio Ponti, fino ai Moon Boot e alla dimensione spettacolare dei Giochi Olimpici e Paralimpici invernali. Con oltre 600 immagini, It’s Snowing! invita a scoprire l’anima creativa dell’inverno, dove la neve diventa protagonista di un racconto che unisce memoria e futuro.

Yuko Mohri (Kanagawa, Giappone, 1980; vive e lavora a Tokyo) è una delle voci odierne più incisive e radicali operanti all’intersezione tra arti visive e ricerca sonora. Con uno sguardo all’eredità del movimento Fluxus degli anni sessanta e alla musica d’avanguardia, le sue installazioni incorporano strumenti musicali che registrano l’impercettibile movimento di forze invisibili, convertendolo in correnti elettriche che a loro volta generano composizioni sonore imprevedibili. La monografia esplora la ricerca artistica di Mohri, riunendo un gruppo di critici e studiosi internazionali che hanno seguito da vicino il suo percorso. Il volume include un testo di Ryo Sawayama che offre una panoramica sull’opera di Mohri, un saggio di Martin Clark e un contributo di Diego Sileo ispirato alla serie Moré Moré. Inoltre, presenta una selezione di scritti della stessa Mohri, che offrono uno sguardo personale sul suo rapporto con la musica. Una conversazione dell’artista con i curatori Fiammetta Griccioli e Vicente Todolí approfondisce il progetto espositivo presso Pirelli HangarBicocca. Le opere in mostra sono documentate attraverso un’ampia sequenza di immagini delle installazioni e dettagliati approfondimenti testuali che svelano le numerose connessioni che si intrecciano nella pratica artistica di Mohri, delineando un linguaggio in continua evoluzione.

Noah Kaplan è l’ultimo terrestre rimasto vivo dopo l’esplosione del pianeta Terra. Per passare il tempo sull’astronave aliena che l’ha raccolto, e forse per non diventare pazzo, decide di scrivere un diario/enciclopedia – The Last Book: una raccolta sorprendente, ironica e irriverente di tutto ciò che ha reso la nostra specie… unica. Senza ordine e senza censure, il meglio e il peggio dell’umanità: dal Jazz a Eminem; da Cappuccetto Rosso agli Assirobabilonesi; dalle sfilate di moda ai compleanni; dall’Ebraismo al Pastafarianesimo passando per le case a graticcio, Bollywood, l’impiattamento, la palestra, i tramonti… e così via in un crescendo apparentemente senza filo logico, ma in realtà con l’intento preciso di raccontare la nostra società, con un pizzico di cinismo e la consapevolezza che l’umanità è stata tanto geniale quanto ridicola. Dopo The Book, il collettivo Hungry Minds torna con un progetto ancora più graffiante: illustrazioni e testi folgoranti in libro che non celebra soltanto chi siamo stati e chi siamo, ma ci prende anche un po’ in giro. Un libro unico, che è al tempo stesso diario intimo, enciclopedia universale e testimonianza poetica della nostra specie.

Paolo Di Paolo (1925-2023) e stato uno straordinario cantore dell’Italia tra gli anni cinquanta e sessanta, e ha saputo raccontare con delicatezza, rigore e sapienza il paese che rinasceva dalle ceneri della Seconda guerra mondiale. È stato il fotografo piu amato de Il Mondo di Mario Pannunzio, dove in 14 anni ha pubblicato 573 foto, e collaboratore tra i più assidui del settimanale Tempo, con reportage irripetibili dall’Italia e dal mondo. Ha ritratto divi del cinema, scrittori, artisti, esponenti dell’alta società, intellettuali e gente comune. Ha percorso le coste italiane con Pier Paolo Pasolini raccontando le vacanze degli italiani. Le sue foto, riscoperte casualmente dalla figlia dopo più di cinquant’anni di oblio, rappresentano in maniera esemplare una delle stagioni piu brillanti e mitiche del nostro paese, quella del boom economico, delle grandi produzioni cinematografiche, della società in continuo mutamento. Oggi, nel centenario della nascita del padre, Silvia Di Paolo ha rivisitato il suo archivio e, insieme a Giovanna Calvenzi, propone un nuovo sguardo sul suo sorprendente lavoro, attraverso più di 300 immagini che danno conto di una carriera sorprendente e quasi sconosciuta.