Silvana

Un viaggio tra alcuni capolavori dell’Espressionismo italiano della Collezione storica Giuseppe Iannaccone. Opere vibranti che raccontano, tra le due guerre, una realtà inquieta e turbolenta: corpi sbilanciati, sguardi intensi, una pittura che resiste al potere, indaga il quotidiano, riapre ferite e infrange l’ordine stabilito. Immagini che trattengono l’invisibile, le crepe dell’animo, le dissonanze della vita, e che oggi trovano nuove risonanze nella ricerca contemporanea di Norberto Spina.

Il volume riunisce le opere realizzate nell’ultimo decennio dall’artista romano Piero Pizzi Cannella. Le sue opere sono immediatamente riconoscibili: abiti, lampadari, ventagli, anfore e sagome architettoniche fluttuano su un fondo materico e vuoto. Non si tratta di oggetti di scena o simboli da decifrare, ma di echi, resti ossessionanti della forma umana e degli spazi che un tempo occupava. Attraverso una ripetizione assorta e una sottile variazione, questi motivi si evolvono nel tempo, diventando contenitori di memoria, desiderio e trasformazione. I dipinti di Pizzi Cannella parlano della tensione tra presenza e assenza, amore e ossessione, visibilità e scomparsa. Che sia attraverso l’antica forma dell’anfora o il profilo immaginario di una cattedrale, i suoi dipinti non offrono un significato fisso. Sono invece un invito a indugiare nel mistero, a sedersi in silenzio e a sentire il battito della storia che si muove attraverso la pittura.

Il volume presenta le ultime opere, intense e simboliche, di Ivo Bisignano, artista siciliano e visionario. Un viaggio tra materia e spirito, memoria e trasformazione, che celebra l’arte come atto d’amore eterno e rappresenta la testimonianza del suo lascito poetico.

Il volume presenta gli esiti delle ricognizioni su d’Annunzio e i teatri all’aperto svolte nel progetto PRIN PNRR 2022 Open Air Theatres in Italy (OATI) dall’unità di ricerca dell’Università degli Studi di Napoli Federico II. I contributi raccolti illustrano – per la prima volta, in modo completo ed esaustivo – la nascita e lo sviluppo dell’estetica teatrale dannunziana en plein air. Si tratta di un progetto di rinnovamento artistico, a tratti utopico, che ha accompagnato il Poeta per tutta la vita e che ha avuto interlocutori importanti quali Francesco Paolo Michetti, Mariano Fortuny y Madrazo, Eleonora Duse e Gian Carlo Maroni. Gli studiosi hanno anche considerato una geografia di luoghi che scandiscono le tappe di questo cammino: l’Abruzzo, Roma, Albano Laziale, Fiesole, Verona, Venezia, Asolo e, naturalmente, il Vittoriale.

Paul Klee, Pablo Picasso, Marc Chagall, Osvaldo Licini, Fausto Melotti e Gastone Novelli sono i protagonisti di un affascinante racconto che attraverso le immagini indaga fuori dai confini della realtà. Questi, e altri ancora, sono artisti accomunati da un unico sentire, ossia dal desiderio di sondare un mondo parallelo e di dare forma all’interiorità dell’uomo, addentrandosi in “una foresta di simboli”, come ricorda Baudelaire. La prima guerra mondiale e le trasformazioni della società moderna li inducono a infrangere le regole imposte dalla razionalità, per riscoprire una dimensione spirituale e liberatoria rispetto alla realtà. Interpretando un contesto che vive tempi incerti e contraddittori, prendono così vita forme d’arte più soggettive e simboliche.

Il volume ripercorre la partecipazione di Libero Andreotti (Pescia, 1875 – Firenze, 1933) alla Esposizione d’Arte Decorativa Italiana, tenutasi nel 1920 alla Liljevalchs Konsthall di Stoccolma. Frutto di una collaborazione tra comitati italiani e svedesi, e curata dal pittore e decoratore Guido Balsamo Stella, da sua moglie, la pittrice svedese Anna Åkerdahl, e dall’artista svedese Edward Hald, l’Esposizione mise in luce il meglio delle arti applicate italiane: dai vetri ai tessuti, dalle ceramiche ai giocattoli, valorizzando l’artigianato e le tradizioni regionali. Nella Sala 8, l’unica dedicata a un singolo artista, Andreotti espose sculture in bronzo e arredi da lui progettati, affermandosi come protagonista di un momento chiave nel confronto fra tradizione e modernità.

Sacerdote, pittore, musicista, mercante di quadri, instancabile viaggiatore: Evaristo Baschenis (Bergamo 1617-1677) è stato uno dei più importanti autori di nature morte del suo tempo. Inventore della natura morta di soggetto musicale, capace di suscitare l’interesse tanto degli appassionati di pittura quanto di quelli del mondo musicale, ha ottenuto importanti riconoscimenti sia a Bergamo che nelle più importanti capitali artistiche italiane del XVII secolo: Milano, Venezia, Torino, Firenze, Roma. Il segreto del suo successo, sia nelle composizioni musicali che nelle cosiddette Cucine, consiste nella capacità di restituire con straordinaria fedeltà al vero e assoluta padronanza delle tecniche prospettiche sia gli strumenti della celebre tradizione liutaria italiana (Amati, Stradivari, Antegnati, Sellas) sia le cibarie e le suppellettili dell’arte culinaria lombarda. Le sue invenzioni, sprofondate nel silenzio e illuminate da una luce di qualità teatrale, sono una malinconica meditazione sul tempo, sulla precarietà dell’esistenza, sulla fine inevitabile di ogni cosa.

Il volume analizza la produzione grafica del grande scultore lombardo Francesco Somaini (1926-2005) attraverso la presentazione di un’ampia, significativa selezione di “inchiostri dilavati”, tratti dalla serie dell’Etna magico, avviata nel 1999. L’artista ha posto mano a questo imponente gruppo di fogli “strepitosi, d’immaginazione cosmogonica” suggestionato dalle immagini della spettacolare eruzione del vulcano, più volte asceso nel corso della sua vita, realizzate per i telegiornali della Rai da Giovanni Tomarchio, e dalla lettura di Catasto magico di Maria Corti, un testo che offre un vasto repertorio di miti e leggende a esso collegati, edito da Einaudi proprio in quell’anno. Occasioni che hanno contribuito al formarsi di quell’humus emozionale-creativo che ha sempre mosso l’attività di Somaini, conducendolo all’esecuzione di un’opera assolutamente originale.

Negli anni Marcello Maloberti (Codogno, 1966) ha approfondito il binomio arte/vita utilizzando una coralità di linguaggi sia visivi che sonori – fotografia, video, performance, installazione, oggetti e collage – sempre attraversati e potenziati da una forte performatività e dall’interazione con il pubblico. La sua ricerca va oltre l’immediatezza della dimensione quotidiana, con uno sguardo neorealista straniante e onirico, combinato a un approccio archeologico alla storia dell’arte. Metal panic è pensato come un libro d’artista, che raccoglie e intreccia tutti i temi fondanti dell’opera di Maloberti - l’elevazione della parola scritta nella sua dimensione poetica, la sacralità del quotidiano, l’attenzione ai cambiamenti e alle trasformazioni del paesaggio urbano - attraverso un nucleo di lavori degli anni Novanta, opere più recenti e produzioni inedite.

Il volume offre un’occasione preziosa per riscoprire la forza della scultura contemporanea attraverso il lavoro di uno dei suoi più grandi maestri, Giuliano Vangi, che nella città di Cantù ha lasciato un profondo segno, avendo insegnato dal 1963 al 1969 presso l’allora Istituto Statale d’Arte. Nelle seguenti pagine si intende raccontare l’eredità pedagogica e artistica che Vangi ha trasmesso ai suoi studenti e, più ampiamente, al territorio. I contributi e le testimonianze qui presentate documentano anche come Vangi abbia saputo applicare una metodologia didattica innovativa, in sintonia con le coeve tendenze artistiche, seminando un patrimonio umano e culturale ancora tangibile.

"Ogni progetto di Austin Young è affollato di dettagli che aiutano a non osservare alla cieca ma a ritrovare nella memoria quelle immagini che consentono di ricostruire il tutto. I dettagli agiscono da trasmissione del sapere, insistono sulle cose che si possono percepire per arrivare poi al sapere. [...] In questa costruzione, il gusto dell’eccesso si traduce nell’abbondanza dei dettagli, nell’illusione ottica, nel movimento e nell’ambiguità con incedere quasi barocco capace di oscillare tra il Naturalismo di Rubens e il Realismo monumentale di Caravaggio." (Claudia Gioia)

Yoktunuz (Eravate assenti) di Ahmet Güneştekin è un corpus di opere volto al recupero della memoria e della storia dimenticata e negata delle civiltà anatoliche, della Mesopotamia e del Mediterraneo, dai cui miti e leggende l’artista trae ispirazione. Un progetto curatoriale inedito, costruito sul dialogo con i capolavori della Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma, in un viaggio di forti emozioni alla scoperta di potenti iconografie che fondano la loro esistenza su epoche e culture remote, assieme a temi di portata universale come l’esodo, le migrazioni, i confini, il senso di comunità e il sincretismo culturale e religioso.