Vanillaedizioni

Nato nel '71 a Kaman, una cittadina dell'Anatolia Centrale, Kocyigit è cresciuto durante il terzo golpe militare, uno dei periodi più bui della cronaca recente. Come lui stesso afferma, "la mia adolescenza non è stata segnata dalla divertente scelta dei capelli all'ultima moda o dalla gara alla più improponibile imbottitura sulle spalle", al contrario, gli anni '80 hanno simboleggiato il bisogno di trovare una propria identità e di comprendere, quanto possibile, la controversa realtà culturale di cui era testimone. "Noi volevamo la libertà" continua l'artista, "ma non sapevamo cosa questa significasse veramente, c'è voluto molto tempo per capirlo e, se ci sono riuscito, lo devo sicuramente all'arte". L'arte diventa dunque per Kocyigit la "parola" con la quale esprimersi liberamente, lo strumento col quale raccontare le fratture della propria generazione, il senso di sradicamento e la sempre più evidente consapevolezza di una realtà vulnerabile e precaria. Servet Kocyigit cattura la memoria collettiva, per poi restituirla in una nuova dimensione metaforica, dove trionfa il labile equilibrio fra percezione (intesa nella sua connotazione sensoriale ed emozionale) e concezione...

I lavori di Pan ormai si muovono al di fuori di ogni figurativismo, anche se il cosmo, nel senso più ampio, costituisce ancora un punto di riferimento reale. I sogni cromatici di Pan non rimandano a una realtà, sono concreti, astratti e spirituali, così come il colore nella sua materialità e nella sua spiritualità. Pan è arrivato nel giardino dell'Eden. A proposito del suo lavoro, Robert Pan dice di essere in realtà uno scultore, non un pittore. Da ciò anche il desiderio di occupare lo spazio in modo fondamentalmente diverso. Nell'opera di Pan l'ignoto è un obiettivo del lavoro. La sua attenzione è rivolta al processo di ricerca dell'immagine, che viene guidato dalla forza plasmante dell'artista e dall'utilizzo del materiale. Il procedimento artistico non è spontaneo, ma intuitivo. Ciò che gli interessa è un far nascere meditato. Egli affronta il lavoro in modo pensoso, lasciando andare liberamente la sua fantasia creativa...

"Il vuoto non è necessariamente assenza, mancanza, aspettativa disattesa, quanto piuttosto spazio latente, entità a sé stante, terreno fertile per operazioni artistiche. [...] Il vuoto assume un significato rilevante anche per Aqua Aura, autore della serie Void (2013-2014), presentata in anteprima alla Galleria Kajaste di Oulu, nel cuore della Finlandia. Esposte a partire dal 2010 nell'ambito di mostre personali e collettive, le sue opere sono frutto di un decennio di ricerca e di esplorazione, a partire da un approccio professionale al reportage di viaggio. Da quelle fotografie nascono, pressoché inconsapevolmente, i primi Frozen Frames: sovrapposizioni e fusioni di immagini. Il baricentro si sposa verso territori onirici, mentre la mendacità della scena, in un primo momento plausibile, diviene evidente attraverso l'introduzione di corpi dichiaratamente estranei. Limite massimo che spinge l'artista a ripensare totalmente il ruolo del paesaggio nell'economia del suo lavoro. A partire dal ciclo Void, infatti, l'ambiente non è più protagonista, ma elemento secondario, inserito in composizioni silenziose, quasi mistiche, dominate dalla geometria." (Chiara Serri)

"'Attraverso uno specchio oscuro' le immagini tormentate di Giorgio Bormida ti sommergono nel profondo, nel tempo profondo pieno di bellezza e di ansia. Come la discesa di Dante agli inferi che è insieme familiare e lontana. Un sotterraneo veneziano, un grido senza testimoni, luce e oscurità, passato e presente, pietra e carne... Come nei cimiteri paludosi di New Orleans in decomposizione con lapidi parzialmente sommerse, sangue essiccato e frangipani, come dare un bacio di addio a un bambino imbalsamato, fiori appassiti e legno di sandalo, grottesco e bello insieme... Un rapimento di energia intrappolata, l'urlo silenzioso, colui che è inosservato, osserva... Avvolto nel silenzio, raggiungendo le ombre delle nostre anime." (Barbara Steele)

Catalogo illustrato della mostra "America anni 80: Donald Baechler, Ross Bleckner, James Brown, Peter Shuyff, Philip Taaffe", Galleria de' Bonis, V.le dei Mille 44/B, Reggio Emilia, 30 novembre 2013 - 19 gennaio 2014.

Sofia Ruiz Ugalde, giovane artista Costaricana dal percorso internazionale, dopo essere stata selezionata per svariati premi e residenze tra l'America Latina e gli Stati Uniti e dopo aver preso parte a importanti progetti dal The Mosan Art Museum nella Corea del Sud al Palais de Tokyo a Parigi, presenta nella sua prima personale italiana un'importante ricapitolazione della sua ricerca, improntata sul sottile e labile confine tra reale e irreale. La mostra, infatti, è composta da una serie di ritratti di bambini reali in contesti irreali, rappresentando i vari soggetti in modo al contempo tenero e disturbante, velati di un'atmosfera lievemente angosciosa.

"Panoramas & People", mostra a cura di Patrizia Bottallo, 27 ottobre - 24 novembre 2012, - Martini Arte Internazionale, sede espositiva - via T. Lanza 31, 10095 Grugliasco (TO). Il tema della mostra manifesta quasi una responsabilità sociale, che ha come intento quello di raccontare uno spaccato contemporaneo di ciò che stiamo vivendo, un percorso che indaga sul tema dell'uomo e degli ambienti che abita e che lo circondano. Per avere una visuale più completa su questo tema ho interrogato molti artisti che provengono da luoghi e ambienti diversi tra loro, ma data la ricchezza dell'offerta artistica internazionale e le molteplici possibilità di interpretazione che questo tema avrebbe stimolato sugli artisti, ho sentito la necessità di restringere il campo invitando solo dodici "voci", pur sapendo che avrei restituito una visione parziale al pubblico. Le opere presentate restituiscono una visione particolare del caleidoscopio generale, un estratto di visioni personali, microcosmi capaci, però, di rendere l'idea dell'universalità che intendo raccontare.

Volume monografico dell'artista Ezio Ranaldi (Canosa di Puglia, 1958), conosciuto per saper coniugare staticità e dinamicità con una variegata policromia che mette in risalto i personaggi (quasi sempre femminili) e i suoi paesaggi onirici, spazi irreali e ambienti geometrici descritti dalla tridimensionalità volumetrica delle forme.

"Mario Sughi ferma le immagini degli uomini e delle donne negli istanti di massima interiorità, nel contatto con se stessi. In un senso di smarrimento che è in vero un momento di grande realtà. Questo aspetto dell'uomo è commovente, toccante pur nella freddezza della rappresentazione. Per Mario Sughi non si tratta di fare una critica sociale, non ha nessuna intenzione di demonizzare il nostro vivere contemporaneo. L'artista ha l'occhio per cogliere quei momenti di estraniazione dal mondo e di concentrazione in sé. E proprio qui ritorna la frase di Heidegger a ricordarci che è quel sé, nella sua verità, che crea il tempo e non il contrario. Raramente gli artisti hanno la capacità di farci vedere uno spaccato di contemporaneità e darci al tempo stesso una specie di risoluzione, di pensiero felice. Ma a mio avviso Mario Sughi lo fa e desidero che la forza della sua poetica si percepisca appieno. Il suo è oltretutto un linguaggio perfetto per dialogare con le giovani generazioni e con i giovani collezionisti poiché apre un dialogo con la Pop Art inglese rifondandone alcuni statuti attraverso il ricorso alle strategie linguistiche del fumetto, dell'affiche e dell'illustrazione." (dall'introduzione di Yvonne Pugliese)

"Round the Clock" è un progetto che pone in dialogo arte ed ecosistemi sostenibili attraverso un'esposizione corale realizzata da artisti internazionali che, mediante la forza energetica e indagatrice delle loro opere, allacciano percorsi e attraversano tentativi. L'esposizione ha un andamento circolare che comprende titolo e linguaggi mentre il lavoro è la parte finale di uno svolgimento complesso che attua una convergenza che avviene mediante l'analisi di un'idea forte realizzata con materiali comuni.

Le architetture sono mondi ostinati, con cieli propri e tetti e fondazioni che recingono e così facendo compiono un'azione di chiusura all'opera della natura selvaggia e al tempo delle stagioni. Ci fu un tempo in cui gli uomini resero sacro questo spazio recintato e credettero che la fondazione di un edificio fosse un atto di fede dal carattere religioso e dunque eterno. Oggi che le religioni sono diventate fragili crisalidi e il sacro e i riti del costruire sono forse solo un ricordo, permane comunque la verità del dettato di Heidegger secondo cui l'abitare è il modo in cui i mortali sono sulla terra. Daniela Gullotta da sempre rappresenta architettura, apparentemente disertata da chi l'ha vissuta o agita. La pittrice riveste di potente significato organismi vetusti immersi in vorticosi Maelstrom temporali: sacrari cimiteriali, antichi edifici simboli della civiltà occidentale, stabilimenti industriali, capannoni di una recente storia manifatturiera neanche tanto "proto", conformati in modo da diventare imbuti luminosi, densi di materia pesante e pensante e ricchi di luce leggera e quasi marina, quella dell'alba del mondo.