Humboldt Books: Artist's travel

Gerusalemme non è solo una città: è un’idea. Per millenni è stata visitata da persone di ogni credo e classe sociale desiderose di confrontarsi con la sua sacralità, che hanno scatenato violente periodiche battaglie per il suo controllo, innescando così la necessità di portare l’idea di Gerusalemme in luoghi lontani dai suoi confini fisici. "Analogous Jerusalem" è un viaggio fotografico durato cinque anni, che indaga la presenza di questi santuari ‘analoghi’ in diversi paesaggi, rappresentando di volta in volta la topografia ricorrente del pellegrinaggio con elementi che appartengono a categorie che si escludono a vicenda: il sacro e il profano. Un saggio diviso in tre parti esplora il trasferimento dei siti sacri da Gerusalemme all’Europa, i riti di pellegrinaggio virtuale diffusi tra le suore medievali e la storia dei viaggi fotografici. Insieme, le immagini e il testo compongono un diario di viaggio attraverso luoghi che finiscono per essere più ‘reali’ di Gerusalemme stessa.

In occasione dei centocinquant’anni dalla nascita di Jože Plečnik (1872–1957), figura chiave del movimento Moderno in architettura e autore di numerosi edifici e monumenti per la città di Lubiana, nel 2022 Luca Lo Pinto e Olaf Nicolai hanno curato una mostra dal titolo I Am Only the Housekeeper, but I Don’t Know… nella dimora dell’architetto sloveno. La pubblicazione ripercorre le scelte dei curatori, che hanno invitato venticinque artisti sloveni e stranieri a entrare nella Plečnik House attraverso le loro opere per commemorare l’opera dell’architetto, e collocarne la lettura in un contesto più attuale. Prendendo spunto da una falsa lettera attribuita a Urška, ipotetica governante di Plečnik, la mostra disegna nuove prospettive all’interno della casa e crea la possibilità che “le cose possano essere in un certo modo, ma che possano anche essere differenti”, come si legge nella lettera di Urška.

A War Play è una simulazione, o meglio, una simulazione di una simulazione che invita a riflettere sulla rappresentazione della guerra e sulla veridicità della sua narrazione. A War Play è un progetto di Giulio Squillacciotti che indaga la rappresentazione della guerra e la sua messa in scena. Il progetto nasce da un’immagine stereoscopica del pittore Giuseppe Augusto Levis (1879-1926), che appartiene a una serie di opere dedicate alla raffigurazione storica della Prima guerra mondiale. Levis costruì dei tableaux vivants utilizzando i contadini della zona (Piemonte), scritturati per l’occasione. Squillacciotti lavora sulla ri-temporalizzazione dell’opera nel contesto contemporaneo, aggiungendo ulteriori stratificazioni alla messa in scena. Il volume ripercorre il progetto in chiave teorico-narrativa, raccogliendo i contributi dei curatori, ARTECO e CRIPTA747, e dei ricercatori Vittoria Martini e Kamil Dalkir che si interrogano su quanto la costruzione visiva possa influenzare la percezione e l’interpretazione dello spettatore, anticipando e, talvolta, sovvertendo la veridicità della narrazione.

La nuova edizione di Campo di Marte di Nathalie Du Pasquier si arricchisce di sedici composizioni aggiuntive, che ampliano e integrano la selezione originale della prima edizione. Campo di Marte è stato ideato nel marzo del 2020, un periodo durante il quale Nathalie Du Pasquier non dipingeva. Ritagliando foto di quadri realizzati tra gli anni Ottanta e il 2020, l’artista francese le installa in una sequenza come se fossero dei caratteri tipografici, tenendo conto unicamente delle loro qualità formali e delle diverse possibilità di lettura offerte dagli accostamenti. Ne viene fuori un incantevole gioco di nonsense, un surrealismo quotidiano dove le immagini formano delle specie di frasi, intrecciandosi con vere parole pescate dal mondo dei libri: titoli, poesie, semplici calcoli – occasioni in cui all’artista mancavano le parole. Campo di Marte è stato pubblicato in occasione dell’omonima mostra a cura di Luca Lo Pinto tenutasi al MACRO di Roma nel 2021

Nella notte del 4 dicembre 2014, nel cuore del Sulcis Iglesiente, si svolge l’azione dell’artista Giorgio Andreotta Calò che coinvolge una decina di minatori in un cammino rituale dal tramonto all’alba. Partendo dalle viscere dell’impianto estrattivo di Nuraxi Figus, i minatori si dirigono verso Punta Trettu, dove un gruppo di pescatori li attende per traghettarli sull’isola di Sant’Antioco. Qui una barca si consuma tra le fiamme. La comunità si raduna attorno ai riflessi del fuoco e assiste alla metamorfosi della materia in cenere e carbone. È la notte di Santa Barbara, protettrice dei minatori, e il Sulcis è alle soglie di una svolta storica: dopo oltre un secolo di attività è annunciata la chiusura delle miniere. Tra dimostrazione politica e rituale pagano, in girum imus nocte è stato più di un semplice rito collettivo. Questo libro, a dieci anni dallo svolgersi dell’azione, ne riflette gli aspetti poetici, politici e antropologici tracciando un percorso circolare che resiste a una prospettiva di fine definitiva.

Partendo dal manifesto scritto nel 1968, Casa ideale restituisce l'estensione poetica dell'opera di Pier Paolo Calzolari: testo programmatico divenuto veicolo di una serie di idee che hanno fornito la direzione della pratica dell'artista, delineando nettamente le sue intenzioni ed evocando molteplici possibilità interpretative. Pubblicato in occasione della mostra omonima al NMNM – Nouveau Musée National de Monaco, il volume offre una prospettiva di ampio respiro sulla sua ricerca, ripercorrendo i momenti significativi di una carriera che ha toccato le coordinate dell'Arte Povera così come quella concettuale. Attraverso la riproduzione di opere e performance storiche, una nuova serie di disegni inediti e una raccolta di testi commissionati per l'occasione, il libro rappresenta una rara opportunità di scoprire il mondo di Pier Paolo Calzolari, noto per i suoi approcci non convenzionali alle diverse discipline delle arti visive. Tramite la costruzione di un processo di astrazione metafisica, Calzolari ha costruito un'opera plurale, in grado di coniugare linguaggi formali diversi e di disporre un passaggio tra la dimensione fisica e quella estetica.

Pubblicato con Fondazione ICA Milano, Ministry of Loneliness riproduce e amplia la ricerca che Rebecca Moccia ha presentato in occasione della mostra omonima. Partendo dall'esplorazione del Ministero della Solitudine - istituito nel 2018 in Regno Unito e replicato nel 2021 in altri Paesi come Canada e Giappone - il lavoro dell'artista sviluppa una riflessione sulle strutture politiche e sociali che plasmano lo stato emotivo della solitudine e la sua percezione nella società contemporanea. Nel progetto, che nasce da un viaggio di ricerca tra Italia, Stati Uniti, Giappone e Regno Unito, l'ombra fantasmatica e pervasiva dell'isolamento che permea le società occidentali prende forma in un'indagine stratificata estendendosi alle radici che la innescano: dall'avanzamento dell'ordine tecno-scientifico della vita moderna all'ascesa del capitalismo liberale. Il volume riproduce, nella sua interezza, la raccolta di appunti che ha costituito la base del progetto di Moccia - un collage digitale dai tratti diaristici, formato da testi, immagini, report e riflessioni su diverse tipologie di documenti. I testi critici di Chiara Nuzzi - curatrice della mostra - e Vincenzo Estremo ampliano a livello teorico il lavoro di Rebecca Moccia, facendo emergere come tra solitudine e individualizzazione sussista un rapporto dialettico indissolubilmente legato ai modi di produzione nel tardo-capitalismo.

"Carmelo Bene. Là dove muore, canta" nasce dal confronto dell’artista Rä di Martino con la memoria di Carmelo Bene (1937-2002), attraverso il suo archivio. Un patrimonio documentario composto da video, audio, fotografie, manoscritti e circa seimila volumi della sua biblioteca personale da cui l’artista romana parte per sviluppare un ciclo di opere che rimettono in gioco la figura e l’opera di Bene. Rä di Martino entra nella fantasmatica biblioteca dell'attore e drammaturgo, libri con i quali egli aveva un confronto osmotico, chiosandone, da lettore ossessivo, le pagine.Con sequenze fotografiche frontali l’artista ne fissa le pagine più frequentate, segnate da glosse e post-it. Apre le agende dell’attore con gli scritti di suo pugno per un'opera su Dracula rimasta incompleta che l’artista sceglie di fotografare interamente. Completano il volume un testo introduttivo di Brizia Minerva e un testo critico di Chiara Valerio.

Gli artisti del camminare Hamish Fulton e Michael Höpfner si scambiano esperienze e riflessioni sul cammino come pratica artistica autonoma e l'incontro con il Tibet. Da oltre venticinque anni gli artisti Hamish Fulton e Michael Höpfner condividono idee e riflessioni sull'arte e sul camminare come pratica artistica autonoma. Nel corso del tempo si sono scambiati svariate e-mail, lettere e cartoline dai luoghi delle loro escursioni, mantenendo aperto e vivo il dialogo nonostante le grandi distanze. Nel 2015, lavorando insieme a una mostra al Museo MAN di Nuoro, gli è venuta l'idea di raccogliere in forma epistolare i pensieri che si sono scambiati sull'arte, sul paesaggio, sugli aspetti estetici e politici del camminare. Come suggerisce il titolo, From Here to Tibet ruota attorno alla profonda fascinazione che i due artisti hanno per il territorio e la cultura del popolo tibetano: per entrambi camminare e fare arte in Tibet si è rivelata un'esperienza che gli ha cambiato la vita e che ha in vario modo influenzato il loro percorso, il modo di pensare, la produzione artistica. Per il lettore, questa conversazione si snoda come una traccia e delinea il cammino come forma d'arte, cercando di collocarlo all'interno della storia dell'arte, soffermandosi sulle sue implicazioni sociali e politiche fino al tempo della pandemia.

La portata culturale della Commedia di Dante nei secoli ha travalicato una sfera prettamente letteraria arrivando a influenzare vari aspetti della società anche grazie a una vasta tradizione di trasposizioni visive. "Concerning Dante. Autonomous Cell" è un meta-progetto sul rapporto tra testo letterario e paesaggio e sulla forza evocativa della Divina Commedia che nei secoli ha modellato la percezione dei luoghi fino a connotarli come 'danteschi'. Jacopo Valentini ha indagato una serie di luoghi del Belpaese citati dal Sommo Poeta e, mettendoli in relazione con altri paesaggi e nature morte dotate del medesimo climax visivo, ha creato le analogie per una geografia dantesca. La narrazione visiva costruita da Valentini si snoda attorno a tre luoghi simbolici e a tre celebri illustrazioni del testo dantesco, intrecciando i Campi Flegrei, la Pietra di Bismantova e il Delta del Po - interpretati come i varchi che conducono a Inferno, Purgatorio e Paradiso - alle figurazioni di Federico Zuccari, Alberto Martini e Robert Rauschenberg.

A partire dagli anni Novanta, le insegne dipinte a mano in India – uno degli elementi che caratterizzano il paesaggio urbano del paese – iniziano a essere sostituite da supporti tecnologicamente più avanzati. Oggi sopravvivono in una cultura vernacolare ben distinta dalle produzioni digitali di massa. L’opera dei sign-painters rappresenta un itinerario visivo che attraversa i cambiamenti storico-economici della società indiana negli anni; dipinti che affiorano con forme e colori vivaci e che umanizzano l’estetica nitida di soggetti e oggetti del capitalismo globalizzato. Il libro restituisce una parte dell’archivio fotografico dell’artista Aradhana Seth: una moltitudine di disegni sulle saracinesche di negozi, porte, cartelli e muri di svariati luoghi di interesse e attività commerciali. Prodotte nell’arco degli ultimi decenni, le immagini sono suddivise in tre sezioni tematiche: commercio e servizi, cultura, natura e paesaggio. A completare la pubblicazione, le biografie di Raza Abbas, Praveen Chauan, Prashant Janardhan Dalvi e Shakeel, alcuni tra gli artisti autori dei dipinti fotografati; un testo critico della docente di cultura visiva Kajri Jain, che inquadra la cornice teorica entro cui leggere queste forme visive, e un testo autobiografico dell’artista Francesco Clemente.