Taschen: Basic Art

Scopriamo le scene di vita quotidiana e le delicate macchie di colore che hanno sconcertato gli ambienti artistici influenti. Questa introduzione all'impressionismo pubblicata da Taschen nella collana Basic Art esamina gli artisti, i temi e le tecniche che hanno portato per la prima volta il cavalletto fuori dallo studio spostando l'attenzione dalla ritrattistica e dai soggetti storico-religiosi all'evanescente fluire della vita moderna. In un viaggio attraverso i teatri, i bar e i parchi di Parigi e non solo, il libro esamina le radicali innovazioni apportate dal movimento sul piano tematico e stilistico, dal principio della pittura en plein air alle pennellate rapide e irregolari che permisero agli impressionisti di mettere in risalto la spontaneità, il movimento e le qualità cangianti della luce. Le riproduzioni offrono inoltre uno sguardo ravvicinato sulle insolite prospettive inedite ricercate dagli impressionisti e sull'originale tavolozza di colori puri e non miscelati cui facevano ricorso, come le numerose tonalità accese e vivaci che hanno impresso alle tele un'intensità cromatica senza precedenti. Pagina dopo pagina, riconoscerete i nomi più affermati dell'impressionismo, come Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot e Camille Pissarro, come pure molti altri artisti meritevoli di maggiore attenzione, tra cui Marie Bracquemond, Medardo Rosso e Fritz von Uhde.

L'impatto dell'opera di Joseph Mallord William Turner (1775–1851) è simile a quello che si proverebbe acquistando improvvisamente la vista. I suoi paesaggi terrestri e marini bruciano l'occhio con una luce e un colore tanto incantevoli e una forza tanto primordiale che sembra sia il sole stesso a proiettare i suoi raggi oltre la cornice. Noto a ragione come “il pittore di luce”, Turner realizzò stampe, acquerelli e oli per trasformare il paesaggio passando da calme scene contemplative a quadri che palpitano di vita. Pur legando indissolubilmente la propria opera al Tamigi e al mare, nel contesto storico della rivoluzione industriale l'artista inserì anche imbarcazioni, treni e altri segni di attività umana, così da contrapporre la spinta della civiltà alle forze della natura. Questo volume offre una panoramica del celebre e vasto repertorio di Turner per presentare un artista che ha saputo coniugare un genere tradizionale con un radicale modernismo. Nata nel 1985, la serie Basic Art è diventata la collezione di libri d'arte più venduta al mondo. Ogni libro della serie Basic Art di TASCHEN contiene: una cronologia dettagliata riassuntiva della vita e delle opere dell'artista, inserito nel contesto storico e culturale in cui è vissuto una biografia concisa circa 100 illustrazioni con didascalie esplicative

Acclamato come “il padre dei grattacieli”, l'icona statunitense per antonomasia Frank Lloyd Wright (1867–1959) era un architetto ambizioso. Convinto di dover offrire al raffinato stile di vita statunitense un equivalente architettonico adeguato, Wright rivolse il proprio idealismo a una serie di edifici sparsi in tutto il paese, da case di periferia a chiese, uffici e grattacieli, fino al celebre Museo Guggenheim. L'opera di Wright si distingue per la sua armonia con l'uomo e l'ambiente che la circonda, una filosofia che chiamò architettura organica e che trovò il proprio paradigma nella Casa sulla cascata, una villa nella campagna della Pennsylvania, definita dall'American Institute of Architects “la migliore opera architettonica americana di tutti i tempi”. Wright lasciò particolarmente il segno anche grazie all'utilizzo di materiali industriali e alla semplice pianta a L o a T delle sue case unifamiliari, che divennero un modello per l'architettura rurale in tutti gli Stati Uniti. Wright, inoltre, si occupò spesso degli elementi interni dei suoi edifici, come mobilia e vetrate colorate, prestando particolare attenzione all'equilibrio fra esigenze individuali e attività comunitarie. Indagando sulle ambizioni di Wright di migliorare la società statunitense attraverso l'architettura, questo volume offre una succinta introduzione alla sua risposta – al tempo stesso tecnologica e romantica – alle sfide pratiche che il ceto medio americano doveva affrontare.

Dall'imponente Sagrada Família alla scintillante facciata in ceramica della Casa Batlló e all'incantevole panorama del Parc Güell, è facile capire perché Antoni Gaudí (1852–1926) sia stato soprannominato “l'architetto di Dio”. Con forme fluide e precisione matematica, la sua opera celebra la meraviglia del creato: le colonne svettano come tronchi d'albero, i telai delle finestre si contorcono come rami in fiore, mentre le piastrellature di ceramica luccicano come la pelle di un rettile ricoperta di squame. Grazie a questa eccezionale attenzione ai dettagli naturali, ai modelli dell'estetica neo-gotica e orientalista nonché a una dedizione all'identità catalana coltivata per tutta la vita, Gaudí creò un tipo unico di modernismo che ha trasformato, e continua a definire, il paesaggio urbano di Barcellona. Questo volume, corredato di sette progetti di Gaudí inclusi nella lista dei siti Patrimonio Mondiale UNESCO, ci farà conoscere la fantasia sfrenata e la straordinaria eredità dell'architetto esaminando le influenze e i dettagli che permettono ai suoi edifici di risultare ancora sorprendenti, suggestivi e di grande effetto a un secolo dalla posa della prima pietra.

Alvar Aalto (1898–1976) ha lasciato un segno unico nel panorama modernista. Influenzato tanto dal paesaggio quanto dall'indipendenza politica della Finlandia, suo Paese natale, ha progettato edifici caldi, sinuosi, attenti all'uomo e completamente agli antipodi dei lavori patinati, meccanici e geometrici che caratterizzavano buona parte della pratica architettonica europea del periodo. Che si trattasse di una chiesa, una villa, una sauna o una biblioteca pubblica, le strutture organiche di Aalto tendevano a sostituire intonaco e acciaio con legno e mattoni, spesso includendo forme curve, simili a onde, che comparivano anche nelle sedie, nella cristalleria e nelle lampade che progettava. Sempre fedele al dettaglio, Aalto insisteva sull'umanità del proprio lavoro, sostenendo che “architettura moderna non significa utilizzare materiali nuovi e immaturi, bensì lavorare con i materiali esistenti in modo più umano”. Molti degli edifici pubblici progettati da Aalto, come il Municipio di Säynätsalo, l'auditorium del Politecnico di Otaniemi, l'Istituto nazionale di previdenza sociale e la Casa della Cultura di Helsinki, si possono considerare pietre miliari non soltanto fisiche ma anche psicologiche della ricostruzione in Finlandia dopo le devastazioni della guerra.

Jan van Eyck, uno dei primi veri maestri della pittura a olio, fu anche uno dei più importanti artisti rinascimentali del XV secolo. Gli sono state attribuite solo 25 opere, ma il suo realismo ha influenzato notevolmente i primi pittori olandesi. Esplora la vita di Jan van Eyck e le sue magistrali opere a olio in questa introduzione con copertina rigida.

Pur contando appena 35 opere note, la produzione di Johannes Vermeer (1632–1675) è acclamata come una delle più importanti e suggestive della storia dell'arte. I suoi dipinti hanno ispirato un best seller del New York Times, un film con Scarlett Johansson e numeri record di visitatori nei musei di Amsterdam e Washington. I soggetti di Vermeer sono intenti in attività domestiche quotidiane come scrivere una lettera, suonare uno strumento o preparare da mangiare. Le scene lasciano stupefatti per la meticolosità dei dettagli, la maestosità dei piani di luce e la straordinaria capacità di Vermeer di far emergere intrecci narrativi. In dipinti molto amati come Donna in piedi alla spinetta, Donna che scrive una lettera alla presenza della domestica e, soprattutto, l'enigmatica e affascinante Ragazza col turbante dagli occhi spalancati, Vermeer rievoca non solo gli effetti di materia e tessitura, ma anche le numerose storie e i segreti che si celano al di sotto della superficie. Corredata di riproduzioni di tutte le opere note di Vermeer così come di testi concisi e alla portata di tutti, questa introduzione fondamentale esamina il ruolo preminente di Vermeer nella storia dell'arte e la sua straordinaria capacità di trasformare la pittura a olio in scene di umanità dotate di vita propria. Nata nel 1985, la serie Basic Art è diventata la collezione di libri d'arte più venduta al mondo. Ogni libro della serie Basic Art di TASCHEN contiene: una cronologia dettagliata riassuntiva della vita e delle opere dell'artista, inserito nel contesto storico e culturale in cui è vissuto una biografia concisa circa 100 illustrazioni con didascalie esplicative

Con il suo stile esplicito, la distorsione delle figure e il rifiuto degli standard di bellezza convenzionali, Egon Schiele (1890–1918) fu un pioniere dell'espressionismo austriaco nonché uno dei ritrattisti più stupefacenti del XX secolo. Pupillo di Gustav Klimt, Schiele si cimentò in uno sfavillante stile art nouveau prima di sviluppare la propria estetica – molto più cruda e provocatoria – di linee spigolose, colori sgargianti e figure affettate e slanciate. Prediligendo pose erotiche, esplicite o inquietanti in cui lui o le sue modelle – di volta in volta scheletriche e malaticce oppure vigorose e sensuali – si accovacciavano sul pavimento, languivano con le gambe divaricate, guardavano storto l'osservatore e spingevano i genitali in primo piano, la sua prolifica produzione di ritratti e autoritratti sconcertò l'establishment viennese con una forza psicologica e sessuale senza precedenti. Secondo molti contemporanei, oltre a essere sgradevole, l'opera di Schiele era anche moralmente riprovevole: tanto che nel 1912, per un breve periodo, l'artista fu incarcerato per oscenità. Oggi, la sua opera è rinomata per l'approccio rivoluzionario alla figura umana e per lo stile di disegno esplicito e particolarmente appassionato, quasi violento. Questo volume presenta alcune delle opere più importanti di Schiele per illustrarne la breve ma urgente carriera e il profondo contributo allo sviluppo dell'arte moderna, che continua a influenzare artiste di talento contemporanee come Tracey Emin e Jenny Saville. Nata nel 1985, la serie Basic Art è diventata la collezione di libri d'arte più venduta al mondo. Ogni libro della serie Basic Art di TASCHEN contiene: una cronologia dettagliata riassuntiva della vita e delle opere dell'artista, inserito nel contesto storico e culturale in cui è vissuto una biografia concisa circa 100 illustrazioni con didascalie esplicative

Dai ritratti di corte per la famiglia reale spagnola alle strazianti scene di guerra e sofferenza, Francisco José de Goya y Lucientes (1746–1828) si è affermato come uno degli artisti spagnoli più stimati e controversi di sempre. Maestro di luce e forma, Goya esercita la propria influenza da secoli, ispirando e ammaliando artisti di ogni epoca, dal romantico Eugène Delacroix ai fratelli Chapman, gli enfants terribles della Britart. Nato a Fuendetodos nel 1746, Goya fu messo a mestiere presso la famiglia reale spagnola nel 1774, dove realizzò acqueforti e disegni preparatori di arazzi per imponenti palazzi e residenze reali in tutto il paese. Dopo aver ottenuto il patrocinio dell'aristocrazia, iniziò a dipingere ritratti su commissione di ricchi e potenti in uno stile sempre più fluido ed espressivo. In seguito, dopo un periodo di malattia, l'artista passò ad acqueforti e disegni dall'atmosfera più cupa, dando vita a un mondo spaventoso popolato da streghe, fantasmi e creature fantastiche. Fu tuttavia con le sue raccapriccianti rappresentazioni della guerra che Goya ottenne imperitura fama. Realizzato tra il 1810 e il 1820, I disastri della guerra si ispira alle atrocità compiute durante la lotta spagnola per l'indipendenza dal dominio francese e coglie nel profondo la crudeltà e il sadismo dell'uomo. Se i toni tetri, le pennellate frenetiche e l'uso energico del chiaroscuro alla maniera barocca ricordano Velázquez e Rembrandt, la brutale sincerità del soggetto di Goya non ha precedenti. Questo volume introduttivo pubblicato da Taschen nella collana Basic Art 2.0 si propone di ripercorrere l'intera parabola della straordinaria carriera di Goya, da raffinato pittore di corte a nefasto profeta di sofferenza e mostruosità. Pagina dopo pagina, troveremo ritratti celeberrimi come Manuel Osorio Manrique de Zúñiga, la splendida Maja desnuda e Il 3 maggio 1808, una delle immagini di guerra più sconvolgenti della storia dell'arte.

Era il decennio delle audaci tele espressioniste, della creatività in editoria, del Bauhaus e dell'opera d'arte totale, dei pionieri della psicologia, dei cosiddetti “drag ball”, del cabaret, di Metropolis e di Marlene Dietrich, astro nascente del teatro e del cinema muto. Tra le crisi di due guerre mondiali, la Berlino degli anni '20 visse una primavera culturale all'insegna del carpe diem: un tripudio di arte, pensiero e creatività all'avanguardia. Questo libro consentirà al lettore di immergersi nello spirito libero della Berlino della Repubblica di Weimar. Passando in rassegna la produzione di opere esemplari in pittura, scultura, architettura, grafica, fotografia e cinema, scopriremo le innovazioni, le idee e i sogni preziosi che furono al centro di questa irripetibile finestra culturale. Conosceremo i jazz bar e le sale da ballo; i kinos affollati e la moda “alla maschietta”; i progressi della tecnologia e dei trasporti; le torri della radio e lo sferragliare dei tram e dei treni; gli edifici alti fino al cielo; i capolavori del cinema; e una nuova tipologia di donna che fuma sigarette, porta i capelli corti e si guadagna da vivere da sé. Tra le opere incluse in questo vivace ritratto culturale figurano I giornalisti di Hannah Höch; Mani su macchina per scrivere di Lotte Jacobi; Ritratto della giornalista Sylvia von Harden di Otto Dix; il progetto di Peter Behrens per Alexanderplatz; e L'angelo azzurro di Josef von Sternberg, con Marlene Dietrich nel ruolo dell'artista di cabaret Lola Lola. Pagina dopo pagina, avremo modo di esplorare tanto le aspirazioni utopistiche quanto le più nefaste realtà economiche e politiche che alimentarono i capolavori d'evasione, idealistici o reazionari dell'epoca. Dietro le luci della città e i lustrini degli abiti da sera intravediamo tuttavia l'inflazione, l'alienazione della classe operaia e il fragile consenso politico che aleggiavano su questa età dell'oro e che ne avrebbero presto decretato la fine brutale con l'ascesa del nazionalsocialismo.

Autore di rigorose teorie e svariate migliaia di dipinti, disegni e acquerelli, Paul Klee (1879–1940) è considerato uno degli esponenti più cerebrali e prolifici dell'arte europea del Novecento. Pur essendo solitamente di piccole dimensioni, le sue opere sono straordinarie per la raffinatezza concettuale e le meticolose sfumature di tratto, colore e tonalità. A influenzare la formazione stilistica di Klee furono la precoce adesione al gruppo espressionista tedesco Der Blaue Reiter e, soprattutto, un viaggio in Tunisia nel 1914 che ne mutò radicalmente l'uso del colore. Dopo la guerra, Klee insegnò presso la prestigiosa scuola del Bauhaus, dove le sue lezioni (come pure la progressiva affermazione della sua produzione artistica) sottolineavano il potenziale simbolico della sfumatura, del tratto e della geometria. A ispirare Klee furono anche il cubismo, la poesia, la musica, la letteratura, il linguaggio e la forza semplicistica del disegno infantile. Celebre per le sue figure stilizzate, Klee coniugò spesso un candore apparentemente fanciullesco con il rigore della composizione e il valore intellettuale. Questo volume offre una selezione delle opere più importanti di Klee per presentarne lo stile e l'influenza. Tra paesaggi assolati ed enigmatici giochi di parole, scopriamo un mondo al contempo semplicistico, simbolico e straordinariamente pittoresco. Nata nel 1985, la serie Basic Art è diventata la collezione di libri d'arte più venduta al mondo. Ogni libro della serie Basic Art di TASCHEN contiene: una cronologia dettagliata riassuntiva della vita e delle opere dell'artista, inserito nel contesto storico e culturale in cui è vissuto una biografia concisa circa 100 illustrazioni con didascalie esplicative

Questa introduzione fondamentale a Tadao Ando firmata Taschen analizza l'ibrido di tradizione, modernismo e funzionalità che rende i suoi edifici tanto affascinanti per architetti, designer, stilisti e molti altri ancora. Prendendo in esame i suoi progetti più importanti, tra cui abitazioni private, chiese, musei, complessi di appartamenti e spazi culturali, scopriamo un'estetica straordinariamente monumentale e tuttavia rassicurante, che si ispira tanto al calmo equilibrio della tradizione giapponese quanto all'irresistibile lessico modernista del Bauhaus e di Le Corbusier. Presentando progetti realizzati in Giappone, Francia, Italia, Spagna e Stati Uniti, il volume non documenta solo la portata globale delle opere di Ando, ma anche la sua raffinata sensibilità per l'ambiente circostante, espressa dai giochi di luce che filtra dalle finestre e, soprattutto, dall'interazione tra acqua e edifici. Dalla suggestiva Chiesa della Luce a Osaka al fulgido centro d'arte contemporanea di Punta della Dogana a Venezia, il libro farà compiere al lettore uno splendido viaggio in una forma d'arte tipicamente contemporanea come pure nel fascino senza tempo della luce, degli elementi e dell'equilibrio.