Taschen: Basic Art

Sin dalla sua partecipazione al gruppo New York Five, Richard Meier si è aggiudicato una commissione dopo l'altra, raggiungendo la vetta della celebrità all'interno del panorama architettonico mondiale. Dal Madison Square Garden a Shenzhen, Cina, il suo modernismo elegante e luminoso ha modellato alcuni tra gli edifici più raffinati e originali dei secoli XX e XXI. L'opera di Meier è variegata e, al contempo, di gran pregio. Durante la sua carriera l'architetto si è occupato di antichità romane (con il progetto del Museo dell'Ara Pacis), complessi balneari (Jesolo Lido Village), edifici amministrativi (Municipio di San Jose, California) e residenze private a Long Island. I tratti distintivi di Meier presenti in ogni suo progetto sono planimetrie studiate con estrema cura e l'uso intensivo di superfici bianche e vetrate. L'esterno dei suoi edifici si presenta così come una fonte luminosa, mentre l'interno appare un santuario dall'atmosfera limpida e intensa. Questa introduzione ripercorre l'intera carriera di Meier per analizzare la nascita di un architetto cult. Grazie all'abbondanza di immagini possiamo ammirare tutti i progetti più famosi, come il Getty Center di Los Angeles, nonché i lavori più recenti come l'OCT Shenzhen Clubhouse a Shenzhen e il Burda Collection Museum a Baden-Baden, in Germania.

A prima vista i modelli e i soggetti ritratti nei più celebri dipinti di nudo della storia non sembrano avere molto altro da dire... ma non lasciatevi ingannare: l'apparenza non è tutto in questi capolavori senza veli. Rose- Marie e Rainer Hagen ci svelano i segreti della carne, combinando analisi dettagliate con nitidi ingrandimenti di 12 opere iconiche appartenenti alla tradizione artistica. Che si tratti di racconti biblici a sfondo morale o di moderne raffigurazioni del piacere, opere come «Susanna e i vecchioni» di Tintoretto o la «Colazione sull'erba» di Manet offrono diverse visioni della bellezza naturale. I capolavori raccolti in questo volume sono presentati attraverso riproduzioni di altissima qualità degli originali conservati al Louvre, al Musée d'Orsay, agli Uffizi e in tanti altri musei. Dai dipinti che ritraggono tutta la grazia femminile, come «Venere allo specchio» di Velázquez, fino all'affascinante rappresentazione del decadimento del corpo di Hans Baldung in «Le tre età della donna e la morte», il tratto che accomuna questi dipinti è la loro capacità di raffigurare splendidamente la figura spogliata, sia nella vita che nella morte. Tramite questa indagine che analizza le opere di nudo per svelarne tutti i segreti, i dipinti si liberano della loro bidimensionalità e si infiammano di vita.

Scopri alcuni dei più straordinari capolavori dell'antico Egitto. Questo catalogo raccoglie sarcofagi, statue, pitture murali e altri tesori senza tempo di maestri sconosciuti dall'Antico Regno al periodo romano. Scopri perché queste gemme antichissime del patrimonio culturale mondiale sono esposte accanto ai capolavori di Michelangelo e da Vinci, da New York a Il Cairo.

August Macke è oggi considerato una figura di spicco dell'arte della Repubblica di Weimar e un pioniere della pittura espressionista. Con le sue interpretazioni della bellezza basate sul colore, Macke ha combinato sfaccettature dell'Impressionismo, del Post-Impressionismo e del Fauvismo in uno stile caleidoscopico e unico. Dalle allegre scene di parchi alla sua ultima grande opera, Farewell, scopri la vita di “Mister Color”.

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (1475–1564) era un uomo rinascimentale tormentato, timorato di Dio e dotato di un talento prodigioso. I suoi numerosi successi in pittura, scultura, architettura, poesia e ingegneria coniugarono corpo, spirito e divinità in capolavori visionari che cambiarono per sempre la storia dell'arte. Il celebre biografo Giorgio Vasari lo considerava l'espressione più alta del Rinascimento, mentre i suoi contemporanei lo chiamavano semplicemente “il Divino”. Questa introduzione fondamentale a Michelangelo offre al lettore l'opportunità di apprezzarne tutti i maestosi capolavori senza ressa né code. Grazie a vivide illustrazioni e testi alla portata di tutti, esamineremo la straordinaria capacità di rappresentazione allegorica e la celebre terribilità dell'artista espressa nelle raffigurazioni di drammi umani e biblici di dimensioni e fervore irresistibili. Viaggiando tra i centri di potere dell'Italia rinascimentale, analizzeremo le principali commesse di Michelangelo e il suo straordinario talento per gli schemi compositivi, che si tratti della celebre Biblioteca Medicea Laurenziana a Firenze o dei magnifici 500 metri quadri di soffitto della Cappella Sistina (1508–1512). Dall'imponenza del David al doloroso lutto e alla fede della Pietà fino all'intensità drammatica del Giudizio universale, questo libro costituisce un testo di riferimento conciso e affidabile su un vero gigante della storia dell'arte e su alcuni dei più famosi capolavori al mondo.

Angoli netti, forme bizzarre, colori sporchi e prospettive distorte sono elementi tipici dell’espressionismo, il movimento nato nel XX secolo che rese protagoniste le emozioni, preferendole alla realtà oggettiva. Particolarmente florido in Germania e Austria, l’approccio espressionista si fece strada sulla scena internazionale e oggi è considerato uno dei cambiamenti che più hanno influenzato la storia dell’arte. Gli espressionisti, rappresentati dal gruppo Die Brücke (Il ponte) e Der Blaue Reiter (Il cavaliere azzurro), nonché da esponenti del calibro di Vasilij Kandinskij, Egon Schiele ed Emil Nolde, rinnegarono l’impressionismo, definendolo “l’abnegazione dell’uomo, ridotto a mero strumento di registrazione del mondo esterno”, per dedicarsi alla rappresentazione della realtà nuda e cruda, così come la si vive, non come la si vede. I loro dipinti vibrano di carico emotivo, trasmesso grazie a una palette di colori intensi e innaturali, pennellate ampie e trame spesse. Esplorando le peculiarità stilistiche del gruppo, gli influssi e i suoi protagonisti principali, questo volume introduttivo presenta il panorama espressionista, con i suoi stati d’animo, le idee e le emozioni, alla ricerca della verità più autentica.

Dai dipinti caratterizzati da effetti di luce drammatici agli elaborati interni dorati, il periodo barocco conferì una nuova dimensione all'arte occidentale. Le prospettive armoniose e le proporzioni eleganti del Rinascimento lasciarono il posto a un mondo dinamico ed energico di teatralità esasperata. Tra il XVI e il XVIII secolo, questo stile influenzò molte forme d'arte e discipline, suscitando nel pubblico un interesse diretto e spesso carico di emozione per la pittura, la scultura, l'architettura e la musica. Questa edizione della collana Basic Art 2.0 di TASCHEN si concentra sulla pittura barocca. Tramite scene mitologiche e religiose, nature morte e molto altro ancora, analizzeremo come un vivido vocabolario di colori carichi, ombre marcate, gesti teatrali e linee diagonali sia stato assimilato tanto dalle scuole nordiche quanto da quelle dell'Europa meridionale. Pagina dopo pagina, incontreremo artisti barocchi di primo piano come Nicolas Poussin, Annibale Carracci, Caravaggio, Velázquez, Rubens e Rembrandt, esaminando le specifiche novità introdotte da ciascuno a livello di composizione, narrazione e utilizzo della luce per creare una sensibilità barocca. Sulla serie Nata nel 1985, la serie Basic Art è diventata la collezione di libri d'arte più venduta al mondo. Ogni libro della serie Basic Art di TASCHEN contiene: una cronologia dettagliata riassuntiva della vita e delle opere dell'artista, inserito nel contesto storico e culturale in cui è vissuto una biografia concisa circa 100 illustrazioni con didascalie esplicative

Zaha Hadid è stata un architetto rivoluzionario. Sebbene acclamatissima dalla critica, per molti anni non ha costruito pressoché nulla, e c’è chi è arrivato a dire che i suoi progetti audaci e futuristici erano irrealizzabili. Durante gli ultimi anni della sua vita, tuttavia, le coraggiose visioni di Hadid sono diventate realtà, portando un nuovo linguaggio architettonico assolutamente unico in città e strutture tanto diverse quali il Rosenthal Center for Contemporary Art a Cincinnati, salutato dal New York Times come “il più importante edificio di nuova costruzione in America dai tempi della Guerra fredda”; il MAXXI a Roma; la Guangzhou Opera House in Cina; e il London Aquatics Centre per le Olimpiadi del 2012. Al momento della sua improvvisa scomparsa, nel marzo del 2016, Hadid era universalmente considerata una delle principali archistar di tutto il mondo, nonché la prima donna ad aver vinto sia il Premio Pritzker per l’architettura sia la medaglia d’oro del RIBA. Più di ogni altra cosa, tuttavia, Hadid era una creatrice di forme nuove, il primo grande architetto del nuovo millennio. Dai primi edifici definiti da angoli spigolosi alla fluida architettura degli anni successivi che sintetizzava pavimenti, pareti e soffitti in opere totali, questa introduzione essenziale presenta i progetti centrali della pionieristica pratica di Hadid, per fare luce su un’artista, e un architetto, che ha lottato per infrangere le vecchie regole e si è costruita il proprio universo nel XXI secolo.

Utagawa Hiroshige (1797–1858) è stato uno degli ultimi grandi artisti della tradizione dell’Ukiyo-e. Il termine, che alla lettera significa “immagini del mondo fluttuante”, si riferisce alla celebre tradizione della stampa artistica giapponese su blocchi di legno che si diffuse tra il XVII e il XIX secolo. I soggetti ritratti spaziavano dalle luci sfavillanti e i monumenti di Edo (Tokyo dei giorni nostri), a magnifici paesaggi naturali. Nel mondo occidentale, le stampe di Hiroshige divennero emblematiche del giapponismo che si diffuse in Europa e contribuirono a definire l’iconografia del Giappone stesso nell’immaginario collettivo. Poiché potevano essere realizzate in serie, le opere Ukiyo-e venivano spesso utilizzate come materiale grafico destinato ai fan, biglietti da visita e illustrazioni. Questo stile ebbe un forte impatto sugli artisti del movimento impressionista, post-impressionista e dell’Art Nouveau; in particolare, Vincent van Gogh e James Abbott McNeill Whistler si ispirarono ai paesaggi ritratti nelle stampe di Hiroshige. Questa introduzione comprende le immagini più significative dell’opera vibrante di Hiroshige: ciliegi in fiore, donne bellissime, attori Kabuki e vicoli affollati ci presentano uno dei più grandi artisti d’oriente.

L'artista italiano Lucio Fontana ha letteralmente fatto a pezzi l'establishment dell'arte. Formatosi come scultore, ha combinato forma e colore in gesti spaziali radicali, soprattutto con le sue tele squarciate degli anni Cinquanta e Sessanta. Considerato il padre dello Spazialismo di metà secolo, la sua pratica provocatoria ha trasformato l'innovazione del dopoguerra in una sintesi pionieristica di arte, tecnologia e scienza.

Pittore di battaglie drammatiche e di mitologie erotiche, Sir Peter Paul Rubens è stato una figura chiave nel mondo dell'arte del XVI secolo e un sostenitore del colore, del movimento e della sensualità dello stile barocco. La sua prolifica opera comprende pale d'altare, ritratti, paesaggi, dipinti storici e i suoi famosi e abbondanti nudi.

Eero Saarinen (1910–1961), creatore delle sedie e tavoli Tulip realizzate per Knoll e diffuse in tutto il mondo, è stato uno dei “modellatori di spazi” più importanti del XX secolo, che ha saputo unire le forme dinamiche con una sensibilità modernista nell'architettura e nel design. Tra i più alti risultati di Saarinen si annoverano l'Aeroporto Internazionale di Washington-Dulles, la struttura incredibilmente scultorea e fluida del terminal TWA all'Aeroporto Internazionale John F. Kennedy di New York e l'Arco della porta di Saint Louis in Missouri con i suoi 192 metri di altezza, veri punti di riferimento per l'architettura statunitense del dopoguerra. Una presenza ricorrente nei progetti di molte sue costruzioni erano le curve catenarie. Dalla lunga collaborazione con Knoll scaturirono altri celebri elementi d'arredo, come la poltrona Grasshopper e il divano Womb. Sposato con Aline Bernstein, una famosa critica d'arte e di architettura, Saarinen collaborò anche con Charles Eames, con cui progettò la sua prima sedia a ottenere un riconoscimento ufficiale. Ricca di immagini che ne ripercorrono la vita e la carriera, questa introduzione ci accompagna alla scoperta di Saarinen, dagli studi alla formazione fino ai progetti più prestigiosi, illustrando come ciascuna delle sue opere abbia dotato il panorama modernista di una nuova dimensione.