Cue Press: I saggi del cinema

Dalla prima metà degli anni Sessanta alla fine degli anni Settanta, il western è stato uno dei generi più popolari e redditizi del nostro cinema. E anche uno di quelli più articolati e diversificati. Questo libro intende innanzitutto ricostruirne la storia culturale, l’impatto sulla società del tempo e le ragioni di un consumo che è continuato fino a oggi. Evita i luoghi comuni e dimostra come vi sia sempre stata una critica – a partire da Vittorio Spinazzola – in grado di capire e valorizzare la novità del genere fondato da Per un pugno di dollari. Dedica pari attenzione al classici, da Sergio Leone a Sergio Corbucci; alla vena politica e rivoluzionaria di Damiano Damiani e di Sergio Sollima; agli esperimenti d’avanguardia di Giulio Questi; e alle trasformazioni comiche con Bud Spencer e Terence Hill. E si serve di materiali d’archivio e inediti per analizzare dieci film esemplari.

Il volume, partendo dal banale quanto affascinante assunto che nello spazio il suono non esiste, passa in rassegna la space opera cinematografica dal punto di vista della concezione sonora. Da "Una donna nella luna" di Fritz Lang ad "Alien" e ai recenti "Gravity", "Interstellar" e soffermandosi in particolare su "2001: Odissea nello spazio", autentico decalogo sul rapporto tra silenzio, musica e suono nello spazio, il libro rappresenta un prezioso contributo a una prospettiva inedita nel campo degli studi cinematografici. Questa edizione italiana è arricchita e aggiornata dall’autore. Prefazione di Sandra Lischi.

Genere reso immortale da icone come John Wayne, Glen Ford, Henry Fonda e Jack Palance, il western, tramite i suoi eroi e antieroi, ha saputo entrare nell’immaginario di intere generazioni, contribuendo a creare sul grande schermo il mito americano. Il volume – anche grazie a ricchissime appendici con filmografie e biografie di attori e registi – ricostruendone dettagliatamente le forme e il lessico, rappresenta uno degli studi più completi sul cinema western.

Il volume si occupa della genesi e dell’esplosione del fenomeno del divismo cinematografico, passando dalle origini degli anni Dieci fino ai decenni d’oro Cinquanta e Sessanta. Il tema dello star system viene affrontato in tutte le sue complesse sfaccettature: da quelle economiche a quelle sociali, viene privilegiata l’analisi dell’impatto culturale della figura del divo. Morin delinea un quadro in cui i divi del grande schermo rappresentano una nuova mitologia moderna e un prodotto autentico del capitalismo borghese. Essi possiedono infine una doppia natura: da una parte, rimangono figure intoccabili di un «nuovo Olimpo», dall’altra, nella cultura di massa, si trasformano in star-merce, la cui fruizione come oggetti, prima ancora che come simboli e veri e propri fenomeni culturali, diviene alla portata di tutti.

In una nuova edizione italiana, 'The Monster Show' è ormai un classico della saggistica sul genere horror, tema esaminato, non solo dal punto di vista cinematografico, ma in tutte le sfaccettature che contraddistinguono le forme dello storytelling del macabro. Lungo pagine dense di gustosi aneddoti e iconiche citazioni, si ripercorre con ironia e arguzia un secolo di intrattenimento della paura: da Bela Lugosi nelle vesti di Dracula, agli spettri di Lynch. Dal tentativo di esorcizzare sul grande schermo il pericolo dell’Aids delineando protagonisti «dal sangue infetto», alla fenomenologia del nuovo yuppie sociopatico della grande metropoli ritratto in 'American Psycho' di Bret Easton Ellis, Skal analizza per immagini e testimonianze la passione per il grottesco, un collage di episodi in cui cinema e realtà si fondono, costruendo l’attraente disegno dell’estetica dell’orrido.

La parabola del neorealismo è stata accompagnata e seguita da un serrato confronto ideale, cui hanno partecipato molti fra i maggiori scrittori e artisti del Novecento. Abbiamo raccolto in questo volume gli interventi più significativi, apparsi lungo l’arco d’un trentennio: dichiarazioni programmatiche, riflessioni autocritiche, apologie e polemiche cui abbiamo aggiunto, per un’adeguata integrazione, qualche bilancio di carattere complessivo e documenti atti a illustrare le posizioni assunte dai gruppi redazionali di riviste come «Il Politecnico», «Società», «Realismo», «Il Contemporaneo». Ne esce un panorama vario e articolato, utile al lettore che desideri comprendere attraverso quali passaggi si è determinata, in questo secondo Dopoguerra, una profonda frattura verso i modelli correnti del rapporto fra intellettuali e società. Le stesse poetiche dei singoli autori acquistano contorni più precisi nel fuoco di un dibattito che, lungi dall’accentrarsi in modo prevalente su specifici problemi d’estetica, si è appuntato fin dall’inizio su temi di grande rilevanza storica ed esistenziale: l’indissolubilità e la distinzione del «pubblico» e del «privato», le responsabilità della cultura e la libertà di cui essa si alimenta, la funzione delle avanguardie e il senso della tradizione come conquista, la necessità di operare scelte politiche nette e i rischi insiti in ogni progetto globale. Scritti di Alvaro, Bernari, Brancati, Cassola, Calvino, De Santis, De Sica, Fellini, C. E. Gadda, Gallo, Guttuso, Jovine, C. Levi, Lizzani, Moravia, Pavese, Pasolini, G. Pintor, Pratolini, Rossellini, A. Steiner, Visconti, Vittorini, Zavattini e altri.

Integrando abilmente gli studi relativi alle star con quelli relativi all’industria cinematografica, "Hollywood Stardom" svela il legame indissolubile tra cultura e commercio nel concetto contemporaneo di "stardom" cinematografica. Lo studioso di cinema Paul McDonald esamina lo stardom nell’industria cinematografica moderna, attraverso le carriere delle star di maggior prestigio o successo: George Clooney, Mel Gibson, Tom Cruise e Daniel Dey-Lewis, Tom Hanks, Will Smith e Julia Roberts. Le star sono intese come brand. Costruito con precisione accademica, "Hollywood Stardom" offre un importante contributo agli studi cinematografici contemporanei e rappresenta il ruolo mutevole dello "stardom" nella moderna industria cinematografica hollywoodiana.

Alberto Sordi, ovvero sessant’anni di attività cinematografica e di costume di casa nostra. Il volume rende omaggio all’attore e all’uomo, con un saggio introduttivo-biografico e una lunga intervista. Il libro contiene anche uno studio a più facce sugli aspetti gestuali della personalità di Sordi e una completa filmografia della sua lunga carriera. Lo arricchiscono una serie di ‘testimonianze’ di critici, attori e registi: hanno dato il loro contributo Luigi Comencini, Alberto Lattuada, Nanni Loy, Enrico Montesano, Morando Morandini, Dino Risi ed Ettore Scola. La storia di un italiano in un viaggio attraverso alcuni generi di cinema, che sono anche i graffiti della nostra epoca. Uno dei classici della letteratura cinematografica, in una nuova edizione riveduta e ampliata.

Il cinema è un’arte giovane, per questo la sua storia è fatta di grandi passi. In questo volume ne sono stati selezionati cinquanta. Una guida per orientarsi nella caleidoscopica storia della cinematografia mondiale. Un progetto di Giacomo Manzoli, che si avvale di importanti contributi. Uno strumento imprescindibile e basilare per conoscere il cinema e saper guardare oltre lo schermo. Prefazione di Alberto Boschi.

Nella creazione di immagini, la fantasia di Bergman si fonda più su linguaggi del teatro che del cinema. La cinepresa ‘restituisce’ la realtà, quanto è accaduto. A teatro invece tutto accade qui e ora. Ma la cinepresa di Bergman sta sempre in cerca di quell’attimo, di quel qui e ora. Anche se sa quanto sia diverso per un attore stare davanti alla telecamera o davanti agli spettatori in carne e ossa. Bergman fa le riprese come se questa differenza tecnica non esistesse.