Dario Cimorelli Editore

In concomitanza con la presentazione degli importanti lavori di restauro del Parco, la Fondazione Magnani Rocca presenta il volume dedicato al tema floreale. Un catalogo corale che, attraverso opere provenienti da musei, istituzioni pubbliche e collezioni private, rende testimonianza dell’ampia fortuna che un soggetto semplice ma simbolicamente complesso come il fiore ha avuto nella poetica di un numero vastissimo di artisti. Un ricchissimo bouquet, composto di capolavori “floreali” dei maggiori artisti italiani del Novecento.

Al centro del volume Women Power c’è l’universo femminile, immortalato in prima persona dalle autrici e degli autori di Magnum Photos. Diciotto sguardi di differenti generazioni e provenienze geografiche che hanno raccontato i grandi cambiamenti degli ultimi settant’anni. All’inizio degli anni cinquanta, la storica agenzia ammette, infatti, le prime due fotografe, l’austriaca Inge Morath e l’americana Eve Arnold, dando nuovo impulso al modo di fare e di intendere il fotogiornalismo. Nel corso dei decenni successivi, le donne diventano sempre più protagoniste attive della narrazione della realtà. Attraverso il loro sguardo, nel racconto dell’esperienza umana, la vita dei singoli si intreccia con le grandi vicende dell’attualità, e la Storia diventa il sentiero lungo il quale scorrono infinite storie, raccolte e narrate in ogni angolo del mondo.

Il volume presenta un nuovo lungo viaggio tra capolavori, che ricostruisce la progressiva definizione della consapevolezza di sé dell’artista nella storia dell’arte. L’artista si fa metafora, protagonista e immagine del proprio tempo. L’artista recita, si mette in mezzo, sbuca da una sua opera che parla d’altro: in mezzo a un racconto mitologico, a una storia sacra, a un evento storico. Come fanno Giovanni Bellini, Tintoretto, Lavinia Fontana, Diego Velasquez, Sofonisba Anguissola, Lotto, Pontormo, Parmigianino, Rembrandt, Tiziano, Hayez, Böcklin, De Chirico, Balla, Sironi, Bacon fino a Bill Viola e Chuck Close. La pubblicazione racconta una storia in immagini offrendo una visione affascinante e articolata di uno dei temi più universali e significativi nell’arte, in cui l’immagine funziona da doppio del soggetto, come nel mito di Narciso ripreso da tutta la storia della pittura e della letteratura fino ad approdare, nel Novecento, alla psicoanalisi freudiana.

Fat Boy è il personaggio che Christoph Radl (San Gallo, Svizzera, 1954), direttore artistico e grafico, ha costruito lasciandosi ispirare dalle immagini che la civiltà precolombiana dei Mimbres ha impresso sulla sua produzione ceramica. Questa curiosa figura diventa protagonista di un bizzarro viaggio nella storia dell’arte, assumendo – attraverso il gesto pittorico dell’artista – pose e atteggiamenti riconducibili ai grandi maestri e alle loro opere. Grazie a un approccio raffinato e minimalista, che bilancia tradizione e modernità, il lavoro di Radl riflette una profonda comprensione del patrimonio culturale unita a un tocco innovativo. È riconosciuto, non solo in Italia ma a livello internazionale, come una figura di spicco nel campo del design per la sua capacità di fondere elementi tradizionali e contemporanei in una narrazione visiva coesa.

Il volume accompagna l’arrivo al Museo Diocesano Carlo Maria Martini di Milano della Deposizione di Cristo dalla croce di Jacopo Tintoretto (Venezia, 1519-1594), uno dei capolavori del grande protagonista della pittura veneziana della seconda metà del Cinquecento, conservata nelle Gallerie dell’Accademia di Venezia. Realizzata per la chiesa di Santa Maria dell’Umiltà alle Zattere a Venezia e databile intorno al 1562, negli anni della piena maturità del pittore, il dipinto presenta una composizione ben calibrata e attentamente costruita, e allo stesso tempo drammatica e concitata, con un dinamismo accentuato dall’uso della luce, con intensi chiaroscuri che creano un forte impatto emotivo, lasciando emergere i protagonisti da un paesaggio in penombra. Grazie alla collaborazione con Casa Testori, la pubblicazione presenta gli interventi di quattro artisti contemporanei – Jacopo Benassi, Luca Bertolo, Alberto Gianfreda, Maria Elisabetta Novello – che mettendosi in gioco davanti alla grande tela creano un rapporto personale con il dipinto del maestro veneto, facendo ricorso a diversi linguaggi, dall’installazione alla pittura.

Il volume accompagna la prima mostra italiana dedicata a Vilhelm Hammershøi (Copenaghen, 1864-1916), il più grande pittore danese della propria epoca. Protagonista dell’arte europea tra fine Ottocento e inizio Novecento, la sua opera viene messa a confronto con le creazioni degli artisti a lui contemporanei, tra il Nord Europa e l’Italia. Più di 100 opere presentano una pittura raramente indagata quanto misteriosa ed affascinante. Una pittura che racconta il silenzio e l’introspezione, dove gli ambienti domestici così come le vedute cittadine descrivono i paesaggi dell’anima. Ma in Hammershøi c’è qualcosa di più, le sue donne, ritratte quasi sempre di spalle, in ambienti ordinati e tranquilli, lasciano presagire tanto la serenità quanto drammi segreti o piuttosto l’attesa di nuovi accadimenti. Il catalogo è arricchito dai testi critici di Paolo Bolpagni, curatore del volume, Annette Rosenvold Hvidt, Claudia Cieri Via, Luca Esposito e Francesco Parisi.

La Fondazione Biscozzi Rimbaud, rende omaggio ad uno dei protagonisti della storia dell’arte contemporanea, Sandro Chia (Firenze, 1946). Sempre orientato da un lato verso un avanzamento del lessico espressivo e dall’altro verso un rimaneggiamento costante e ossessivo delle immagini provenienti dalla storia dell’arte, l’artista è stato tra i fondatori della Transavanguardia, il movimento teorizzato dal critico Achille Bonito Oliva sul finire degli anni Settanta. Il volume propone una ricognizione sistematica della sua produzione su carta attraverso 100 opere, un vero e proprio viaggio nel suo archivio intimo di immagini che l’hanno reso un maestro riconosciuto della pittura, esemplificando il suo immaginario denso di riferimenti alla storia dell’arte, ma anche di visioni ironiche e beffarde, oscillazioni tra corpi, simboli e allegorie dell’arte e della vita. Il catalogo accoglie il saggio del curatore, le fotografie delle opere in mostra, materiali d’archivio e una densa sezione di apparati scientifici biografici, bibliografici ed espositivi dell’artista redatti da Simone Melis, assistente curatore della mostra.

Il volume presenta l’opera di Riccardo Moncalvo (Torino, 1915-2008), figura di spicco della fotografia italiana del XX secolo. Avviato alla fotografia a soli 13 anni, seguendo le orme del padre, inizia con un approccio pittorialista per poi abbracciare, alla fine degli anni trenta, le poetiche della Nuova Visione, sviluppando uno stile unico. Dopo la guerra è tra i primi in Italia a sperimentare la fotografia a colori, imponendosi come uno dei suoi interpreti più autorevoli. Proprietario di un laboratorio all’avanguardia e amico di Carlo Mollino, incarna alla perfezione il connubio tra arte e professione, contribuendo in modo decisivo all’evoluzione del linguaggio fotografico. Attraverso oltre 60 immagini in bianco e nero e a colori, tutte provenienti dall’Archivio Moncalvo, la pubblicazione ripercorre quasi sessanta anni di storia della fotografia italiana tra gli anni trenta e gli anni novanta. Il catalogo è arricchito dal testo della curatrice Barbara Bergaglio e dai contributi di Walter Guadagnini e Andrea Tinterri.

Il volume presenta un racconto inedito sull’avvincente storia della promozione turistica italiana, dalla fine dell’Ottocento ai primi anni della ricostruzione dopo il Secondo conflitto mondiale. Dalle prime testimonianze pubblicitarie firmate da importanti nomi, quali ad esempio Adolf Hohenstein, Leopoldo Metlicovitz e il giovane Marcello Dudovich, a cui si affiancano artisti come Ettore Tito, Ettore Ximenes, Galileo Chini, fino alla nascita nel 1919 dell’ENIT, l’Ente Nazionale per l’incremento delle industrie turistiche, con il quale le commissioni iniziano a seguire regole diverse. Da questo momento si inizia infatti a privilegiare l’affidamento di campagne promozionali plurisoggetto a uno stesso illustratore - tra questi ad esempio ritroviamo Mario Borgoni, Giovanni Guerrini, Marcello Nizzoli e Virgilio Retrosi - oppure a esecutori rimasti anonimi spesso legati alle tipografie. Attraverso 200 manifesti, centinaia di guide e pieghevoli illustrati, accompagnati da tanti oggetti iconici, la pubblicazione ripercorre l’evoluzione del manifesto turistico attraverso i grandi protagonisti dell’illustrazione italiana dell’inizio del Novecento.

Il volume, parte della collana Scritti, presenta una raccolta di saggi che hanno per oggetto un fenomeno assai poco studiato: il reimpiego di sculture preziose medievali in Età moderna. Le opere qui indagate, realizzate in materiali pregiati e con tecniche raffinate quali l’oreficeria, la lavorazione delle pietre dure, l’intaglio dell’avorio, appartengono a svariate tipologie (reliquiari e arredi liturgici, cammei, intagli, dittici e trittici, pastorali, microsculture a tutto tondo) e sono testimoni di processi storici complessi. La pubblicazione prosegue la raccolta degli esiti della giornata di studi in onore di Anna Rosa Calderoni Masetti tenutasi nell’ambito di un progetto di ricerca biennale (2021-2023), presentando casi rintracciati in ambito italiano ed europeo, a documentare il largo interesse per i manufatti più preziosi ereditati dai lunghi secoli medievali.

Il volume, primo volume della collana "Strumenti", raccoglie una selezione di scritti dell’artista Paolo Canevari (Roma, 1963), trasformati poi in lezioni accademiche. Attraverso riflessioni sul ruolo dell’arte nel mondo odierno e indicazioni per perseguire una ricerca artistica personale, il libro intende aiutare i giovani artisti a orientarsi nel complesso universo dell’arte contemporanea. L’autore, sostenendo che il valore dell’arte non si misura con il successo economico o di pubblico, ma esclusivamente nella qualità dell’opera, guida il lettore nella comprensione di cosa sia realmente un’opera d’arte e quale debba essere il ruolo dell’artista oggi. L’arte contemporanea deve essere avanguardia e l’artista un guerriero capace di scardinare le convenzioni sociali e rivoluzionare il senso già compiuto. Solo così si potrà spezzare il giogo di un sistema che promuove la quantità a discapito della qualità.

Il volume raccoglie gli esiti di un progetto che ha coinvolto oltre quaranta figure tra artisti, autori, curatori, creando un metodo per nutrire l’immaginazione, interrogandosi sull’identità della città e sul suo futuro. In occasione della nomina a Capitale italiana della cultura, Pesaro si è trasformata in un laboratorio di idee e sperimentazioni, dove il dialogo tra passato e futuro, tradizione e innovazione è diventato il motore di un percorso di crescita culturale e sociale. La pubblicazione racconta le tredici residenze artistiche attivate nei dodici quartieri e nel Municipio di Monteciccardo, con artisti e autori di diversa formazione e generazione nominati Ambasciatori dell’arte – affiancati da altrettanti curatori –, che hanno coinvolto cittadini, studenti, associazioni, instaurando profonde relazioni con loro e con il territorio di riferimento, dando vita a percorsi di co-progettazione e co-creazione artistica, finalizzati alla realizzazione di una mostra e di dodici opere d’arte site-specific.