Dario Cimorelli Editore

Il volume presenta l’esito della ricerca artistica di Anna Franceschini (Pavia, 1979) attraverso dodici fotografie istantanee realizzate con la Polaroid 20×24 Land Camera, esemplari unici in formato analogico. Ogni scatto, custodito nel libro, diventa così testimonianza tangibile del lavoro dell’artista, destinato ad arricchire le collezioni delle VILLÆ. Il libro documenta, inoltre, l’apparato scenotecnico ideato da Franceschini per il Santuario di Ercole Vincitore a Tivoli, creato con materiali tratti dal suo archivio personale e ispirato alla storia produttiva del sito. Le immagini evocano le stesse suggestioni che un tempo affascinarono Jan Brueghel il Vecchio e Peter Paul Rubens nella realizzazione a quattro mani del dipinto Marte disarmato da Venere.

Il volume esplora l’eredità internazionale di Aldo Rossi (1931–1997), concentrandosi sull’influenza che il maestro esercitò in Svizzera a partire dagli anni Settanta e sul modo in cui la sua opera continua a generare riflessioni, reinterpretazioni e trasformazioni nel panorama architettonico contemporaneo. Attraverso saggi e contributi critici, il libro ricostruisce le traiettorie di un pensiero che, pur radicato nella cultura italiana, ha saputo oltrepassare confini geografici e disciplinari, mantenendo intatta la propria forza poetica e teorica. Ne emerge un racconto corale, un viaggio tra teorie, pratiche e memorie che interroga la sopravvivenza dell’architettura rossiana nel tempo. Come in un “poema della strada non percorsa”, la figura di Rossi affiora in filigrana, evocata più che descritta, per riflettere su ciò che, nato sotto la sua influenza, si è ormai trasformato in qualcosa di nuovo: un’eredità viva, molteplice e ancora capace di ispirare il futuro.

Il volume presenta due nuclei fondamentali della collezione grafica del Museo Villa Bassi Rathgeb, offrendo un ampio attraversamento della storia del disegno e dell’incisione. Il primo nucleo, appartenente alla raccolta storica donata alla città tra il 1972 e il 1980, riunisce fogli di grandi maestri attivi tra XVI e XIX secolo: Bernardino Campi, Giandomenico Tiepolo, Paolo Vincenzo Bonomini, Giacomo Quarenghi, Francesco Hayez, Giovanni Migliara e altri autori lombardi dell’Ottocento, insieme ad acqueforti di Adriaen van Ostade e incisioni da Tiziano, Bassano, Guercino e Longhi, fino a Cesare Tallone e Rinaldo Agazzi. Il secondo nucleo è dedicato a Leonor Fini, con ventiquattro opere su carta tra litografie e fotolitografie che testimoniano la forza immaginifica e la libertà stilistica della grande artista del Novecento. Il volume mette così in dialogo passato e contemporaneità, restituendo la ricchezza di un patrimonio grafico unico e il ruolo del museo come luogo di conservazione, studio e valorizzazione.

Il volume riporta alla luce una selezione di fotografie in gran parte inedite, recuperate dall’archivio privato di Fabio Ciriachi (Roma, 1944), che dopo oltre cinquant’anni rivelano lo sguardo vivace e partecipe di un giovane autore capace di raccontare, con ironia e profondità, una quotidianità segnata da contestazioni politiche, sperimentazioni teatrali, comunità hippie e vita di borgata. Un mondo scomparso, ma restituito con sorprendente freschezza e intensità. Il libro ricostruisce anche il percorso poliedrico di Ciriachi, attivo tra pittura, teatro, fotografia e scrittura. Negli anni Sessanta e Settanta lavorò come fotografo freelance per diverse testate, prima di ritirarsi nelle comuni agricole. Cofondatore della rassegna Confluenze e della rivista “Pagine”, si è poi affermato come recensore e autore di racconti, romanzi e poesie.

Il volume offre un’intensa ricognizione nell’universo ritrattistico di Lia Pasqualino (Palermo, 1970), fotografa che fa dell’attesa e del silenzio la sostanza stessa del proprio sguardo. Allieva di Letizia Battaglia, con cui condivide l’interesse per la fotografia di reportage, Pasqualino si distingue per la capacità di restituire ai soggetti la libertà di rivelarsi, cogliendo l’istante sospeso in cui lo sguardo diventa coscienza. In queste immagini – che alternano volti celebri, come Jeanne Moreau, Michel Piccoli ed Emmanuel Carrère, a bambini e sconosciuti di Palermo –il ritratto si fa incontro, meditazione, empatia. Attraverso i contributi di Roberto Andò, Gabriel Bauret, Antonio Calbi, Giovanna Calvenzi, Tomaso Montanari e Ferdinando Scianna, il volume approfondisce la poetica di un’autrice che, tra opacità e trasparenza, ha saputo trasformare la fotografia in luogo di umanità condivisa e di rivelazione interiore.

Il volume accompagna la prima grande mostra milanese dedicata a Elio Ciol (Casarsa della Delizia, 1929), tra i più importanti fotografi italiani del Novecento. Attraverso una selezione di 100 immagini, dalle più celebri agli scatti meno noti, il libro restituisce la profondità di una ricerca che intreccia rigore formale e spiritualità, documentazione e poesia. Paesaggi, architetture e volti diventano meditazioni sulla luce, sul tempo e sull’uomo, colto nel suo silenzioso dialogo con il mondo. Fin dagli anni Cinquanta Ciol elabora un linguaggio personale, radicato nella terra friulana ma aperto al mondo: dalle campagne friulane e umbre ai canyon americani, dalla Libia all’Armenia e alla Terra Santa. Il volume include anche le sue campagne fotografiche per l’editoria d’arte, gli scatti del film Gli ultimi di padre David Maria Turoldo e i ritratti di figure come Pier Paolo Pasolini e William Congdon, rivelando una visione sospesa tra realtà e contemplazione.

Il volume documenta il progetto site-specific presentato dalla Bibliotheca Hertziana negli spazi di via Gregoriana 9, a pochi passi dalla sede storica dell’Istituto. Attraverso un ricco apparato iconografico e saggi critici, il volume restituisce la complessità di un evento senza precedenti: la temporanea riattivazione di un edificio carico di memorie culturali prima della sua trasformazione in nuova estensione della Bibliotheca. Il volume riunisce le opere di oltre venti artistə italianə e internazionalə — Vincenzo Agnetti, Louise Bourgeois, Francesca Cornacchini, Jesse Darling, Eva Fàbregas, Tarik Hayward, margaretha jüngling, Thomas Julier, Tarik Kiswanson, Corrado Levi, Paul Maheke, Marie Matusz, Mónica Mays, Hana Miletić, Effe Minelli, Lulù Nuti, Francesca Pionati e Tommaso Arnaldi, Aurélien Potier, Hannah Quinlan & Rosie Hastings, Prem Sahib, Davide Stucchi, Grégory Sugnaux, Ian Waelder e Rachel Whiteread — attivə tra scultura, pittura, fotografia, video e performance. Attraverso un percorso poetico e sensoriale, il libro documenta come le loro opere, molte delle quali concepite appositamente per l’occasione, instaurino un dialogo profondo con l’architettura decadente dell’ex galleria Spiridon – poi celebre sede del club La Cage aux folles negli anni Ottanta – trasformando la rovina in un luogo di memoria, stratificazione e riflessione contemporanea.

Il volume accompagna la prima grande rassegna dedicata a San Giorgio, uno dei quattro santi patroni di Genova, figura profondamente radicata nell’identità religiosa, civile e artistica della città. Punto di riferimento devozionale e simbolico fin dal Medioevo, San Giorgio è stato rappresentato in molteplici forme, dalle immagini sacre alle insegne pubbliche, dagli altari alle opere d’arte ufficiali. Il libro si propone di restituire la complessità e la ricchezza di questo legame, offrendo al lettore uno sguardo approfondito e documentato. I saggi raccolti nel volume indagano l’evoluzione iconografica del santo, dalle origini bizantine alla figura del cavaliere cristiano, attraverso codici miniati, dipinti e sculture. Una sezione è dedicata alla raffinata produzione orafa legata al culto, mentre il percorso si chiude con un’analisi della presenza di San Giorgio nel tessuto urbano e nella memoria collettiva genovese. Completa il volume un ricco apparato illustrativo, con opere di maestri come Cosmè Tura, Ercole de’ Roberti, Carpaccio e Mantegna.

Il volume esplora la città come organismo vivente e spazio dell’immaginazione, un luogo in continuo mutamento dove memoria storica e visioni future si intrecciano in un dialogo costante. Ispirato alla riflessione di Emilio Tadini sul paesaggio urbano, il libro indaga il rapporto tra l’essere umano e l’ambiente costruito attraverso le opere di grandi maestri del Novecento e di artisti contemporanei italiani e internazionali. Le opere di Umberto Boccioni, Felice Casorati, Giorgio Morandi, Mario Sironi, Titina Maselli, Paolo Ventura, Marina Caneve, Yang Yongliang e molti altri delineano una pluralità di sguardi che trasformano la città in un laboratorio di forme, idee e identità. Il volume accompagna il lettore in un percorso articolato in nuclei tematici – dalle trasformazioni del paesaggio urbano alle sue geometrie, dalle tracce della memoria alle proiezioni visionarie – invitandolo a riscoprire la città come spazio simbolico e mentale, specchio delle nostre aspirazioni, paure e possibilità.

Il volume è dedicato a Leslie Krims (Buffalo, 1942), tra i protagonisti più originali e controversi della fotografia americana del secondo Novecento. Con le sue immagini costruite e provocatorie, Krims ha saputo fondere teatralità, ironia e critica sociale, trasformando ogni scatto in un racconto satirico che mette in discussione il mito dell’obiettività fotografica. Attraverso un percorso che ripercorre le sue serie più celebri, la pubblicazione indaga l’universo visionario di un autore che ha fatto della messa in scena un gesto politico ed estetico, capace di svelare le contraddizioni della società americana e, al tempo stesso, di divertirsi a sovvertirne i tabù con un’irriverenza lucida e spiazzante.

Il volume ripercorre la straordinaria carriera di Bert Stern (1929-2013), fotografo che ha rivoluzionato la fotografia di moda e ritrattistica, catturando le icone del suo tempo con un linguaggio visivo innovativo, capace di fondere glamour e intensità emotiva. Il suo celebre servizio The Last Sitting, realizzato con Marilyn Monroe, è divenuto un capolavoro assoluto, simbolo della fragile bellezza e della potenza evocativa della sua arte. Attraverso una selezione delle sue immagini più iconiche, la pubblicazione celebra la capacità di Bert Stern di trasformare ogni scatto in un racconto visivo di grande forza e sensibilità, dove creatività e raffinatezza si incontrano in un equilibrio perfetto, lasciando un’impronta indelebile nella storia della fotografia contemporanea.

Il volume monografico dedicato a Stefano Chiassai accompagna la grande esposizione di Pietrasanta e ne restituisce l’energia creativa, documentando oltre cento opere tra arazzi, disegni, sculture e installazioni. Attraverso un linguaggio visionario e spontaneo, Chiassai trasforma l’osservazione del quotidiano in un universo immaginifico popolato da segni, simboli e figure archetipiche, come gli “Sgorbis” e gli Alieni, metafore della condizione contemporanea. Il libro esplora la straordinaria pluralità della sua ricerca: dagli arazzi realizzati a telaio Jacquard, veri mosaici narrativi di colore e memoria, ai disegni tratti dal Diario di un lockdown, testimonianza di come l’arte diventi strumento di resistenza e rigenerazione. Completano il volume saggi critici, un ricco apparato iconografico e approfondimenti sulle tecniche utilizzate, offrendo al lettore un’immersione totale nell’opera di un artista capace di coniugare intuizione, artigianalità e visione poetica.