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Indro Montanelli, grande giornalista italiano del Novecento, saggista e commediografo di successo, fu prima di tutto un uomo. Se grande, lo giudicherà la Storia. E come tutti gli uomini commise errori e sbagliò scelte, ma sempre nel rispetto dei propri principi e dei propri valori: l’onestà e la correttezza innanzitutto. Fosse stato, Montanelli, di pasta diversa, una pasta intrisa di quell’opportunismo e trasformismo così diffuso, quasi genetico, nello strato erudito e politico della società italiana, forse avrebbe avuto ben altri onori e riconoscimenti. Li ebbe, ma in Italia la gran parte di essi si dimostrarono falsi e non certo di sinistra. Lui ne fu consapevole e gli pesò constatare l’ipocrisia e l’ambiguità della borghesia italiana, sempre pronta a salire sul carro del vincitore. Montanelli non sopportava, diciamo pure che detestava, l’uso immancabile dell’enfasi e della retorica – fascista o antifascista che fosse – con cui la società italiana usava accentuare o sminuire ogni vicenda a seconda del proprio tornaconto. Una società che ha già fatto di lui un dimenticato. Ma non per quella stretta minoranza che ancora in lui si riconosce.

L’alterità e il diverso ci attraggono, allo stesso modo in cui ci affascinano segretamente i mostri. Per secoli genitori ed educatori hanno dato varie forme alla paura dei bambini:    l’Uomo Nero in Italia, l’Hombre del Saco nei Paesi ispanici, il Crocquemitain nel folklore francese. Anche se i mostri – in fondo – hanno una sola caratteristica in comune: non esistono. Ben diversa è invece la vita reale, dove è sempre l’uomo l’essere più terribile, come accade nella Roma del Seicento del dottor Paolo Zacchia e del cerusico Isach Pitigliano, alle prese con gli efferati omicidi di un feroce assassino. In una città violentemente colpita dalla peste, in cui la folla dà la caccia all’untore, l’Uomo Nero si aggira con intenzioni misteriose e tremende e un movente poco chiaro, colpendo con sadismo e violenza i bambini che vivono per strada.

Jacques Maritain è stato uno dei maggiori filosofi cristiani del Novecento. Il suo pensiero consiste in una rilettura novecentesca di san Tommaso d’Aquino, con cui il pensatore francese instaura un rapporto unico e peculiare, dopo la sua conversione avvenuta, insieme a quella della moglie Raïssa, nel 1906. Perfettamente collocato nel solco della “rinascita tomista”, a cavallo tra il XIX e il XX secolo, pratica un “intellettualismo esistenzialista”, che unisce legge morale e legge naturale fondate sulla ragione e sulla Rivelazione divina: un “cammino” che garantisce sia la singolarità della persona che l’oggettività e la permanenza del vero. Perché scrivere di Maritain oggi, in un’epoca in cui i valori etici e morali fondanti della società sembrano essere diametralmente opposti a quelli del filosofo francese? In un tempo “postmoderno”, “postmetafisico”, persino “postfilosofico” e avviato al “postumano”, il saggio riprende la riflessione sui fondamenti dell’etica metafisica e cristiana – in una parola, l’abc dell’umano.

L’opera di Giuseppe Lagrasta, dedicata a Italo Calvino, esplora il mondo delle parole e delle idee, approfondisce la grammatica dell’esperienza e l’immaginazione creativa sottolineando come le azioni narrative intrecciate alla forza generativa della creatività calviniana offrono al lettore la possibilità di viaggiare tra le visioni invisibili e visibili delle nostre realtà collettive. Il saggio evidenzia il lavoro dello scrittore ligure quando si declina nella sua visionarietà, nella sua lotta contro l’opaco e il senso pulviscolare del mondo, recuperando il respiro della vita scritta e della vita non scritta. Il viaggio narrativo e romanzesco di Italo Calvino attraversa i modelli della narrazione novecentesca, abitando, con maestria narrativa e magistrale polifonia, non dimenticando il senso della Storia che insieme abbiamo abitato.

"Chiudi gli occhi, fai un respiro profondo e poi trattieni il fiato, rimani in apnea per qualche secondo. È il modo più rapido per dimenticare solo per un attimo il mondo che c’è intorno, soffermarsi e ascoltare. Il rumore di fondo che emerge da questo silenzio dei sensi è come lo scorrere di un fiume, specchio della tua anima in movimento. Ora fruscio placido e tranquillo, ora impetuoso fragore che esonda nel pianto più disperato, un dolore fisico e reale: gli effetti di questi moti interiori sono evidenti e tangibili. Tuttavia, l’aspetto misterioso della naturale inclinazione di questo fiume è la sua origine: dov’è la fonte? Che aspetto ha? È forse una timida sorgiva di legami stabili ed esempi da seguire? Un lago di traumi irrisolti e traboccante solitudine? Una cascata assordante e inesorabile di rabbia nei confronti di una famiglia assente, istinti repressi sin dall’infanzia? Un romanzo di formazione che racconta il percorso di crescita di un ragazzo alle prese con un disagio incomunicabile e una famiglia poco conciliante; un’analisi retrospettiva per riconoscersi e porsi delle domande."

Il pittore Giovanni Battista Costantini (Roma 1872 - 1947), oggi quasi completamente dimenticato, negli anni compresi tra il 1915 ed il 1921 dipinse un ciclo pittorico di 45 quadri (Le lacrime di guerra) nei quali con la più cruda realtà descrisse, come un moderno fotoreporter, tutti gli orrori della Prima guerra mondiale. La serie, dopo molte controversie, (il pittore non voleva partecipare, vista l’opposizione preconcetta dei nazionalisti – allora già vicini al governo - che lo avevano tacciato di disfattismo) venne esposta alla Prima Biennale di Roma (1921) ove, contrariamente alle aspettative, ottenne un grande successo di pubblico. Uno dei quadri più belli, “La Spia” vinse così il Primo Premio della Biennale, assicurando al pittore una fama insperata, che gli procurò importanti commissioni. Una quindicina di quelle opere, sono state ora ritrovate dal gallerista Alessio Ponti che ha deciso di metterle in mostra, a monito ancora oggi valido- con i conflitti che ci circondano- della bestialità di tutte le guerre.

In una ideale scala graduata da zero a dieci, l’umanità, specialmente occidentale, è, oggi, vicina al grado zero. L’uomo non è più il consumatore in senso classico, ma sono le cose a usare lui: la macchina (intesa come tecnologia applicata e come, già negli Anni Cinquanta del Novecento, profetizzavano i romanzi ‘distopici’ Il mondo nuovo di Huxley, 1984 di Orwell e Fahrenheit 451 di Bradbury) ha superato l’uomo, che di essa è diventato protesi. Di fronte a questo fenomeno, è facile comprendere che, a questo punto, il tempo residuo per intervenire, a monte, con politiche scolastiche, sociali e familiari, serie e rigorose, non è più molto. Solo la cultura, personalmente coltivata e acquisita, può ancora salvare la nostra intelligenza e la nostra autonomia di giudizio.

Uscire per strada con la paura di non tornare più a casa. Guardare con sospetto gli amici, i familiari, i vicini di casa. Sentirsi soli, abbandonati da uno Stato che non può o non vuole intervenire. Questi sono gli obiettivi della strategia della tensione, che mira a distruggere le certezze del popolo per sconvolgere l’assetto politico di una nazione. Un disegno oscuro e crudele che, però, non è fatto soltanto di menti sanguinarie e criminali: c’è bisogno di esecutori, uomini e donne inconsapevoli, ma pericolosamente obbedienti. Goffredo è un ragazzo di appena 18 anni, che condivide ideali di estrema destra con il suo gruppo di amici, ma disapprova e rifiuta ogni tipo di violenza. Un tragico inganno, però, lo porterà a tradire i suoi ideali e causare morte, sofferenza e dolore. È così, tramite persone ingenue e buone, ma troppo fragili per rifiutare gli ordini dei superiori, che esplodono le bombe: nel rumore assordante dello scoppio, nel silenzio assurdo e angosciante che arriva subito dopo, trionfa la banalità del male.

Mono no Aware – Ú見見Îäî見ì – è un concetto difficilmente traducibile della cultura giapponese che esprime un modo empatico, compartecipante e sensibile di percepire il mondo e di vivere in esso. Nello specifico rappresenta la partecipazione e adesione emotiva alle cose attraverso un coinvolgimento tale da dischiudere un disvelamento profondo del mondo in tutto il suo dolore e la sua unicità dovuta all’impermanenza fugace di ogni momento, la quale rappresenta l’unica cosa davvero costante. È questa la bellezza, delicata e devastante, interiore e spirituale; perché, nonostante il dolore, tutto è meraviglioso, tutto è pieno di potenza vitale, sebbene sia effimero. La miscela emotiva caratteristica del Mono no Aware è una commistione intensa e soave di tristezza, gioia, serenità, malinconia, in preda alla quale l’individuo accetta l’esistenza e smette di percepirsi come distinto dal contesto stesso che contempla.

Ti leggerò tutte le favole ti canterò tutte le canzoni ti mostrerò i campi di grano e insieme impasteremo il pane.

"Se vuoi capire l’anima che hai" è, prima di tutto, un ricco studio del repertorio di uno dei più grandi cantautori italiani: Francesco Guccini. Guida generazionale, maestro delle parole, amichevole compagno di viaggio, Guccini è stato in grado di tracciare una via diversa, intima, personale, nel cantautorato italiano, lasciando un segno indelebile nelle menti e nei cuori di chi ha avuto la fortuna di incontrare la sua arte. Un approccio nuovo, il suo, capace di esaltare gli eroi della letteratura e quelli, meno celebrati, della vita quotidiana, le cui gesta riecheggiano nei suoi brani intrisi di una poesia reale e familiare. Offrendo un percorso attraverso le sue canzoni e i loro temi,  "Se vuoi capire l’anima che hai" tenta di indagare l’uomo dietro all’idolo che, quasi suo malgrado, Guccini è diventato, affamato com’è sempre stato di offrire, prima all’ascoltatore e poi al lettore, la sua visione del mondo, i suoi pensieri e le sue emozioni. Un vero poeta, umano, in grado di elevare storie di uomini e donne normali a modelli universali.

Nanda Vigo, artista di fondamentale importanza nell’arte contemporanea italiana, ha avuto un ruolo di primo piano nella storia del Design nazionale e internazionale, a partire dagli esordi negli anni Sessanta fino ad oggi. Arte, architettura e design, finalizzati alla crescita personale dell’individuo attraverso la costante stimolazione percettivo-sensoriale generata dalle sue opere, molte delle quali sono state inserite come monadi solitarie ed effimere nello scenario urbano, a popolare la quotidianità dei cittadini. Una ricerca spaziale costante, messa in atto per mezzo della luce, scelta dall’artista come fondamento di tutta la sua produzione. Il saggio esplora e approfondisce le diverse fasi del percorso creativo della designer “Scultrice della Luce”, ne presenta i progetti, il modus operandi, gli artisti che hanno contribuito e le eventuali iniziative correlate per coinvolgere il pubblico e il territorio locale. Prefazione di Elena Pontiggia.