Metilene

Per la scoppiettante vena di manipolatore del linguaggio, per gli effetti nonsensici e parodici, e la malinconica arguzia, Gino Patroni (1920-1992) è considerato uno dei più grandi epigrammisti del Novecento italiano, accostabile a Toti Scialoja. Possiede il genio del nonsense e del gioco di parole (Arrigo Petacco). Un giorno Patroni è con Gianni Brera, assistono a una partita di calcio, entrambi sono giornalisti sportivi. A un certo punto Patroni sussurra all'orecchio di Brera: «Orsù!». Brera si aspetta che all'esortazione segua un concetto. Non segue nulla. «Orsù cosa?!» lo incalza Brera. E Patroni: «Una famiglia di orsi recentemente scoperta in Sardegna». Questa antologia, curata da Monica Schettino che firma anche un'approfondita introduzione, ripropone una scelta significativa di epigrammi di Patroni, freschi e pungenti, attraversati da una comicità irriverente. Rileggere oggi Patroni è ancora un esercizio nutriente che trasmette un godimento irresistibile. Dal nome della prima raccolta di epigrammi di Patroni, Aritmie, prende il nome questa «collana di scritture anomale» che privilegia testi con un respiro comico-surreale, storie bislacche, visionarie, lunatiche.

Matteo Maria Boiardo e l'Inamoramento de Orlando è un racconto del poema e insieme la sua interpretazione critica che si articola in undici capitoli che seguono la trama meravigliosa, dell'Orlando innamorato attraverso le presentazioni dei personaggi e le loro qualità, le implicazioni storiche e le connessioni con le altre opere. Il lavoro di Copioli mostra l'originalità unica di Boiardo, nel trattare e trasformare argomenti classici o coevi, nell'elaborazione dei personaggi, delle loro figure, dei loro nomi, nella tessitura continuamente rimodellata e in fieri delle storie dai mutui riflessi, senza trascurare le connessioni con riferimenti antichi e moderni, letterari, simbolici, filosofici, alchemici e artistici. I disegni originali di Mimmo Paladino, sono un altro strumento di allargamento dell'orizzonte sensibile e interpretativo, un'ulteriore testimonianza delle innumerevoli porte che un poema stratificato e complesso come questo può offrire a chi si metta in ascolto. Come scrisse Ugo Foscolo, «nessun poeta aveva avuto in dote tanto potere d'immaginazione quanto il Boiardo».

Il progetto "Piatto rosso" nasce da un precedente progetto realizzato da Prospero Rasulo nel 1994, dal titolo "Piatto Fax", prendendo spunto da un anniversario che, dal punto di vista iconografico e non soltanto sociale, ha fortemente caratterizzato il panorama visivo di più di una generazione: i 100 anni della Rivoluzione Russa. Nel 2017 si ripete, dunque, l'invito a 100 creativi a suggerire un segno/disegno per un piatto che questa volta, anziché blu, sarà rosso per rappresentare la visione corale di un memorabile evento della storia del Novecento. I 100 piatti avrebbero dovuto essere realizzati dalla Fabbrica Imperial Porcelain di San Pietroburgo. Ma la mostra "Non s'ha da fare!". Una serie di contrattempi, misunderstanding, problemi organizzativi piccoli e grandi ne impedisce la realizzazione quell'anno. I disegni, inviati in digitale e non più via fax, rimangono chiusi nei file del computer. Grazie a Pierluigi Bemporad, al suo entusiasmo e alla sua determinazione nel vedere i piatti rossi realizzati, prende corpo l'idea della mostra al MAD Murate Art District di Firenze, a cura di Prospero Rasulo, autore del progetto e la collaborazione di Valentina Gensini, Direttore Creativo di MAD e Patrizia Scarzella.

Si può provare a carpire il segreto dell'esistenza della poesia? La necessità, che abita gli esseri umani sin dalla notte dei tempi, di raccontare le loro storie attraverso questa eccezionale forma in versi? Brunella Antomarini in "La preistoria acustica della poesia" prova ad addentrarsi tra le spire complesse e oscure di queste domande che, per la loro squillante urgenza, avvertibile da chiunque desideri provare a corteggiare i dubbi radicali che segnano l'umanità ("Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?" per utilizzare la formula dell'interrogazione esistenziale di Paul Gaugin), rimandano a tempi antichi, tempi in cui l'esperienza poetica seguiva i ritmi delle formule rituali e il lungo dispiegarsi orale dei componimenti epici. Attraverso una ricerca sui fondamenti antropologici di questo manufatto umano, la paziente osservazione diacronica del valore "sonoro" dei componimenti e gli inevitabili aggiustamenti che segnano il trasferimento di elementi astratti come il ritmo, il tono e la voce sulla pagina scritta, titanico tentativo di concretizzare l'immateriale, Antomarini si lancia alla ricerca delle matrici che collegano il mondo antico della poesia con i suoi stati più evoluti utilizzando strumenti filosofici, linguistici e filologici. Questo «studio antropologico del fenomeno poetico», che si arricchisce nel saggio che chiude il volume, Pensiero poesia scrittura in feedback loop, di un ulteriore tassello di questa ricerca, ovvero il lento e inesorabile processo che ha portato le tecnologie a influenzare le attività creative, sonda ciò che si è perso di quel mondo poetico primordiale attraverso un lavoro di decostruzione di tutte quelle sovrastrutture che allontanano la poesia dal suo stadio originale, l'oralità.

La ricerca di Chiara Bettazzi, declinata in installazioni, fotografie e progetti condivisi, è profondamente legata a una riflessione sull'oggetto d'uso quotidiano rielaborato e rifunzionalizzato attraverso una pratica che viene, da una parte, orientata verso l'usa e getta e, dall'altra, votata all'accumulo compulsivo di oggetti di dubbia utilità. L'oggetto, in questo senso, viene inteso come materia con cui disegnare lo spazio, privandolo dal loro eventuale valore simbolico per trasformarlo e ricostruirlo costantemente. Un processo in cui tutte le sue installazioni possono essere interpretate come un unico lungo lavoro in progress che si sviluppa, si adatta, si declina o si concretizza in funzione di un determinato spazio, riutilizzando più volte gli stessi oggetti fino a quando questi non diventano polvere. Raccogliendo le intuizioni, le urgenze e le problematiche precedentemente sottolineate, la mostra Reverse, pensata appositamente per la Tenuta Dello Scompiglio, prende forma a partire dall'idea di natura morta come genere pittorico, legandolo alla sua genesi e alla sua evoluzione nel corso della storia dell'arte.

Art Odyssey non è un semplice viaggio in barca a vela, ma un'avventura nella storia e nell'arte, lungo le rotte delle civiltà nate sulle sponde del Mediterraneo. Come in un vasto museo diffuso, questo grande bacino conserva antichi templi di fronte al mare, città sepolte che affiorano dagli scavi archeologici, santuari di culti lontani nel tempo, torri e fortezze a guardia delle coste, porti e mercati pieni di colori. Ancora oggi navighiamo con gli stessi venti che in passato portavano verso levante e i fari sui promontori sono sempre il punto di riferimento per tutti i naviganti. Niente è cambiato. Attraverso fotografie scattate in navigazione o nei luoghi esplorati arrivando dal mare, Art Odyssey racconta una storia di mare e di incontri, di splendidi scenari naturali, di memorie del passato e di testimonianze del presente.

Cultori e cultrici della qualità e del "ritorno al mestiere", gli autori e le autrici selezionati mostrano, ancora una volta, la rivoluzione "silenziosa" della pittura, la sua capacità di rinnovarsi nel tempo in forme sempre più attuali, muovendosi sui sentieri accidentati quanto effimeri del presente in divenire. Una rivoluzione "policentrica", in atto tanto in Occidente quanto in Oriente, nel contesto inedito della tecnicizzazione della sensibilità umana che sta mutando profondamente l'esperienza percettiva. Ritrattistica, paesaggio, natura morta, sono solo alcuni degli aspetti della pittura contemporanea analizzati da Cesare Biasini Selvaggi, curatore del volume.

La mostra e il catalogo esplorano differenti prospettive di un percorso generazionale e multidisciplinare attraverso una lettura dell'arte abruzzese emergente progettata per rendere più complesse le narrazioni canoniche su quanto prodotto negli ultimi anni. Gli artisti e artiste selezionati si confrontano con immaginari più ampi rispetto a quelli designati tradizionalmente dal sistema dell'arte, spingendo lo spettatore a vedere il presente da lontano, in un confronto serrato e creativo con le molteplici sfere dell'identità. Da un lato, le autrici e gli autori individuati sconfessano la retorica che considera i "giovani" solo in riferimento alla loro proiezione nel futuro, dall'altro le loro prospettive artistiche dimostrano di abbracciare una temporalità plurale, composta di anacronismi, loop, ciclicità e dimensioni parallele.

Il volume, edito in occasione della mostra presso le Sale Affrescate del Comune di Pistoia, propone il percorso artistico del pittore e scultore da sempre affascinato dal racconto delle Donne Forti della montagna pistoiese. Soggetto predominante dell'opera di Begliomini è infatti la donna madre che vigila sui figli e orienta l'equilibrio etico della famiglia attraverso un'autorità indiscussa e ben accetta. Una figura femminile tipicamente riscontrabile nei primi anni del '900, quando gli uomini erano costretti a partire dai paesi della montagna per la Maremma, la Sardegna o la Corsica per lavorare come carbonai, lasciandole sole con i figli e le tante responsabilità.

Il cofanetto raccoglie i progetti espositivi realizzati negli spazi di Villa Rospigliosi a Prato nel corso del 2021 a cura dell'Associazione ChorAsis - Lo spazio della Visione. Nei loro processi creativi gli artisti, pur senza essersi consultati e certamente stimolati dal luogo, hanno concentrato il loro pensiero sul concetto di tempo, inteso nella sua accezione più ampia: Carlo Colli con il suo progetto evidenzia proprio la transitorietà dei momenti temporali, dove il passaggio da l'uno all'altro non è bloccabile in una monumentalizzazione avvertita come impossibile; il tempo è visto anche come occasione di meditazione sul qui e ora, come accade a Serena Fineschi con l'uso della meridiana o con il confronto gomma verde/prato erboso. Il tempo pare invece essere avvertito come memoria in Myriam Cappelletti, interpretazione declinata particolarmente sull'individuo; l'invito esplicito di Cristina Gozzini sembra invece essere quello di un tentativo di recupero del tempo naturale, dove il passo prende la giusta cadenza. La pubblicazione è composta da 4 volumi, uno per artista, raccolti in un cofanetto con testi di Riccardo Farinelli, Cristina Gozzini, Chiara Lupi e Laura Monaldi.

Dalla mitologia greca, secondo cui la dea Atena avrebbe donato la pianta agli uomini, la storia dell'olivo e dell'olio si snoda fino ai giorni nostri attraverso miti e credenze della tradizione popolare dove talvolta, come nel caso del malocchio, la religione incontra la magia. Oggi la scienza ha rafforzato il nostro legame con la pianta e con i suoi derivati, dimostrandone l'efficacia nella prevenzione e nella cura delle malattie. In particolare l'olio extravergine di oliva, usato in cucina, rappresenta un importante alleato per la salute. Benessere che si unisce al gusto nei piatti della tradizione per i quali nel libro, insieme alle ricette, sono riportate anche considerazioni storiche e dietetiche.

Il lavoro di Francesca Banchelli si focalizza principalmente sui linguaggi della pittura e della performance, articolandosi in installazioni poliedriche che mettono al centro la tematica del tempo come metodo per indagare la potenzialità della narrazione. Una percezione della realtà che diventa ricerca dell'armonia nel mondo e presa di coscienza di questi rapporti a livello fisico, emotivo e psicologico. Il progetto Afternoon, sviluppato nella Tenuta Dello Scompiglio di Lucca nel 2023, è costituito da una serie di grandi teli sospesi che accolgono disegni ai margini della figurazione: intrecci di corpi singoli che formano corpi collettivi, abbozzi di figure umane imprecisate e corridoi silenziosi che si stagliano su un pavimento ricoperto di cenere. All'interno i performer abitano liberamente lo spazio lasciando tracce dell'impercettibile con atteggiamenti lenti e contorti, producendo incontri casuali con gesti corrisposti e sovrapposizioni di corpi che portano allo sdoppiamento, alla differenza, per poi tornare al loro stato di solitudine iniziale. Una situazione in cui convivono senza paradossi la complessità e la leggerezza della presenza umana sulla Terra.