Silvana

Nuovo numero di Arte Medievale, rivista specialistica internazionale dedicata alla critica dell’arte del medioevo, pubblicata in coedizione con l’Università La Sapienza di Roma. Testi in lingua originale.

L’ambizioso intento di questo volume è mettere in luce lo straordinario contributo di Martine Franck, figura femminile di spicco nel panorama fotografico dell’ultimo trentennio del Novecento. Oltre a rendere omaggio ai suoi scatti più celebri dedicati all’infanzia, alla vecchiaia e al teatro, alcuni dei quali sono divenuti vere e proprie icone, l’opera apre uno squarcio su intere parti della sua produzione rimaste finora nell’ombra, incentrate sulla rappresentazione del lavoro, dei movimenti femministi, o della società dei consumi. Questa nuova sintesi rivela al grande pubblico un’artista dal sincero spirito umanista, profondamente impegnata nel suo tempo, per la quale la macchina fotografica ha rappresentato un mezzo privilegiato per posare il proprio sguardo sugli altri.

Il volume, il cui titolo è un omaggio alla figura e all’opera di Alexander von Humboldt, è dedicato alle spedizioni scientifiche e in particolare al viaggio della fregata Novara – veliero della Marina imperiale austriaca – condotto fra il 1857 e il 1859 sotto l’egida di Massimiliano d’Austria con lo scopo di effettuare la circumnavigazione del globo. In un’epoca di scoperte e misurazioni scientifiche, la spedizione segna un passo importante nella storia della conoscenza del mare, della natura e delle culture dei popoli. Il viaggio, inteso come metafora dell’eterno anelito umano a oltrepassare i propri orizzonti di studio e conoscenza, è il cardine attorno a cui ruotano i contenuti del libro, attraverso saggi, immagini e schede dedicati alla spedizione navale e ai suoi esiti scientifici. Il fil rouge della raccolta e rielaborazione dei dati riguardanti il cosmo segna il viaggio della scienza fino ai nostri giorni, e si affaccia sull’indagine contemporanea dell’infinitamente piccolo e sulla vertigine cosmica delle galassie e dei mondi sconosciuti.

Distretto X è un progetto della Direzione Cultura del Comune di Milano che, nelle sue quattro edizioni ha avuto l'ambizione di elaborare pratiche partecipative, sviluppando e applicando tematiche sociologiche per rispondere alle esigenze contemporanee delle realtà culturali. Il volume invita ad immergersi nella ricchezza di esperienza, scoperte e riflessioni nate dal progetto. Esso rappresenta uno strumento di lavoro e un approccio metodologico di coinvolgimento attivo nelle politiche culturali del comune di Milano. Il testo restituisce un percorso che riunisce sfera personale dei partecipanti e territorio, coniugando teoria ed emozione in una danza armoniosa di crescita e arricchimento reciproco. Un viaggio attraverso il tempo e lo spazio, alla scoperta dei tesori nascosti di Milano, accompagnati dalla guida sicura e innovativa di Distretto X. L'obiettivo principale, dal punto di vista delle logiche di relazione tra l'istituzione pubblica e la cittadinanza, è la messa in discussione di alcuni principi cardine della riflessione museologica contemporanea, nell'ottica di definire nuovi legami tra i musei e le comunità di riferimento.

Il terzo numero della rivista “Wunderkammer” propone una riflessione a più voci sul pensiero e le opere di Georges Didi-Huberman, autore di celebri saggi più volte tradotti in Italia e figura di rilievo nel panorama dei Visual Studies. Un suo testo inedito, Lectio Magistralis all’Accademia di Belle Arti di Brera nel marzo 2023, apre il volume. Gli autori, di diversa formazione, mettono in luce l’ampiezza, ma anche la peculiarità della ricerca dello storico dell’arte e filosofo francese e, toccando ambiti differenti della storia dell’arte – dall’antico alla contemporaneità –, dell’estetica e della museologia, si rivolgono all’analisi dei testi dello studioso, oppure traggono ispirazione dal suo approccio metodologico, considerando perfino i rischi in cui può incorrere una meccanica applicazione dell’“anacronismo delle immagini”, quale modello interpretativo teso a rinnovare il campo delle discipline storico artistiche.

Le opere di Luigi Carlo Daneri costituiscono una pagina importante della cultura architettonica italiana. Eppure su di esse e sul loro principale autore esiste una letteratura estremamente limitata, spesso circoscritta a singole architetture. Indagando il tema dell’abitare collettivo come risposta ai problemi edilizi della Ricostruzione, l’inserimento di alcuni suoi edifici nel territorio costiero e il confronto con il maestro di sempre, Le Corbusier, il volume restituisce all’architetto e ingegnere ligure una posizione centrale nel dibattito architettonico del Novecento, riconoscendo nelle sue opere un tentativo di lettura e costante ricerca di quel linguaggio europeo a cui Daneri non si sottrarrà mai, nemmeno a partire dai suoi primi lavori.

Il libro è dedicato a una delle espressioni più tipiche della cultura italiana, l’opera, vista attraverso le vicende e le immagini della vita musicale e teatrale di Parma. Dalla sua nascita, più o meno quattro secoli or sono, l’opera ha espresso l’immaginario e le consuetudini di una parte sempre più ampia della società italiana, fino a giustificare, tra Otto e Novecento, quell’etichetta di popolare che talvolta le viene ancora oggi attribuita. Dalla seconda metà del secolo scorso, dopo aver esaurito la sua evoluzione e la sua carica innovativa, l’opera è rinata, trasformata in patrimonio storico da riscoprire, valorizzare, gestire. La storia dei teatri di Parma è la storia di quella evoluzione, lungo secoli di vicende e trasformazioni, dal Farnese al Ducale, dal Regio al Reinach, per restare ai teatri maggiori. Ma quella storia è anche storia di uomini, ovviamente. È storia di autori, interpreti, realizzatori, gestori, governanti, pubblico e di tutti coloro che da sempre sono i protagonisti di quel complesso fenomeno sociale e culturale che definiamo opera.

Il volume restituisce il progetto di tutela e valorizzazione che tra il 2022 e il 2023 ha riguardato il Palazzo di Giustizia di Milano e il suo patrimonio di opere d’arte. Selezionato nell’ambito del bando Fondo Cultura, promosso nel 2021 dal Ministero della Cultura e reso possibile dal cofinanziamento pubblico e privato, il progetto, intitolato Il Palazzo di Giustizia e le sue opere d’arte nel contesto di Milano razionalista, ha visto partecipare la Corte d’Appello in partenariato con l’Ordine degli Avvocati della città, con la collaborazione della Soprintendenza di Milano. Il lavoro, volto a implementare la conoscenza di un patrimonio collettivo, la sua conservazione e valorizzazione, ha riguardato interventi diversi: il restauro di importanti e rappresentative opere d’arte, la catalogazione dei beni, la creazione di un database conservativo e di un sito, dedicato al patrimonio culturale dell’edificio, sia quello realizzato su diretto coinvolgimento del suo progettista, l’architetto razionalista Marcello Piacentini, sia quello commissionato nei decenni successivi. Il libro, principalmente fotografico, attraverso immagini d’insieme e dettagli racconta in particolare i restauri che hanno interessato il monumento a Cesare Beccaria di Giuseppe Grandi, gli altorilievi in marmo con le tre raffigurazioni della Giustizia, diversamente declinate da Arturo Martini, Romano Romanelli e Arturo Dazzi, e infine i mosaici di Gino Severini, che in funzione di sovrapporta decorano l’ingresso di alcune aule.

Rappresenta il più grande museo italiano, esteso su tutto il territorio nazionale; espressione fra le più importanti dell’identità stessa dell’Italia unita, tuttavia negletta nella sua totalità e complessità: è la statuaria monumentale, commemorativa e pubblica, cui è dedicato questo volume, primo di due. Le statue erette nelle città dall’Ottocento al Novecento, nell’età risorgimentale e liberale f ino alla Grande guerra, restituivano i personaggi, le azioni, i simboli e le allegorie con cui si celebrava la storia e la memoria, un pegno e un lascito alle generazioni successive. Nel tempo sono diventate una testimonianza sia della storia patria, e dunque di vicissitudini e interpretazioni di una vicenda nazionale mai pienamente condivisa, sia del mutare del gusto, degli stili, e più ancora dei valori collettivi. Una vicenda complessa e ramificata di cui si offre in queste pagine un panorama necessariamente né completo né esaustivo, e però impegnato a fornire alcune possibili occasioni di lettura complessiva per un fenomeno unico, considerato un modello da altre nazioni, e pur sempre tipicamente e singolarmente italiano.

A partire dal Settecento, Venezia divenne celebre per il suo ricco e fiorente mercato librario. In seguito alla caduta della Serenissima e alle soppressioni napoleoniche degli enti religiosi, le botteghe dei librai veneziani furono sommerse dai volumi provenienti dalle biblioteche private ed ecclesiastiche. La città lagunare si trasformò dunque in un contesto ideale per il collezionismo dei manoscritti miniati, sia integri che smembrati, un fenomeno al tempo diffuso in tutta Europa e parallelo alla riscoperta del valore dell’arte medievale. In questo contesto nacque la collezione di ritagli e fogli sciolti miniati del Museo Correr di Venezia che qui si presenta al pubblico per la prima volta, una tra le più rilevanti del panorama italiano ed europeo. Formata da oltre trecentosessanta opere, per la maggior parte asportate da preziosi libri corali databili tra il XIV e il XVI secolo e provenienti dalle raccolte d’arte dei veneziani Teodoro Correr ed Emmanuele Cicogna, tale collezione fu riscoperta nei primi anni duemila uscendo da un oblio durato per quasi un secolo. Questo volume intende proporsi pertanto come il primo catalogo della raccolta, offrendo ai lettori ampie schede, che raggruppano le miniature in nuclei omogenei per stile e provenienza, indagandole altresì dal punto di vista storico-artistico, testuale e liturgico. La catalogazione è introdotta da saggi di approfondimento che ricostruiscono e contestualizzano i momenti fondamentali per la storia della collezione, dalle origini legate alle figure di Correr e di Cicogna alle fasi successive di musealizzazione, fino al più recente interesse degli studiosi.

Sorpresa, confusione, desiderio, gioia, paura, attesa, angoscia, felicità, orgoglio, eccitazione, nostalgia, ammirazione, sollievo, tranquillità, imbarazzo... Quante emozioni ispirano un artista? E quante vengono trattenute dentro l’opera? E quali prova uno spettatore davanti a quell’opera? E quante si mantengono nel tempo e quante cambiano e come cambiano? Questi i temi affrontati nel volume che, attraverso le opere di venti artisti contemporanee, indaga le emozioni che scaturiscono dall’arte, in un contesto più ampio che abbraccia la filosofia, la letteratura, l’architettura. Artisti: AES+F, Mat Collishaw, Subodh Gupta, Carsten Höller, Eva Jospin, Kimsooja, Luigi Mainolfi, Masbedo, Annette Messager, Paul Morrison, Luigi Ontani, Tony Oursler, Piero Pizzi Cannella, Laure Prouvost, Pietro Ruffo, Alessandro Sciaraffa, Gregor Schneider, Paolo Scirpa, Nedko Solakov e Adrian Tranquilli.

Il volume, attraverso più di 200 stampe d’epoca, presenta un approfondito e inedito sguardo sull’opera di Brassaï. Ungherese di nascita ma parigino d’adozione, Brassaï - pseudonimo di Gyula Halász - è stato uno dei principali protagonisti della fotografia mondiale, definito dall’amico Henry Miller un “occhio vivente”. Celeberrime sono le sue vedute di Parigi, punteggiate dall’illuminazione pubblica talvolta in combinazione con la nebbia e caratterizzate da un aspetto quasi misterioso, che offrono una testimonianza vivida dell’atmosfera notturna che regnava nella capitale francese dell’epoca. Ma Brassaï viaggiò anche in tutta Europa – in Italia e in Spagna, per esempio – e negli Stati Uniti, lasciando dietro di sé fotografie che portano l’impronta della sua curiosità e del suo stile. Il volume passa in rassegna la sua produzione, dai primi scatti vicini al movimento surrealista, alle iconiche immagini di Parigi nella sua veste gaudente e mondana. Particolare attenzione è riservata ai “graffiti”, immortalati da Brassaï durante le sue esplorazioni dei muri parigini, e testimonianza del suo legame con le arti visive e con artisti come Jean Dubuffet. Infine, sono documentate le fotografie dedicate alla moda, e i ritratti degli amici artisti e dei bambini. Il volume accoglie i testi di Philippe Ribeyrolles, studioso nonché nipote del grande fotografo, e della critica Silvia Paoli, un’intervista a Gilbert Brassaï, moglie dell’artista, e apparati biografici.