Silvana

In occasione del 75° anniversario della Dichiarazione Universale dei Diritti Umani e nel quadro della campagna promossa dall’Ufficio dell’Alto Commissario delle Nazioni Unite per i Diritti Umani, l’Italia presenta una mostra d’arte contemporanea al Palais des Nations di Ginevra, per la quale sono state selezionate importanti opere di sedici artisti italiani di generazioni differenti, che possono implicitamente essere evocative di tematiche connesse ai diritti umani: Stefano Arienti, Rossella Biscotti, Monica Bonvicini, Danilo Correale, Binta Diaw, Irene Dioniso, Victor Fotso Nyie, Silvia Giambrone, Emilio Isgrò, Mimmo Jodice, Elena Mazzi, Francis Offman, Michelangelo Pistoletto, Rä di Martino, Silvia Rosi, Marinella Senatore. Questo volume intende dare un ulteriore contributo alla riflessione sul tema del profondo e sempiterno rapporto tra l’arte e la realtà che ci circonda, indagando la potenzialità intrinseca all’atto creativo di incidere nella società, affrontando questioni relative ai diritti umani, a partire dalla lotta contro ogni forma di violenza e discriminazione.

Tra i codici miniati appartenenti alla Biblioteca Universitaria di Bologna e parte del lascito di papa Benedetto XIV, c’è il “Breviario” manoscritto 343 proveniente dalla certosa di San Gerolamo di Bologna. Privo di studi specialistici, presenta una decorazione di XIV secolo che in questa sede si propone di attribuire al pennello di Nicolò di Giacomo, tra i più importanti artisti dalla seconda metà del Trecento che hanno monopolizzato lo scenario della miniatura entro e fuori Bologna. Attraverso uno studio accurato e interdisciplinare, che ha visto approfondite ricerche anche dei contenuti liturgico-musicali, il manoscritto è risultato un’importante aggiunta alla comprensione della rara fase giovanile dell’artista, ancora dipendente dai modi del Maestro del 1346, ma non priva di incertezze critiche sulle quali il presente intervento apporta nuovi dati e spunti di riflessione. La ricostruzione, inoltre, del contesto in cui il codice venne eseguito e la stessa sua compravendita nel 1365 all’interno delle “reti monastiche” certosine hanno permesso di ricomporre un inedito spaccato storico, comprendente il ruolo della certosa di Bologna nella fondazione di quella di San Lorenzo del Galluzzo di Firenze.

Il catalogo generale di Pietro Cascella (Pescara 1921 - Pietrasanta 2008) raccoglie più di mille sculture, oltre a un centinaio fra ceramiche e dipinti, e dà un’idea esauriente della sua opera. Nella sua ricerca il tempo si confonde: la preistoria si interseca con la storia, l’arcaico con il futuro, il primordiale col contemporaneo. Ma si confondono anche i luoghi e le culture perché Cascella ha guardato all’Occidente megalitico, al Mediterraneo prima dei Greci, al gotico francese, al romanico toscano, all’arte azteca, senza smettere di dialogare con i decenni recenti, da Wotruba a Brancusi, da Lipchitz a Léger, dal Picasso e dal Derain primitivisti a Moore. La sua non è un’arte senza tempo, ma un’arte che racchiude tante epoche. Nei suoi monumenti, poi, a cominciare da quello al Martirio dei popoli polacchi e degli altri popoli, 1958-1967, di Auschwitz e dal Monumento a Mazzini, 1970-1974, di Milano, la scultura non è più solo un oggetto plastico ma diventa un luogo da attraversare, un elemento corale. In tutto il suo lavoro, però, Cascella ha sempre rivendicato “l’intelligenza delle mani”, cioè il rapporto diretto con il corpo dell’opera. “Mi piaceva l’idea di poter toccare un’idea con le mani”, diceva lui stesso, ricordando le ragioni che l’avevano portato a dedicarsi alla scultura.

Il volume, tredicesimo della collana del Catalogo generale dei Musei Civici di Vicenza, è dedicato alle raccolte del XX secolo della collezione, tra dipinti, disegni e sculture. Quest’ultimo catalogo porta a termine la catalogazione generale delle opere appartenenti alle collezioni di Palazzo Chiericati, iniziata nel 2003 con la pubblicazione del tomo avente come argomento la pittura dal XIV al XVI secolo. L'intento di questa poderosa impresa è di documentare il patrimonio d'arte e di cultura conservato nelle raccolte museali vicentine, che costituisco - per usare le parole del mecenate - una "eredità che le generazioni che ci hanno preceduto ci hanno affidato e che noi siamo tenuti e ci impegniamo ad affidare alle generazioni che a noi succederanno".

A distanza di vent’anni dalla prima monografia dedicata all’artista, ecco un’appassionante ricostruzione della complessa carriera pittorica e illustrativa di Serafino Macchiati (Camerino, 17 gennaio 1861 - Parigi, 11 dicembre 1916), che chiarisce per la prima volta, sulla base di una serrata indagine dell’epistolario intercorso tra l’artista marchigiano e il suo mentore Vittore Grubicy de Dragon, certi intimi e misteriosi dettagli biografici riguardanti tanto la primissima formazione sotto gli auspici di alcuni dei più prestigiosi protagonisti dell’Ottocento Italiano, in particolare Antonio Mancini, quanto il formidabile successo attinto successivamente a Parigi, in qualità di illustratore dei romanzi editi da Pierre Lafitte e Alphonse Lemerre. Tra le novità storiografiche più sensazionali di tale ricostruzione domina l’incursione nel terreno dell’orrore e del paranormale, affrontata dall’artista all’epoca della collaborazione con la rivista “Je sais tout”, i cui vertici espressivi coincidono con le illustrazioni ideate per il romanzo di Jules Claretie, Moi et l’Autre.

Istituita nell’aprile del 2014, la Fondazione Ghisla Art Collection è nata con l’intento di mettere a disposizione della collettività un patrimonio artistico di valore internazionale, per essere condiviso da tutti coloro che riconoscono nell’arte una ricchezza indelebile. La collezione è stata creata dai coniugi Ghisla, spinti da una crescente ed eclettica passione per l’espressività artistica. Sfogliando le pagine di questo prezioso volume ci si immerge nel gusto collezionistico di Pierino e Martine Ghisla, che nel corso degli ultimi quarant’anni hanno raccolto capolavori assoluti della Pop Art, dell’Informale, del Concettuale, dell’Astrattismo, del New Dada…, a cui si aggiungono prove di autori emergenti e forse meno conosciuti dal grande pubblico. Tra gli artisti collezionati spiccano i nomi di: Paul Delvaux, Joan Mirò, Pablo Picasso e Carla Accardi, Fernando Botero, Keith Haring e Robert Mapplethorpe, fino a Jan Fabre, Wim Delvoye, Fabrice Hyber e Chiharu Shiota. Oltre ad una conversazione tra la curatrice Angela Madesani e i due collezionisti, il catalogo contiene approfondimenti sulle differenti correnti artistiche collezionate dai due coniugi, suddivise per capitoli tematici.

Dopo undici anni riapre la Civica Pinacoteca il Guercino di Cento con una nuova veste e una nuova chiave di lettura, condotte tuttavia nel pieno rispetto degli spazi architettonici e della storia di questo luogo. L’allestimento si suddivide nettamente in due sezioni: al pianterreno, si narrano le vicende artistiche della città prima e dopo il Guercino; al primo piano, viene descritta la parabola del maestro centese e della sua scuola. Tale partizione si ripete anche nel presente Catalogo generale che, oltre all’apparato scientifico della schedatura delle opere, propone una ricca offerta di nuovi studi sulla storia del palazzo e sulla formazione della raccolta, inediti contributi che vanno a implementare la già vasta letteratura sul pittore. Ha voluto dare sostanza al nuovo corso del museo la città intera, rappresentata dalle istituzioni, dalle associazioni ma anche dai privati che hanno messo a disposizione numerose importanti opere. Anche di queste troviamo nel presente Catalogo i dovuti approfondimenti.

“Chi viaggia senza incontrare l’altro, non viaggia, si sposta” (Alexandra David-Néel). Proprio l’altro è uno dei punti cardinali dell’investigazione fotografica di Joseph De Felici, accanto alla restituzione di quel rapporto di mutua assistenza e riguardosa convivenza instaurato dalle popolazioni autoctone con la Madre Terra. Sin da Sogni d’acqua, il suo approccio è stato caratterizzato da un’intima connessione con la Natura ma anche da una vis etica e di denuncia. Con questo nuovo lavoro, realizzato alle Seychelles, l’autore, lontano dal caos di un Occidente predatorio ed eternamente in conflitto, ha individuato in questi luoghi, praticati e fotografati, qualcosa di necessario e lo ha vissuto dal di dentro. Ha abitato sul posto, ha goduto della vicinanza e amicizia delle comunità stanziali e ha potuto pulire il suo sguardo per sintonizzarlo profondamente su un contesto sodale e solidale. Viaggiatore, filmmaker, Joseph De Felici, rigorosamente autodidatta, spazia tra fotografia concettuale e fotoreportage onirici. Dopo lunghi viaggi nel Sud-est asiatico, la casa editrice Electa pubblica nel 2014 il suo libro fotografico Sogni d’Acqua. Lungo il Mekong e oltre, supportato dalla Nikon. Insieme al fotografo Ferdinando Gatta ha ideato, nel 2018, il progetto artistico Torture, patrocinato da Amnesty International e, nel 2023, Libertà. Entrambi i lavori sono stati esposti a Roma.

Il tema del “sacro” nel lavoro di Francesco Somaini, non solo scultoreo, scaturisce da una riflessione su processi di rigenerazione, trasformazione, morte e rinascita, in cui il mistero e la dimensione di una vitalità ineliminabile sono centrali. Rispetto alle diverse fasi della sua attività creativa in cui emergono soggetti ad esso legati, anche in ragione di simbologie da lui attivate autonomamente o inserite in opere a destinazione liturgica, sono qui presentati alcuni nuclei di lavori particolarmente inerenti a questa idea di “sacro” alla quale Somaini si sente affine. Il lettore è condotto a scoprire la serie dei Martìri del 1958-1961, che declinano il motivo della croce con un approccio di carattere laico-esistenziale legato al clima culturale post-bellico (tema ripreso nel ciclo delle Carnificazioni di un’architettura degli anni settanta), e il Grande Retablo della vita e della morte, un’installazione realizzata tra il 1967 e il 1968, rimasta incompiuta, qui ricostruita per la prima volta sulla base di documenti e disegni recentemente ritrovati.

Enrico Baleri, con la mediazione del fotografo Alberto Moro, offre in queste pagine un omaggio al sorriso delle donne, attraverso una raccolta di ritratti in bianco e nero di signore mature, di ragazze giovani, di bambine. Scatti sapientemente catturati per esaltare la naturalezza dei loro sorrisi, specchio sincero di bellezza interiore. Il racconto di questi sorrisi è arricchito da brani di poesia d’amore e di memoria dedicate alle donne, da disegni di Enzo Mari, da testi di Enrico Baleri. "Sorridere: un gesto semplice, leggero, che non implica fatica. Ma per sorridere è necessario che si sviluppi un’energia interiore, un eros, un movimento che viene dall’anima. E ambiguo il sorriso, come insegna la Gioconda di Leonardo da Vinci. Dedicare un libro al sorriso delle donne diventa un gesto d’amore per le donne, onorarle nell’intimo gesto che le differenzia l’una dall’altra." (Marisa Galbiati) "Anche la definizione di “mettersi in posa”, consueta nel ritratto in studio, qui funziona poco. Perché le “pose” di partenza - lo stare sedute, in piedi, sdraiate - vengono immediatamente distratte da una bimba che tira i capelli, da un cane da tenere fermo, da un abbraccio che sbilancia gli equilibri. Gli autori sanno restituirne fisionomie e atteggiamenti con eleganza, sanno instaurare un dialogo con i loro soggetti che tuttavia non interferisce con la spontaneità delle situazioni." (Giovanna Calvenzi).

Il volume presenta gli esiti di una ricerca condotta dalla fotografa Patrizia Mussa nell’arco di alcuni anni, dedicata ai teatri storici che punteggiano l’Italia. Un viaggio nella storia e nella geografia e, al contempo, nell’immaginario evocato da queste architetture, che hanno ospitato sui loro palcoscenici celeberrime rappresentazioni. Dal teatro greco di Segesta al Teatro Olimpico di Vicenza, a quelli di Sabbioneta e Parma, passando per La Scala di Milano, il San carlo di Napoli, La Fenice di Venezia, il Teatro Argentina di Roma, fino al Teatro Massimo di Palermo. In dialogo con queste architetture, anche una serie di ambienti scenografici di grande suggestione, come la Reggia di Venaria o Palazzo Grimani a Venezia. Il volume accoglie i testi di Antonio Calbi, Mario Cucinella, Giovanna Calvenzi e Gabriel Bauret.