Silvana

Il pranzo reale è certamente una delle immagini più affascinanti della civiltà delle corti. Eppure le opere che lo raffigurano sono estremamente rare e non ne mostrano quasi mai la quotidianità. L’iconografia delle tavole di corte, infatti, rappresenta per lo più pranzi ufficiali, per nozze, incoronazioni o altre cerimonie. Nello stesso tempo la figura del re che mangia è stata oggetto di letture molteplici, che vanno dalle fiabe alle caricature politiche sino al cinema. Allegoria del potere e, insieme, crocevia di visioni diverse e contrastanti, le tavole reali sono, quindi, un tema iconografico particolarmente complesso. Il volume analizza l’immagine e la realtà del pranzo reale attraverso il prisma delle corti dei sovrani italiani, fra Cinquecento e Ottocento, in un arco cronologico che dall’Italia degli antichi Stati giunge a quella, finalmente unita, della Belle Époque. Una grande varietà di opere, tra dipinti, disegni, incisioni, servizi da tavola, arredi, oggetti preziosi, vetri e argenti, ma anche menu storici, per un viaggio nel mondo delle corti tra arte e storia.

Non si immaginava, all’inizio del progetto, di incrementare così tanto la conoscenza di queste opere di Raffaello, già da tempo e profondamente indagate; e ciò sebbene siano state applicate le metodologie più innovative nell’ambito delle indagini diagnostiche non invasive, la Macro X-Ray Fluorescence e la scansione di imaging iperspettrale, capaci di entrare dentro l’opera in maniera assai più potente e dettagliata rispetto al passato e di farci scoprire metodi e tecniche dell’azione creativa dell’artista. Il restauro ha ridato luce alla superficie della Deposizione ma soprattutto ha previsto un trattamento inedito del supporto, tra artigianato sapiente e alta tecnologia, ora capace di trasmetterci costantemente informazioni sul proprio stato fisico e meccanico in rapporto alle condizioni ambientali, un caso esemplare di conservazione programmata. Le indagini storico-critiche hanno infine svelato aspetti particolari, inconsueti o meno noti, esplorando, anche in questo caso, oltre l’immagine.

Il titolo del volume, "L’esca", fa riferimento all’innamoramento che scatta tra collezionista, opera d’arte e artista. Ne sono testimonianza le opere qui raccolte, provenienti dalla collezione privata di Franca Maria Volpin e Valeriano D’Urbano, selezionate da Caterina Riva tra quelle realizzate da artisti emersi sulla scena italiana negli anni novanta. Questa pubblicazione ricrea il dialogo tra le opere scelte e illustrate e permette di attivare, tramite un codice QR, dei file audio che, attraverso curiosi aneddoti dei due collezionisti, ne narrano le frequentazioni con artisti e galleristi. Il testo di Simone Menegoi affronta la specificità di questa collezione privata di arte contemporanea nel panorama italiano.

Essere fotografi di teatro significa far ricorso alle competenze del reporter che insegue una storia, del ritrattista, del creativo, del fotografo di architettura, perché tale è ogni scenografia. Luciano Rossetti queste cose le conosce benissimo per averle sperimentate in tanti anni di attività, sapendo di dover cogliere nella sintesi esasperata di pochi scatti il tempo dilatato di uno spettacolo. La sua fotografia predilige il limitare di quell’istante: della sua ricerca, frutto di paziente attesa e di discreta presenza, rimangono corpi, sguardi, ombre, volti, riflessi. Da fotografo di teatro, gli rende fedele testimonianza. Ma come tale è dunque un cacciatore di attimi. O meglio, di istanti. “Quegli” istanti.

Il mondo è un unico grande organismo vivente, da cui si generano le differenze che sono legate da un’anima universale, l’anima del mondo. Tutto è in perenne rotazione e nella giostra della vita gli opposti si rincorrono, si inseguono, talvolta prevalgono l’uno sull’altro ma non si annullano e non si eliminano a vicenda. Tutto finisce, tutto ricomincia. E le differenze sviluppano energia e creatività nel caleidoscopio, che ruotando senza sosta, è mosso dall’anima del mondo.

Si trovano nelle bancarelle, riemergono dai cassetti e dalle scatole di latta dove erano state dimenticate e sono oggetto di un nuovo tipo di collezionismo – come quello di cui Alidem è protagonista – perché il passaggio dall’indifferenza all’interesse per loro è relativamente recente. Sono le fotografie che i francesi chiamano trouvées e gli italiani anonime, perché di chi le ha realizzate non c’è traccia. In questo saggio, che vuol essere un’analisi di ampio respiro su questo fenomeno, per definirle si propone di usare il termine più appropriato di “fotografie di autore non identificato”, perché qualcuno dietro la fotocamera c’è pur stato: e chissà se è importante cercare di individuarlo o è meglio considerare queste immagini come frutto di una visione collettiva che tutti ci coinvolge.

La figura del pittore calabrese Andrea Cefaly, patriota e deputato del Regno d’Italia, è posta in questo libro al centro di una fitta rete di relazioni che coinvolge personaggi politici del calibro di Giuseppe Mazzini e Giuseppe Garibaldi, e pittori di spicco, come Domenico Morelli, Filippo e Giuseppe Palizzi, punti di riferimento della scena artistica del secondo Ottocento tra Napoli, Firenze e Parigi. Il libro scandaglia la fucina partenopea del pittore, descritta quale un ritrovo vitale di artisti rivoluzionari nella Napoli risorgimentale. È questa una congiuntura dinamica che la storiografia ha da tempo individuato come potenzialmente rilevante, ma che le direttrici canoniche della storia dell’arte e le gravi lacune documentarie, qui per la prima volta colmate, avevano reso difficile illuminare con precisione. L’atelier di Cefaly in vico San Mattia e l’esperienza della scuola di Cortale risaltano in questo libro come snodi cruciali nella geografia artistica che collega la provincia meridionale al centro napoletano, aprendo a sviluppi che coinvolgono, oltre alla Calabria, anche gli Abruzzi e la Lucania. Si ricostruisce così la storia di un’inedita sinergia tra il mondo dell’arte e quello della politica, che si articola intorno a un autentico protagonista, per quanto poco noto, del processo di unificazione nazionale.

Il volume raccoglie gli atti del convegno «D’Annunzio e Dante» e propone gli ultimi studi sul rapporto tra il Poeta della Divina Commedia e il Poeta di Alcyone e del Piacere. Nella produzione letteraria di D’Annunzio i riferimenti alla poesia di Dante sono ampiamente diffusi e documentati con precisione dai relatori del convegno e nella “piccola antologia dantesca” a corredo del volume. Per quanto riguarda invece l’iconografia, D’Annunzio ha voluto nel Vittoriale – la sua ultima opera d’arte in “pietre vive” – due immagini in particolare del Sommo Poeta: il Dantes Adriacus di Adolfo de Carolis, che figura in una nicchia creata ad hoc nella Stanza del Mappamondo, e il busto di Dante di Onorio Ruotolo, che campeggia accanto a quello di Michelangelo di Napoleone Martinuzzi nel Portico del Parente, entrambi posti a suggello della poesia e dell’arte.

Torino: otto circoscrizioni, trentaquattro quartieri, oltre 836.000 abitanti. Un solo comune denominatore: l’Arte Nuova, il Liberty. Declinata, caso singolarissimo se non unico al mondo, in ogni tipologia edilizia: dal palazzo di pigione alla villa signorile, dalla fabbrica ai bagni pubblici, dalla scuola alla caserma, all’ospedale, dagli impianti sportivi ai monumenti, la nuova architettura coinvolge committenti e artisti e salda in un solo linguaggio scelte politiche e sociali. La prima capitale dell’Italia finalmente unita, che nel 1861 ha 173.305 residenti, nel cinquantenario arriva a 415.667 abitanti la cui dimora sono gli edifici liberty capaci di dare un nuovo volto alla città juvarriana e attuare un formidabile piano di risanamento del centro storico di quella Torino che, nel 1902, è premiata dal formidabile successo della Prima Esposizione Internazionale d’Arte Decorativa Moderna. È la deflagrazione del nuovo linguaggio, l’arte che diviene quotidianità nella città positivista e in rapidissima crescita. È la nascita di un modello di civiltà urbana unico, espressione di un consapevole atteggiamento degli amministratori locali che agiscono all’unisono, per favorire lo sviluppo sociale ed economico del territorio.

La cicatrice è il segno indelebile dello scontro e del dolore, ma non apre ad una nuova consapevolezza, o come dice l’artista: “L’esperienza non serve, sappiamo bene quali sono le cose che ci fanno male e le rifacciamo. Perché in fondo ci piace quell’errore, l’errore è la vita stessa”.

Di Heinrich Tessenow (1876-1950), considerato tra i maggiori architetti tedeschi della prima metà del XX secolo, questa nuova monografia celebra l’opera completa. Il libro si interroga sul significato che ancora oggi hanno i suoi edifici, i suoi scritti e i suoi disegni. Con una ricerca puntuale sull’opera scritta, progettata e costruita, il curatore Martin Boesch, architetto e studioso zurighese, e gli autori che ha chiamato a raccolta, disegnano un nuovo ritratto della figura di Tessenow. Noto soprattutto per i suoi piccoli edifici residenziali per operai, artigiani e classe medio-bassa, Tessenow in realtà padroneggiava con la stessa sicurezza la grande scala e la pianificazione urbana. Il libro si sofferma in particolare sugli edifici iconici di Tessenow, come la casa Böhler di St Moritz, la scuola di Kassel e quella di Klotzsche, la riconversione della Neue Wache a Berlino e la sala con colonne sulla spiaggia a Prorà. Ma i contributi degli oltre trenta studiosi qui raccolti vanno a toccare tutta la produzione dell’architetto tedesco, organizzandola in tre aree tematiche: Costruire nel paesaggio, Progetti per la città, La casa grande e la casa piccola.

Mario Carnicelli (Atri, 1937) ha lavorato come fotogiornalista freelance e inviato speciale, collaborando con varie riviste e quotidiani italiani ed esteri ed esponendo in varie mostre personali e collettive in Europa e negli Stati Uniti. Vincitore nel 2022 del Prix Viviane Esders, la sua ricerca artistica si incentra sui volti delle persone, analizzati con un approccio onesto, sincero, frontale, profondamente umano e spontaneamente indagatore. Il suo metodo è osservare l’individuo così com’è, nella sua natura di essere sociale, appartenente alla storia e alla comunità, con la quale condivide le circostanze che ne hanno segnato la vita e l’identità. Raccontare l’essere sociale non significa tuttavia non indagarne anche la psicologia e le profonde vicende interiori: l’aspetto veramente interessante di questo modo di guardare è che proprio collocando il singolo nella società Carnicelli riesce a parlare anche delle sue storie più intime.