Silvana: Cataloghi di mostre

Il catalogo, edito in occasione della mostra ideata da Vittorio Sgarbi al Padiglione Eataly di Expo 2015, costituisce uno strumento per apprezzare la ricchezza del patrimonio artistico dell'Italia, un vero tesoro costruito sulla varietà. Il volume offre così, del nostro paese, un ritratto comparativo del fare arte nelle sue diverse regioni, nei suoi più riposti distretti e nei più disparati tempi, documentando dal Piemonte alla Sicilia la varietà genetica di alcuni grandi capolavori. Per ogni regione sono selezionate poche opere non necessariamente famose ma di grande significato, accompagnate da un'accurata scheda descrittiva che la inquadra nel discorso.

Il volume documenta la rassegna che, attraverso la quinta edizione del Premio Fabbri, intende celebrare i cento anni dell'Amarena Fabbri. Questo noto dolce italiano, inventato un secolo fa da donna Rachele Fabbri, è lo spunto da cui hanno tratto ispirazione le ventisei artiste che hanno partecipato all'edizione 2015 del Premio. Come afferma Lea Mattarella, coordinatore artistico del Premio "Le artiste sono state chiamate a pensare un'opera che fosse in qualche modo - ma ognuna a suo modo - collegata alla storia della Fabbri. Da un po' di tempo a questa parte non si fa che parlare di arte e cibo, un connubio che certamente offre grandi suggestioni. Il Premio Fabbri per l'arte le ha scoperte ben dieci anni fa. Questa volta siamo arrivati alla quinta edizione. E insieme all'azienda, abbiamo voluto declinarla dalla parte di lei". Il volume, introdotto da Lea Mattarella, presenta le opere delle artiste ed è completato da un testo dedicato alla nascita della celebre "Marena con frutto".

"Il sarto" rappresenta il manifesto della ritrattistica di Giovan Battista Moroni (1520/1524-1579), artista lombardo che ha sempre prediletto i volti della gente comune ai grandi protagonisti della storia. L'opera è una testimonianza commovente della capacità del pittore di restituire con franchezza la realtà fisica e psicologica del modello, tanto che questo capolavoro è una delle icone della National Gallery di Londra, nella quale è conservato dal 1862. Il volume, risultato delle ricerche condotte in occasione dell'arrivo del dipinto a Bergamo, ospite dell'Accademia Carrara, raccoglie una serie di studi che lo analizzano sotto diverse e inedite prospettive.

Lia Pascaniuc è una giovane artista di origini romene che ha eletto il medium fotografico come principale, ma non esclusivo, mezzo di espressione. La sua ricerca esplora le emergenze della società odierna, in primo luogo l'acqua, l'ambiente e i suoi fenomeni naturali. Le trasformazioni irreversibili, i cambiamenti climatici, il global warming sono alcuni degli ambiti di indagine affrontati con la tecnica fotografica e con l'utilizzo di nuove tecnologie multimediali, dalla video-installazione all'ologramma.

La poesia della tavola si mette in mostra in una sequenza di quadri di grandi maestri che, con occhio attento alle liturgie del mangiare, aprono le stanze dell'intimità familiare, riempiono di luce i giardini, scoprono paesaggi fatti di cose quotidiane in cui si riconosce la borghesia italiana in uno scorcio di tempo che va dalla fine dell'Ottocento ai primi decenni del Novecento. Dal De Nittis di Pranzo a Posillipo, del 1879, fino agli artisti del Ritorno all'ordine, e del Realismo magico: la stanza azzurra di Llewelyn Lloyd, la pausa dei pescatori di Amedeo Bocchi, il pasto frugale dei contadini di Carena ma anche la quiete sospesa delle sue figure sul prato immerse nella sacralità di antichi riti. Con Felice Casorati la tavola si trasforma in scenografia di corpi ieratici o malinconici, in bilico tra realtà e finzione. Nella pittura di Casorati, Levi, Donghi, Cavalli, le cose, le forme, sono andate oltre la tavola, stanno nei cibi dell'anima.

Raffaello, uno dei più grandi e amati pittori dell'arte italiana, è il protagonista di questo catalogo, edito in occasione di un'importante mostra ospitata alla Venaria Reale. Il volume racconta la sua prodigiosa carriera artistica ripercorrendo le tappe della sua biografia, le diverse città in cui ha vissuto e le relazioni intessute con i contemporanei, dando in particolare conto dei rapporti con i maestri che hanno avuto un ruolo fondamentale nella sua crescita, ovvero il padre Giovanni Santi, Perugino, Pinturicchio e Luca Signorelli. Il volume approfondisce anche un aspetto poco indagato, illustrando il suo impegno creativo nelle arti applicate, che nel corso del Cinque e Seicento costituirono il veicolo privilegiato per la diffusione e la conoscenza in Italia e nel resto d'Europa delle invenzioni figurative dell'Urbinate: arazzi, maioliche, monete, cristalli di rocca, placchette, smalti, vetri, armature, intagli. Saggi di: Antonio Paolucci, Sylvia Ferino, Gabriele Barucca, Giorgio Marini, Carmen Ravanelli Giudotti, Cristina Acidini, Anna Maria De Strobel e Cecilia Mazzetti di Pietralata, Silvia Ciappi, Maria Rosaria Mancino.

Amos Nattini (Genova, 1892 - Parma, 1985), artista colto e raffinato, divenne celebre per aver illustrato la Divina Commedia, epica impresa editoriale incoraggiata dallo stesso d'Annunzio. Dopo l'esordio genovese e gli anni trascorsi a Milano con gli artisti di "Novecento", Nattini nel 1941 si trasferì a Oppiano (Parma). Ben presto dimenticato dalla critica ufficiale a causa del suo figurativismo e della preferenza per soggetti di sapore storico e mitologico lontani dal predominante astrattismo del secondo dopoguerra, l'artista esprime al meglio la sua poetica nelle tavole di grandi dimensioni. Particolarmente interessanti quelle commissionategli dalla ricca imprenditoria locale che, attraverso le arti, vuole nobilitare il proprio operato recuperando, nello stile classicista e figurativo, un senso di antica tradizione. Per la prima volta proposte insieme, le tavole sono caratterizzate da composizioni complesse che ricordano l'iter creativo delle visioni dantesche. A trent'anni dalla morte di Nattini, il volume racconta, alla luce di nuove indagini d'archivio, la genesi di molte opere, mettendone in luce la classicità di forme e temi, rinnovati sempre con grande e originale inventiva.

Il volume, edito in occasione dell'omaggio allo scultore Francesco Somaini (Lomazzo, 1926 - Como, 2005), allestito nel suo paese natale nel decennale della scomparsa, è dedicato al rapporto proprio tra lo scultore e la sua città. Nel 1950 l'artista decide, infatti, di aprire a Lomazzo il suo atelier, in cui lavora poi fino alla morte, ingrandendone via via gli spazi per ospitare anche i modelli dei monumenti di Milano, Baltimora, Atlanta, Rochester, Bergamo, Kumamoto, Montano Lucino, e dotandolo delle attrezzature e delle tecnologie che caratterizzano nel tempo la sua attività creativa, dalle fucine per la lavorazione della cera alla cabina per la sabbiatura. Il volume documenta alcuni luoghi significativi della città a lui legati, e approfondisce alcune tematiche sulla sua produzione scultorea.

Il volume, realizzato in collaborazione con l'Archivio Francesco Somaini, rende omaggio al grande scultore lombardo (Lomazzo, 1926 - Como, 2005) nel decennale della sua scomparsa. Attraverso la presentazione di un'ottantina di fogli, datati tra il 1945 e il 2000, rappresentativi delle varie fasi creative dell'artista e delle diverse tecniche, si sollecita la riflessione del pubblico sulla sua produzione grafica, sempre di altissima qualità, sottolineandone la funzione in relazione alla pratica scultorea.

Il volume documenta una delle stagioni più felici dell'arte italiana, quella che ha visto protagonisti i Macchiaioli toscani, affiancati dagli scapigliati lombardi e da artisti di altre regioni italiane, che hanno contribuito tutti insieme alla definizione di uno stile nazionale. Questo clima artistico viene ripercorso attraverso un'antologia di opere provenienti dalla raccolta della famiglia Jucker, industriali di origine svizzera nonché raffinati collezionisti d'arte, che in diverse generazioni hanno messo insieme un patrimonio artistico di grande valore. Le opere documentate nel volume appartengono al celebre nucleo di Giacomo e Ida Jucker, suddiviso, a partire dal 1974, in diverse collezioni private, e quindi qui riunito dopo oltre quarant'anni: le opere offrono non solo lo spaccato di un'epoca, ma anche il carattere colto del collezionismo milanese del Novecento. Accanto ad alcuni capolavori della scuola dei Macchiaioli, con opere di Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini, Giuseppe Abbati, Odoardo Borrani, sono presentate alcune gemme di altre culture regionali, rappresentate da Giovanni Carnovali detto il Piccio, Giovanni Segantini, Daniele Ranzoni, Federico Zandomeneghi e Giacomo Favretto. Saggi di: Fernando Mazzocca, Giuliano Matteucci, Andrea Di Lorenzo, Augusto Mercandino.

"Alberto Biasi. Start up & Environment" presenta l'opera dell'artista padovano - oggi uno dei più noti e quotati artisti ottico-cinetici italiani - da un punto di vista leggermente diverso rispetto alle opere che lo hanno reso famoso, come le "torsioni", in lamelle di PVC o gli "ottico-dinamici" a sovrapposizione di pattern: pur senza dimenticare il suo lavoro più noto, l'accento critico del curatore Marco Meneguzzo è posto su tutta quella serie di opere iniziali e germinali che ben pochi conoscono e sugli ambienti realizzati tra gli anni sessanta e settanta. L'interesse storico di un artista si misura infatti anche dalla capacità di rivelare processi di pensiero diversi da quelli consueti e riconosciuti, soprattutto se - come nel nostro caso - l'artista è molto noto per alcune tipologie di opere. Così, il lettore si troverà di fronte opere di Alberto Biasi che non sempre "assomigliano" all'Alberto Biasi che si conosce: una sorta di "Biasi segreto", dove si riprende una certa iniziale vena dadaista e ludica presente anche nelle ricerche più propriamente ottico-dinamiche, mentre la ricognizione sui suoi progetti ambientali - come Light Prisms del 1962-1967, Orizzontale ellebi del 1967 ed Eco del 1974 - contribuisce grandemente alla conoscenza dell'arte ambientale italiana e internazionale.