Taschen: Basic Art

Messaggi sfuggenti, leggende celate e verità storiche si nascondono nelle celebri opere del Rinascimento italiano, sotto pesanti strati di foglia dorata e una complessa simbologia religiosa. Nonostante l'antico linguaggio pittorico renda talvolta enigmatiche queste tele, l'analisi accurata e l'interpretazione a opera di esperti fanno rivivere le immagini. Riscoprite i capolavori di un'epoca amatissima grazie a questa affascinante indagine storico-artistica. Tra scene di guerra, amore e vita, nonché tributi alla scienza, le opere del Rinascimento italiano hanno molto da dire, a chi le sa osservare. È questo il compito di Rose-Marie e Rainer Hagen: dissezionare uno per uno i 12 dipinti inclusi nel volume come veri detective, per offrire nuove chiavi d'accesso al passato. Dalla «Creazione di Adamo» di Michelangelo alla «Battaglia di San Romano» di Paolo Uccello, da «San Girolamo nello studio» di Antonello da Messina al «Ritorno di Ulisse» di Pinturicchio, le opere analizzate costituiscono la rappresentazione di un'epoca innovativa e brillante, e provengono dalle più importanti collezioni del mondo, tra cui la Galleria degli Uffizi, il Museo del Prado e la National Gallery di Londra.

L’architetto della straordinaria ordinarietà Da Berlino a Beirut, David Chipperfield (nato nel 1953) aspira a un’architettura che si fondi sulla collaborazione, sulle idee e sull’eccellenza. I suoi edifici sono intesi come spazi di immediata fisicità in cui ciò che sembra ordinario assume una qualità d’eccezione e dove le strutture individuali coesistono con un più ampio concetto di costruzione della città. La visione di Chipperfield ha dato vita a grandi progetti in tutto il mondo, dalla celebre ricostruzione del Neues Museum di Berlino all’Amorepacific Headquarters di Seoul. Le sue architetture hanno vinto numerosi concorsi internazionali e ottenuto numerosi premi e riconoscimenti per il design di eccellenza. Con vivide immagini e testi limpidi questo libro presenta i progetti più importanti di Chipperfield, un architetto che ha sempre guardato con sospetto all’idea di “archistar” e che nondimeno è diventato una star di livello mondiale sulla scena dell’architettura.

Imperatrici bizantine, rivoluzionari francesi e generali spagnoli: i personaggi più significativi della storia ci fissano con fierezza dalle tele di questa incredibile raccolta. Ogni soggetto ritratto emana un'aura di potenza e splendore, che si tratti di una vedova aristocratica vestita a lutto, un politico assassinato o un festoso gruppo di ribelli ucraini. Gli autori Rose-Marie e Rainer Hagen estrapolano le storie e i segreti celati in 13 capolavori di grandi artisti, tra cui Goya, Tiziano, Velázquez e Il'ja Repin. Regali, santi e saggi, gli uomini e le donne ritratti vi riveleranno le loro conquiste e la loro forza d'animo. La qualità delle immagini offerte da Taschen è frutto di una collaborazione con pregiate collezioni appartenenti al mondo intero, come quelle di Bruxelles, San Pietroburgo, New York e Napoli. Grazie alla scrupolosa analisi che accompagna le riproduzioni ingrandite dei dettagli, questo volume è un'impareggiabile indagine storica che rende omaggio ai personaggi più influenti del passato.

Gli istinti primari sfidano le istituzioni. Con Salvador Dalí al timone, il veliero del Surrealismo solcò i mari tempestosi di inizio Ventesimo secolo, le vele gonfiate dal vento dei sogni e dei desideri. Traendo ispirazione dalla psicoanalisi di Sigmund Freud, i surrealisti celebrarono l'inconscio come il detentore della verità, libero dalle inibizioni dettate dagli standard e dalle aspettative proprie della società. Tramite tecniche che vanno dall'ipnosi e le passeggiate notturne fino alla scrittura automatica, artisti come André Breton, Max Ernst, Brassaï, e Meret Oppenheim realizzarono quadri, disegni, testi e film in cui esploravano gli istinti più intimi e primordiali dell'uomo. Ne scaturì una grande quantità di fantasie erotiche, unite a creature misteriose e minacciose, e l'accostamento di oggetti e idee a prima vista contrastanti. Questo volume illustra la genesi e l'enorme lascito del movimento surrealista, che ha esercitato un'influenza profonda e duratura in ambito cinematografico, teatrale, letterario, artistico e filosofico. Tra gli artisti presentati troviamo: Hans Arp, André Breton, Giorgio de Chirico, Salvador Dalí, Max Ernst, Alberto Giacometti, Paul Klee, René Magritte, André Masson, Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Meret Oppenheim, Yves Tanguy.

L'arte così come la conosciamo non esisterebbe senza l'esperienza del Rinascimento. Riconosciuto come uno dei fenomeni che più hanno influito sull'arte, l'architettura, la letteratura e la scienza del Vecchio Continente, questo movimento rivoluzionò la concezione occidentale di realtà e proclamò l'avvento della modernità al termine del Medioevo. Il Rinascimento prese piede in Italia alla fine del XIV secolo e si diffuse in Europa durante i secoli successivi, con floridi epicentri a Firenze, nei Paesi Bassi e in Olanda, e in Germania. Le radici del pensiero rinascimentale si riscontrano nell'umanesimo, sviluppatosi dalla filosofia classica greca: impegnati nelle arti, nella scienza, nella letteratura e nella politica, gli esponenti del Rinascimento dichiaravano che l'uomo era "misura di tutte le cose" e si proponevano di scardinare i limiti dettati dall'educazione medievale per introdurre una rivisitazione dell'epoca antica. Sotto l'influsso dell'umanesimo, gli artisti fecero grandi progressi nello studio dell'anatomia e della geometria fino a raggiungere nuovi livelli di precisione figurativa e a rivoluzionare la rappresentazione prospettica per meglio riprodurre la percezione umana del luogo nello spazio. Pittori fiamminghi, come Bruegel, introdussero nuove tecniche e una sensibilità per i paesaggi e le nature morte, mentre in Germania Dürer e Cranach furono tra i primi a donare alle illustrazioni xilografiche e alle incisioni una teatralità e uno spessore psicologico senza precedenti. Da Firenze a Norimberga, da Venezia a Bruges, questo conciso volume appartenente alla collana Basic Art di Taschen offre una fedele introduzione alla forza innovativa dell'ondata rinascimentale. Attraverso i ben noti luminari del movimento ed esponenti meno conosciuti, il contesto sociale e politico, e gli sviluppi a volte divergenti che lo hanno interessato nel tempo e nello spazio, ci immergiamo in un'esperienza straordinaria, in secoli di trasformazione che hanno generato personaggi geniali, varietà geografiche, e un'enorme quantità di innovazioni per quanto riguarda l'osservazione e la rappresentazione del mondo circostante. Alcuni artisti inclusi nel volume: Fra Angelico, Giovanni Bellini, Hieronymus Bosch, Sandro Botticelli, Pieter Bruegel, Lucas Cranach il Vecchio, Albrecht Dürer, El Greco, Matthias Grünewald, Hans Holbein il Giovane, Fra Filippo Lippi, Masaccio, Michelangelo, Pontormo, Raffaello, Tintoretto, Tiziano, Paolo Uccello, Veronese, e Leonardo da Vinci.

Il visionario spagnolo Santiago Calatrava è celebrato in tutto il mondo come architetto, ingegnere strutturale, scultore e artista. Celebre progettatore di edifici e ponti, deve la sua fama alle sue strutture neofuturistiche in grado di coniugare abili soluzioni ingegneristiche e una teatralità di grande impatto visivo. Dal Complesso Olimpico di Atene 2004 e il Museu do Amanhã a Rio de Janeiro al Peace Bridge di Calgary (Canada), il Ponte Alamillo di Siviglia e il Ponte Mujer a Buenos Aires, le creazioni di Calatrava sono espressione del suo desiderio di ricercare un punto d'incontro tra movimento e stabilità. Forti di una varietà di influssi che si estendono dal design spaziale della NASA agli studi sulla natura di Leonardo da Vinci, le creazioni dell'architetto sono illuminate da un senso di leggerezza, fluidità e aerodinamicità pur mantenendo un elegante equilibrio con l'ambiente circostante. Questa concisa introduzione esplora l'estetica impareggiabile di Calatrava tramite i progetti che hanno segnato la sua carriera, dagli albori fino ai lavori più recenti. Analizzando edifici dedicati alla cultura e alla scienza, luoghi di culto e i numerosi ponti ormai celebri in tutto il mondo, il volume mette in luce un connubio di forme organiche e dinamismo umano, e un futurismo incredibilmente fluido che ci proietta verso il domani.

Italiano di origine, Lucio Fontana (1899–1968) fu scultore, pittore e ceramista, nonché padre fondatore dello spazialismo, un movimento di arte moderna appartenente alla metà del secolo scorso che accostava la sperimentazione artistica con i principi e le teorie scientifiche. Dopo i primi passi a Milano, Fontana si trasferì a Parigi durante gli anni '30, prese parte al gruppo Abstraction-Création e realizzò numerose sculture espressioniste in bronzo e ceramica. Negli anni seguenti raggiunse l'Argentina dove si dedicò alla stesura del Manifesto Tecnico dello Spazialismo, un gioiello modernista che avrà un forte impatto negli anni a venire, figlio del progresso postbellico e incentrato sulla sintesi prionieristica che univa arte, tecnologia e scienza. Tramite lo spazialismo, l'artista tentò di proiettare la forma e il colore nello spazio, in particolar modo con le celebri tele minimaliste lacerate o graffiate, come la serie Concetto spaziale, Attese. Questa fedele introduzione segue il percorso artistico e personale di Fontana, analizzando l'evoluzione delle sue idee avanguardiste, così come la loro profonda influenza sulla performance d'arte e l'arte concettuale.

L’intera produzione dell’architetto e designer italiano Gio Ponti (1891–1979) è caratterizzata da un forte eclettismo. Dopo gli esordi con le ceramiche e le maioliche alla Prima Esposizione Internazionale di Arti Decorative di Monza, si dedicò all’arredamento e al design d’interni progettando ogni genere di struttura, dalle modeste residenze private, agli edifici imponenti, le scuole e gli uffici. Nutriva un interesse particolare per gli spazi abitativi, ed era alla costante ricerca di nuove soluzioni. Gli elementi colorati, spensierati ed eleganti di Ponti erano pensati per donare ottimismo. Fondatore e redattore della rivista domus per quasi l’intero arco della sua vita, non smise mai di reinventare e modellare il suo stile. Questa nuova retrospettiva offre un’introduzione al processo creativo dell’artista milanese, esplorando tramite una panoramica esaustiva le diverse fasi della sua carriera. “L’architettura pura è un cristallo. Quando si raggiunge la purezza, l’architettura è cristallina: magica, completa, esclusiva, autosufficiente, immacolata, assoluta, definitiva, come un cristallo. Potrebbe trattarsi di un cubo, un blocco rettangolare, una piramide, un obelisco, o una torre: tutte forme erette e finite. L’architettura rifugge le forme incomplete... L’architettura ha un inizio e una fine. L’architettura si erge in piedi.” (Gio Ponti).

Il movimento futurista fu fondato nel 1909 da Filippo Tommaso Marinetti insieme ai pittori Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà e Gino Severini, uniti nell’esaltazione del dinamismo e delle macchine. Il gruppo, che crebbe fino a comprendere pittori, scultori, designer, architetti e scrittori, mirava a superare il polveroso establishment culturale per entrare in una nuova era di modernità lucente, vigorosa e purificata. Il futurismo occupa una posizione tanto importante quanto ambivalente nella storia dell’arte. I suoi membri idearono metodi rivoluzionari per trasmettere il movimento, la luce e la velocità, ma non hanno mancato di scatenare controversie per via della glorificazione della guerra e dell’adesione al fascismo. Le loro tele frenetiche, quasi furiose, sono notevoli tanto per l’aggressività virile quanto per la sperimentazione radicale con pennellate, trame e colori volta a registrare gli oggetti in movimento nello spazio. Presentando i protagonisti e le opere principali della ricca produzione futurista, questo volume offre un’introduzione al movimento che si scagliò con vigore contro tutti gli "ismi" del passato, finendo per crearne uno a sua volta.

Fernando Botero è un artista dallo stile insostituibile. Da oltre sessant'anni, il "boterismo" colombiano conquista i collezionisti, le istituzioni artistiche e i luoghi pubblici del mondo intero, grazie alla concezione unica, estrema e formosa del corpo umano che lo contraddistingue. Con le sue creazioni corpulente, Botero è diventato uno degli artisti più conosciuti dell’America latina, e le sue opere sono state esposte in luoghi di spicco di tutto il mondo, compreso Park Avenue di New York e gli Champs-Élysées a Parigi. Questa edizione offre un’introduzione completa a un maestro dell’arte contemporanea. Ripercorrendo la carriera di Botero, dalle prime caricature di animali fino alle più recenti sculture in bronzo su larga scala, il volume analizza l’ampia varietà di influssi riconoscibili nel suo lavoro, da Paolo Uccello all'espressionismo astratto e rende omaggio all'arguzia, l’ironia, la profondità e lo spirito critico che pervadono le sue composizioni, poco importa l’assurdità delle proporzioni dei corpi.

Egon Schiele (1890–1918) è il pittore che ha esercitato l’influenza più duratura sulla scena artistica viennese dopo la conclusione della grande era di Klimt. Dopo una breve parentesi nello stile di Klimt, suo mentore, Schiele mise presto in discussione, con i dipinti aspri e di difficile fruizione, la tendenza estetizzante dell’Art Nouveau viennese, orientato verso la bellezza della superficie. Molti contemporanei trovavano brutti gli espressivi nudi e gli autoritratti di Schiele, con i loro strani movimenti e i colori macabri, perfino moralmente discutibili, una critica che culminò nella criminalizzazione del pittore come “osceno” e nella condanna, nel 1912, a cui seguì un breve periodo di detenzione. Tuttavia, nemmeno i suoi più severi detrattori potevano mettere in discussione il suo straordinario talento nel disegno. Questo libro offre una panoramica concisa della breve, brillante, carriera di Egon Schiele.

Georges Seurat (1859 – 1891) morì a soli trentun anni, ma la sua breve vita fu talmente pervasa di ispirazione, idee e creatività da imprimere una svolta alla storia della pittura in Europa. Concentrandosi sull’interazione tra luce e colore, Seurat analizzò le opere di Delacroix, specialmente durante gli anni all’École des Beaux-Arts di Parigi. I suoi studi lo portarono a sviluppare il concetto di Neoimpressionismo, che a sua volta si tradusse nell’approccio radicale del Divisionismo. Questa tecnica, che diede vita a due delle sue opere più famose, ovvero Bagnanti ad Asnières (1884) e Una domenica pomeriggio sull’isola della Grande Jatte (1886), utilizzava il puntinismo per creare con un procedimento laborioso delle immagini che brillassero di luce e movimento. Questa introduzione alla vita e alle opere di Seurat ci presenta un artista mosso da una profonda necessità di dare espressione alla natura, l’armonia e i piccoli piaceri della vita tramite tonalità e linee dense e dinamiche.