Electa

Il volume è dedicato alla rilettura di due momenti centrali nella storia dell'arte contemporanea che si devono all'entusiasmo della sua ideatrice, Graziella Lonardi Buontempo, fervente animatrice culturale della scena artistica romana dai primi anni Settanta, e all'intuito del giovane Achille Bonito Oliva, curatore scientifico. "Vitalità del negativo nell'arte italiana 1960/70" trasformò nel 1970 il Palazzo delle Esposizioni in un gigantesco contenitore multimediale. Il titolo fa riferimento all'idea dell'arte come calco ("negativo") del mondo, che diviene elemento di modificazione della realtà; vi parteciparono i più importanti artisti italiani dell'epoca, da Gianni Colombo a Gino Marotta, da Enrico Castellania Jannis Kounellis, da Vincenzo Agnetti a Fabio Mauri, da Luciano Fabro a Paolo Scheggi. "Contemporanea", inaugurata nel 1973, è oggi considerata una delle mostre più importanti del XX secolo, per il suo essere stata una delle prime e più grandi esposizioni internazionali a carattere interdisciplinare e multimediale. Articolata in dieci sezioni (arte, cinema, teatro, architettura e design, fotografia, musica e danza, poesia visiva e concreta, libri e dischi d'artista, informazione alternativa), la rassegna intendeva restituire la complessità antropologica della realtà contemporanea, attraverso le sue diverse espressioni.

Il primo studio di Parmiggiani è stato, per sua stesa ammissione, "deserto di nebbia, un paesaggio melanconico, un luogo che mi ha provato e che mi è rimasto dentro molto forte". Un creatore di luoghi raffinati, il cui studio va pensato come una delocazione , una trasformazione dell'ambiente (con l'aria, la nebbia, l'atmosfera che gli appartengono) in un paesaggio della psiche, in un carattere stilistico e in un'impronta intima. Delocazione non come assenza di luogo ma spostamento di esso, sperimentazioni sui processi di impronta e il ritiro delle cose. È un soffio di cenere a generare questi movimenti: distacco che invade lo spazio e lo configura con un'impronta sottile. Nasce così un luogo per il distacco del colore e l'assenza di oggetti dove l'aria è medium e componente essenziale dell'opera. Didi-Huberman, maestro del pensiero francese contemporaneo, affascinato dal soffio che distrugge lo spazio familiare e insieme produce il luogo dell'opera, analizza così il lavoro di Parmiggiani, tracce di una memoria in cui la storia della pittura si imbatte nei fantasmi di Hiroshima.

Maestro della costruzione e dell'artefatto, distinto da una raffinata ironia concettuale, Alighiero Boetti si è cimentato per tutta la vita in una complessa e variegata ricerca. In questo primo appuntamento con l'artista torinese, vengono catalogate le opere degli anni 1962-1971, periodo cruciale e di profonda ricerca. I principi generativi che ne fanno vibrare l'anima, come l'ordine e il disordine, il caso e la necessità, il cercare e il trovare, l'uguale e il diverso, vengono sviluppati, nel suo lavoro, attraverso materiali poveri e procedure semplici "ma di straordinaria limpidezza estetica". È soprattutto nell'etica della produzione artistica che Boetti scardina le regole dell'arte, equiparando l'artista all'artefice: assolvendo alla sola ideazione dell'opera, ne delega l'effettiva realizzazione, per la quale si affida - come nel caso delle celebri Mappe - a mano d'opera esperta. Un progetto di quattro volumi ne raccoglie l'opera intera.

Il lessico artistico di Fausto Pirandello si dispiega e si evolve lungo una griglia di intrecci culturali, di analisi severe e implacabili della natura umana, e insieme di spunti inquietanti e irreali, pur nell'intima temporalità dei suoi personaggi. Uomo e artista non facile, complesso e problematico, scontroso e carico di timidezze nei confronti del mondo esterno, malgrado la tenacia delle certezze circa le scelte della sua vita d'artista, Pirandello elabora la sua vicenda intellettuale partendo da un'analisi della realtà e dalle rappresentazioni emotive di una storia personale, intrecciandole con il confronto e un dialettico rapporto con quanto in Italia e in Europa si andava proponendo nell'ambito della ricerca figurativa e non.

"La Pinacoteca di Brera nei primi anni della sua costituzione fu uno dei musei con il maggior numero di dipinti di Carlo Crivelli, magistrale artista della seconda metà del Quattrocento, di origini e di formazione venete, ma attivo principalmente lungo le coste del mare Adriatico e nel relativo entroterra, dove fu uno dei testimoni, anzi dei campioni, della complessa cultura di tale territorio. Ma per molti di questi dipinti la Pinacoteca non rappresentò che un transito breve a favore di una immediata dispersione sul mercato antiquario internazionale: al giorno d'oggi l'istituzione mussale che possiede più opere di Carlo Crivelli è la National Gallery di Londra. Con questa mostra, che chiude le celebrazioni del Bicentenario della Pinacoteca, si sono riportati a Brera i dipinti dispersi, riunendo pannelli smembrati e riconsegnando quindi per la prima volta ai nostri occhi gli insiemi ricomposti, così da poter anche ricostruire la storia dell'opera del Crivelli in Italia centrale e questo straordinario momento di cultura figurativa tra Gotico e Rinascimento, con l'estensione al raffinato mondo delle arti decorative." (Sabrina Bandera)

Questa mostra racconta la storia degli ordini cavallereschi: una vicenda che attraversa gran parte della storia europea. Essa parte con gli ordini istituiti a Gerusalemme all'inizio del XII secolo per difendere il regno crociato, e poi divenuti così celebri da ispirare leggende che rischiano di sostituire la realtà. Ospitalieri, Templari, Teutonici: coloro che entravano in questi ordini erano e si sentivano, innanzitutto, cavalieri di Cristo. L'esposizione prosegue con gli ordini monarchici, fondati dai sovrani europei a partire dal Tre-Quattorcento, sull'onda delle suggestioni dei romanzi cavallereschi e della Tavola Rotonda. Gli ordini della Giarrettiera e del Toson d'oro sono forse i più celebri fra le decine di ordini di questo tipo, le cui cerimonie hanno rappresentato per secoli il vertice ideale della cavalleria europea. I nobili chiamati a far parte di questi ordini erano cavalieri del re. Il percorso giunge poi all'Europa dei Lumi. Alla fine del Seicento Luigi XIV destinò due ordini, di san Luigi e di San Michele, a ricompensare rispettivamente il merito militare e quello civile. Nel corso del Settecento furono decine gli ordini di merito che vennero fondati in tutta Europa: un percorso che trovò il suo punto d'arrivo nel 1802, con la creazione della Legion d'onore da parte di Napoleone.

Una vita turbolenta, un carattere iracondo e a tratti violento, numerose vicende giudiziarie di cui testimoniano documenti e biografi e la forza straordinariamente drammatica del suo stile, vissuta dai contemporanei e anche dagli spettatori moderni come una novità dirompente, sono all'origine delle interpretazioni che negli anni hanno portato a privilegiare di Caravaggio gli aspetti aneddotici rispetto alla lettura complessiva dell'opera e a suscitare interpretazioni approfondite e spesso in opposizione fra loro della sua opera. Il percorso biografico e artistico del pittore è scandito nel libro in tre tappe: l'apprendistato a Milano e i primi anni romani, a bottega presso il cavalier d'Arpino e altri maestri; l'attività per i grandi committenti e collezionisti a Roma il cardinale Del Monte, i Giustiniani - alla cui amicizia Caravaggio deve probabilmente gli incarichi più prestigiosi come le pale per le cappelle Contarelli e Cerasi; l'omicidio e la conseguente fuga verso Napoli, il soggiorno a Malta presso l'ordine dei Cavalieri, poi la Sicilia, fino al ritorno a Napoli e alla morte solitaria, in circostanze ancora oggi avvolte da qualche incertezza. A dipanare l'intricata matassa delle vicende artistiche e biografiche del pittore l'autrice ha dedicato anni di studio, fin da quando le sue ricerche archivistiche si intrecciarono con la riscoperta, a Dublino nel 1993, di un importante dipinto disperso di Caravaggio, la Cattura di Cristo.

Tra il Sei e il Novecento, nella Edo del mondo fluttuante, vera città nella città, con i suoi personaggi e le sue regole di comportamento: raffinate e spietate a un tempo. Era il celebre quartiere di Yoshiwara, la città senza notte. I due volumetti Seiro nenju gyoji (Annali delle case verdi) furono realizzati nel 1804 con le illustrazioni straordinarie di Utamaro, il più acclamato artista della bellezza femminile di tutta l'arte asiatica, e con il testo scritto dal grande romanziere giapponese dell'Ottocento Jippensha. Versi e immagini, distillati in un prezioso manuale, introducono alla vita delle cortigiane di Edo, l'antica Tokyo, dai primi anni dalla loro vita alle vette della gloria; una guida per chi aspiri a diventare tsujin, raffinato esteta e gaudente della città senza notte. Un vero spaccato nella società proto-moderna di quella che già era, e da oltre un secolo, la più grande metropoli del mondo.

Il volume ripercorre le vicende storiche del "boschetto", il giardino architettonico commissionato dal nobile Pierfrancesco Orsini, detto Vicino (1523-1585), che a questa creazione dedicò tutta la vita. Orsini, condottiero, poeta ed erudito, culturalmente legato ai Farnese, seppe sublimare il suo stato d'animo e trascrivere la sua cultura enciclopedica in un'opera singolare, controversa e densa di simbolismi ermetici e di criptiche allusioni. Il carattere polisemico del giardino riflette l'indole sfuggente ed enigmatica del suo creatore. Il contesto storico, le simbologie, l'imagerie araldica, le allusioni fiabesche, la filosofia ermetica e la cultura astrologico-astronomica, elementi nei quali si riflette l'universo del committente, sono indagati nei numerosi saggi raccolti nel volume, nel quale, si dà finalmente conto dei nomi di gran parte degli artefici attivi nello straordinario cantiere orsiniano. Il Sacro Bosco viene per la prima volta analizzato nei molteplici profili che lo delineano, partendo dal confronto con opere coeve per giungere alle analisi scientifiche sulle specie vegetali e florovivaistiche attualmente e anticamente presenti nel parco. Un ricco apparato iconografico, in gran parte inedito oltre alle recenti scoperte archeologiche, restituiscono con completezza la storia del Sacro Bosco, dove le creazioni scultoree e architettoniche sono mostrate in tutta la loro carica evocativa.