Electa

Accade a volte che la fama di un architetto resti indissolubilmente legata a una sola opera. Questo è il destino toccato a William Lescaze (1896-1969) con il PSFS building, grattacielo realizzato all'inizio degli anni trenta a Philadelphia, in collaborazione con George Howe (1886-1955). Costruito mentre Philip Johnson e Henry-Russell Hitchcock lavoravano alla stesura di "The International Style", il PSFS gli procurò immediatamente una notorietà internazionale. In questo edificio, per la prima volta negli Stati Uniti, le sperimentazioni delle avanguardie erano applicate al grattacielo americano, grazie alla collaborazione fra un professionista di Philadelphia - Howe - e un architetto newyorkese di origini svizzere - Lescaze. Lo studio che il volume documenta, esito di una ricerca svolta presso il Dottorato in Storia dell'Architettura e dell'Urbanistica dello IUAV di Venezia, analizza la storia del PSFS in rapporto alla formazione zurighese di Lescaze e ai suoi contatti con le esperienze dell'avanguardia europea: le ricerche del gruppo "ABC", i primi CIAM, l'opera di Le Corbusier, l'architettura olandese e quella russa. Lo studio dei contatti con l'Europa, oltre a chiarire il ruolo di Lescaze all'interno dell'associazione con Howe, serve più in generale a inquadrare la sua opera nel panorama architettonico degli anni trenta. Questa ricerca, infine, mostra in che misura l'esito tecnologico e formale del PSFS sia legato al contesto di Philadelphia, e quanto invece debba al grattacielo newyorkese.

"Gli esordi in pittura di Gillo Dorfles risalgono intorno al 1935, quando realizza una serie di dipinti eseguiti con la raffinata tecnica della tempera grassa all'uovo; in essi una spiritualità diffusa anima paesaggi misteriosi, dove vitali enigmatiche presenze aleggiano in composizioni simboliche surreali rivelando forze, tensioni, entità quali elementi fondamentali di un mondo sottostante alla realtà tangibile: preludio allo sviluppo di varie forme espressive poi approfondite, dipinte da Dorfles nei decenni successivi. Tutto questo mondo ermetico, misterioso e fantastico che lo caratterizza era già racchiuso nelle tre figure che il giovane Dorfles aveva disegnato a china, a vent'anni, su un foglietto che porta la data 1930: un vero e proprio significativo incunabolo della sua produzione. L'originalità di questo lavoro consiste nel fatto che le tre complesse figure biomorfiche, emergendo da uno sfondo nero, emanano una vitalità enigmatica e coinvolgente: sono i suoi primi curiosi personaggi le cui espressioni e membra al confine tra il mondo animale e vegetale, oltre che umano, sembrano avere la funzione di captare, come antenne tese nello spazio, i rapporti di forza e le tensioni che regolano la vita. Queste creature tipiche della sua espressione artistica nascono, come lo stesso Dorfles ebbe modo di raccontarmi, da un substrato inconscio formatosi nell'adolescenza osservando alcuni disegni analoghi che suo padre si compiaceva di schizzare..." (Franco Bernabè)

I progetti realizzati dall'architetto Antonello Boschi - che del volume è anche autore - sono organizzati in tre capitoli: opere di misericordia (interna), opere di carità (architettonica), opere di virtù (urbana). Boschi compie in tal modo una rilettura del proprio lavoro contestualizzando le opere con riferimenti culturali che ampliano gli orizzonti strettamente disciplinari. I tredici lavori presentati e svolti in vent'anni di attività si offrono, infine, come una continua opera di ri-scrittura, guidata da una lettura meditata di strutture, spazi e luoghi attraverso un lavoro di confronto con la realtà degli edifici. Accumulando tracce, segni e sovrapposizioni Boschi dà vita ad un recupero stratigrafico del costruito. Nel volume ogni progetto è presentato da un saggio che fornisce una chiave di lettura attraverso il racconto, le citazioni, il confronto con architetture simili; suggestioni letterarie, pittoriche e cinematografiche permettono così un'assimilazione fra tessiture murarie e fonti narrative, fra testo lapideo e testo letterario. Il titolo inaugura la collana "Architetti", curata dallo storico e critico di architettura Marco Mulazzani.

Tra le fine del XIX e l'inizio del nuovo secolo si arriva al totale riconoscimento dell'invenzione e dell'originalità come momenti propri dell'iter fotografico, della autonomia e della natura estetica delle sue immagini. Anche la natura meccanica del mezzo e la sua iper-oggettività può essere interpretata ormai come scelta individuale dell'artista. Seguendo così le vicende dell'arte italiana dal 1850 ad oggi, il percorso espositivo si snoda attraverso la focalizzazione dei più significativi momenti storico-artistici e storico-fotografici, soffermandosi e valorizzando artisti e opere selezionati dalle collezioni della Galleria nazionale d'arte moderna e dall'Istituto nazionale per la Grafica. Il volume è generosamente illustrato per dare evidenza visiva all'intensità degli scambi tra i differenti mezzi espressivi; introducono il libro un saggio di Marina Miraglia sulla storia della fotografia, un testo di Silvia Bordini sugli scambi la tra pittura e la nuova tecnica ed un testo di Andrea Cortellessa sul rapporto tra letteratura e immagine. La mostra è incentrata sull'intenso rapporto tra le arti e la fotografia, dagli albori della nuova tecnica, quando la fotografia è utilizzata sia come modello e strumento del lavoro pittorico, sia come veicolo di diffusione della produzione artistica, alla progressiva affermazione come mezzo di espressione autonomo.

Lo studioso americano Nicholas Adams guida il lettore nella comprensione dell'opera architettonica di Gunnar Asplund (1885-1940), il più significativo tra gli architetti svedesi del XX secolo. Fra le sue opere più rilevanti ricordiamo il cinema Skandia e la biblioteca comunale a Stoccolma, il padiglione dell'Esposizione di Stoccolma del 1930 l'ampliamento del tribunale di Goteborg con il quale diede un apporto decisivo al successivo dibattito sui criteri di intervento nei tessuti storici e infine la cappella e il crematorio del cimitero sud di Stoccolma. Partito da un'essenziale neoclassicismo Asplund aderì nel 1930 al Movimento Moderno innestando sulla matrice teorica del funzionalismo la componente romantica della tradizione scandinava. Il recupero dei significati simbolici dell'architettura, l'attenzione ai valori ambientali, la sensibilità nell'impiego delle tecniche e dei materiali, la ricerca continua della perfezione costruttiva e esecutiva sono espressione della cifra dell'opera architettonica di Gunnar Asplund.

Nel suo lungo viaggio la rassegna, collettiva di artisti indiani che racconta i diversi aspetti socio-economici della cultura asiatica, ha di volta in volta accolto nuove opere e messo a fuoco differenti aspetti dell'India contemporanea. L'idea alla base della mostra è racchiusa nel suo titolo: "Indian Highway". Sarà quindi una riflessione sulle potenzialità della popolazione indiana e sulla sua crescita. Partendo dal significato dell'autostrada come elemento di connessione tra i flussi migratori che si spostano dalla periferia alla città, l'idea è quella di raccontare lo sviluppo tecnologico, il boom economico, la crescente centralità mondiale che questa civiltà riveste anche dal punto di vista artistico a partire dagli anni Novanta. Tra gli artisti presenti in catalogo, alcuni già molto noti al pubblico europeo altri ancora sconosciuti ci sono: M. F. Husain, Subodh Gupta, Sheela Gowda, Nikhil Chopra, Nalini Malani e molti altri. A corredo del catalogo una interessante guida ai luoghi e alle istituzioni dell'arte contemporanea in India, elencati per città, con relativi indirizzi web.

Il volume prende in rassegna diciotto cantine per la produzione di vino costruite dal 2007 ad oggi in varie nazioni su progetto di architetti internazionali. Nel saggio introduttivo Francesca Chiorino si sofferma sulla relazione che le cantine instaurano con l'ambiente e sulla capacità degli architetti di decifrare e restituire nel progetto i caratteri del "terroir", inteso come il complesso delle qualità culturali, ambientali, geologiche e morfologiche che caratterizzano il sito. Ad avvalorare l'ipotesi secondo la quale l'indagine del territorio deve avere un ruolo centrale nel progetto architettonico delle cantine è il saggio di Carlo Tosco che, nel rileggere la storia del paesaggio vitivinicolo, pone l'accento sui nuovi modi di pensare l'enologia che hanno una ricaduta sulla difesa dei caratteri locali, delle tecniche artigianali di derivazione contadina, dei vitigni autoctoni, delle aziende minori a conduzione familiare. È oggi in atto un processo di sensibilizzazione che coinvolge l'ecologia, la gestione del paesaggio e la stessa architettura con risultati spesso eccezionali in cui le cantine vitivinicole sono elementi importantissimi di un processo molto più ampio di generale rivalutazione di brani di territorio. I progetti presi in rassegna si trovano per la più parte in Europa e in America e le immagini e i testi a corredo descrivono con particolare cura l'inserimento degli edifici nel paesaggio.

Gli scritti di Francesco Venezia raccolti per la prima volta in questo volume sono destinati alle giovani generazioni di architetti ai quali intendono offrire precisi assunti teorici in opposizione all'imperante banalizzazione contemporanea di forme e contenuti. I testi pubblicati, frutto della selezione di conferenze e lezioni tenutisi in oltre venti anni di attività accademica coniugano presupposti teorici ed esercizio dell'architettura, riproponendo riflessioni sul binomio teoria e prassi, idea e progetto. Il titolo evidenzia i temi cardine della ricerca progettuale di Francesco Venezia. Dall'importanza dell'atto fondativo dell'insediarsi nei luoghi che nell'opera dell'architetto napoletano si esprime con piattaforme, cavità, spazi ipogei in grado di conferire alle composizioni un carattere di universalità; ai temi dello scavo, del basamento, della sottrazione, della costruzione con i vuoti e le sue declinazioni. A questi si aggiungono l'importanza della memoria in architettura e della costruzione del nuovo nell'antico; la permanenza e l'inesauribilità dell'architettura come costruzione della forma nel tempo offre spunti sull'atteggiamento contemporaneo di segnare la differenza e l'incomunicabilità che esiste tra archeologia e architettura. All'interno del volume brevi contributi di Vincenzo Latina e Nicola Scian guidano alla comprensione dell'opera progettata, scritta e costruita di Francesco Venezia.

Lo studioso spagnolo Juan José Lahuerta guida il lettore nella comprensione dell'opera architettonica di Le Corbusier, uno dei maggiori progettisti e teorici dell'architettura del XX secolo. Pseudonimo di Charles-Éduard Jeanneret, Le Corbusier (1887-1965) rientra a pieno diritto tra i maestri del Movimento Moderno. Pioniere nell'uso del cemento armato è tra i padri dell'urbanistica contemporanea. Membro fondatore del CIAM fuse l'architettura con i bisogni sociali dell'uomo rivelandosi geniale pensatore della realtà del suo tempo. Tra le opere più celebri la capella di Ronchamp, le Unité d'habitation di Marsiglia, Nantes e Berlino, il convento domenicano di La Tourette, le opere indiane di Chandigarh e Ahmedabad, il Carpenter Art Centre di Harvard.

Il libro si apre con uno scritto militante di Rita Paris, archeologa della Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Roma, profonda conoscitrice e perciò strenuo difensore di uno degli angoli più incantevoli del patrimonio culturale italiano tra archeologia e natura. Come documentano gli autorevoli interventi divenuti ormai "storici" di Adriano La Regina e Italo Insolera e il pensiero forte di Antonio Cederna, l'Appia antica è stato il più rilevante caso di studio italiano sulla tutela di un paesaggio stratificato: dibattito attualissimo ripercorso da Maria Pia Guermandi nella sua interessante cronistoria dalla stampa al web. Tra le pagine dell'album, alle splendide fotografie antiche, espressione di quel sentimento inafferrabile che conquistava poeti e artisti nelle loro passeggiate "archeologiche" sulla regina viarum, sono associate in un efficace e significativo contrasto le immagini dell'oggi. Grazie ai fotografi di un tempo e alle loro stampe conservate in diversi fondi, archivi e collezioni scopriamo le meraviglie perdute, mentre gli abusi sono altrettanto puntualmente registrati. Non mancano tuttavia i segnali dell'avvenuta rinascita con i risultati degli scavi recenti, attraverso le tante aree strappate all'abusivismo, acquisite dallo Stato, riaperte al pubblico e in corso di valorizzazione: per un destino migliore.

Si aprono gli archivi e i depositi del Museo per raccontare, ad esempio, lo scandalo suscitato dall'acquisizione di un'opera di Burri nel 1959, che provocò un'interrogazione parlamentare, o ricostruire il contesto e le relazioni che portarono ad acquisizioni di inestimabile valore come la serie di opere di Pascali, Medardo Rosso, Capogrossi e molti altri. Nuclei che da soli descrivono l'intera parabola di un artista. Un racconto ricco di notizie e curiosità, filologicamente documentato e illustrato dall'inedito materiale dell'immenso archivio della Galleria: fotografie dell'epoca, documenti autografi, inviti, rassegna stampa, documentazione di allestimenti di mostre, testimonianze, nonché dalle immagini degli scenografici allestimenti che si succederanno negli spazi della Galleria. Cuore del libro saranno le grandi collezioni monografiche della Galleria, qui considerate nella loro completezza, includendo le opere esposte e le opere conservate nei depositi; ciascuno di questi nuclei sarà corredato da una scheda critica, dal regesto delle opere e della ricca documentazione presente negli archivi. Ogni volume avrà un saggio critico di approfondimento inerente a strumenti e problematiche riguardanti la storia del collezionismo della Galleria, quali: i depositi, il restauro, la conservazione, gli archivi e molto altro. Inoltre, ad uno scrittore o critico d'arte sarà affidato un testo di memorie e aneddoti: nel primo volume il filo dei ricordi sarà quello di Lorenza Trucchi...

"...l'impetuosità di Fazzini, l'analisi di Boccioni e la sintesi di Fontana, la meditazione di Licini e la spontaneità di Leoncillo, la costruzione dei Melotti e la sensazione di Novelli assunti come valori che debbono concorrere all'articolazione logica di quell'unità funzionale che è la scultura." Così Giuseppe Appella descrive l'opera dell'artista e amico Giacinto Cerone. Nato a Melfi nel 1957, dove esordisce con mostre e performance, l'artista manterrà un costante legame con la regione d'origine pur trasferendosi definitivamente a Roma nel 1984. Scompare prematuramente nel 2004 interrompendo una ricerca rivolta alla continua sperimentazione di tecniche e materiali - dai gessi alle ceramiche, dal marmo al legno, fino alle più audaci combinazioni con materiali industriali, quali il moplen, il polietilene e il silicone - con i quali ha da sempre instaurato un rapporto emotivo e fisico. Attraverso una significativa selezione di lavori, il catalogo offre l'occasione di conoscerne l'intera opera dal percorso indipendente, oscillante tra suggestioni concettuali e fisicità espressiva e quindi difficilmente collocabile all'interno di correnti e movimenti delineati.