Silvana: Arte

"Quando mi è stato chiesto di fotografare i siti che compongono il Distretto Culturale del Nuorese, ho deciso, per superare l’iper-pensiero attorno a questo lavoro, di cui – da sardo – ho sentito la responsabilità e la gioia delle possibilità, di dare ai siti del Distretto uno strumento di rivalsa rispetto a ciò che la fotografia può fare al paesaggio, poggiando su di esso stracci di senso nuovo e un rinnovato senso di meraviglia. Quello che, di certo, un uomo caduto dall’infinito avrebbe se si posasse qui, dopo averlo potuto soltanto immaginare, questo lembo del Tutto. E sono certo che, con la voce della sua coscienza, direbbe agli esseri in ascolto: esiste, davvero." (Gianluca Vassallo)

La rassegna del Premio Marche del 2023 si propone ancora una volta come un valido strumento di conoscenza e divulgazione dell’arte contemporanea italiana e marchigiana in particolare, attraverso due eventi espositivi organizzati, per questa edizione del Premio, in due diverse città della Regione delle Marche, Urbino e Gradara. La mostra di Urbino, Under Raffaello, offre uno spaccato della pittura italiana più recente, essendo dedicata agli artisti di tutta Italia con meno di 37 anni, l’età in cui è morto Raffaello. Una mostra di sola pittura, per certi versi inusuale in un’epoca che piuttosto professa l’allontanamento dalle discipline e dalle tecniche artistiche più tradizionali. Intorno allo stato dell’arte nelle Marche, a Gradara, è una occasione per riflettere sull’apporto propriamente marchigiano alla storia dell’arte contemporanea attraverso una selezione degli artisti già presenti alla Biennale di Venezia (Regioni d’Italia) del 2011, in occasione del 150° dell’Unità d’Italia, individuando due filoni analitici, Culture, tradizione e linguaggi della contemporaneità, che documenta il rapporto tra letteratura e immagine negli ultimi vent’anni anni a livello regionale, e Il senso degli artisti per la Natura.

Il volume è dedicato alla ricerca visionaria e poetica di Yuri Ancarani (Ravenna, 1972). Le sue opere nascono da un’originale e accurata commistione fra cinema documentario e arte video. Con lo stesso sguardo lucido e imparziale che contraddistingue da sempre il punto di vista dell’artista, il volume si propone di far emergere gli aspetti più autentici della sua produzione, rivelandone le diverse sfumature e i codici linguistici attraverso una vasta selezione di lavori del passato, affiancati da una nuova opera pensata appositamente per il PAC di Milano che ha accolto la mostra in occasione delle quale è stata realizzata la pubblicazione.

Questa monografia, dal ricco repertorio fotografico, si propone di offrire una narrazione visiva del pensiero di Giuseppe Pietroniro, caratterizzata, sin dalle prime opere, da una profonda riflessione sul concetto di Spazio, parola che volutamente più ricorre in questo libro. Nella sua elaborazione artistica confluiscono i frutti degli studi accademici di Scenografia, che ben raccontano la forma mentis dell’artista e l’origine della sua relazione appunto con lo spazio, nonché il contesto in cui l’artista si muove, ovvero la città di Roma, vera e propria “quinta teatrale” alla quale ispirarsi liberamente, tra i rifacimenti delle facciate barocche e le fughe prospettiche classiche. Le opere di Pietroniro, dai tratti anche ludici, aprono allo spettatore un mondo altro, magico: falsano le regole del gioco e arrivano a contraddire il concetto stesso di spazio, determinando una concezione temporale a tratti sospesa, nelle quali raggiunge un compromesso tra un mondo onirico e uno reale, tra metafisico e fisico. Il volume accoglie le riflessioni di Giuliana Benassi, Manuel Orazi, Jelena Todorovic, Davide Ferri, Lorenzo Benedetti, Claudia Gioia, e una conversazione con l’artista raccolta da Francesco Stocchi.

Il Novecento è stato un secolo di transizione tra l’arte ottocentesca e le avanguardie attuali che utilizzano modalità plastiche legate all’era digitale. In Europa sono nati movimenti di grande rilievo, in parte influenzati dalla cultura d’oltreoceano importata dopo la Seconda guerra mondiale. Alcuni pittori, tuttavia, pur essendo attenti a questi cambiamenti, hanno preferito percorrere la strada dell’introspezione senza legarsi a tendenze mainstream o a particolari correnti. Il libro racconta per immagini la progressione espressiva di Bruno Edel, uno di questi pittori, come Bacon, De Staël e Magnelli, che hanno subìto il fascino delle evoluzioni contemporanee per approdare a una sintesi estetica personale sorprendentemente avanzata e attuale.

Il volume è dedicato a una delle figure del mito classico più famose: Orfeo. Sono presentate in queste pagine una serie di opere d’arte che spaziano dall’antichità al contemporaneo, passando per capolavori di grandi artisti come Tiziano, Parmigianino, Rembrandt, Bruegel il Vecchio, De Chirico, Redon, Cocteau, Feuerbach. fino a Melotti e Paladino, solo per citarne alcuni. L’intento è quello di mette in risalto la risonanza che la sua figura ha avuto nella civiltà occidentale, ponendo particolare accento sulle tristi e tragiche vicende che lo legano all’amata Euridice, all’Ade, al potere del suo canto e alla furia delle Baccanti. Un’eco che pervade non solo l’ambito artistico, ma anche musicale, teatrale, filosofico e letterario, come spiegato nei saggi accolti.

"Studi d’artista. Un’avventura culturale" è un progetto editoriale che mette sotto la lente d’ingrandimento dieci studi d’artista romani dove protagonisti sono gli spazi, le opere, i pensieri di figure che vivono nel pulsante presente come presenze, come agenti pazienti del tempo, come testimoni attivi. A ogni artista che rientra in questo volume sono state lanciate, come pietre su una lastra d’acqua, due domande, una sulla sua Idea di Studio e una sulla sua Idea di Roma: il lettore ha modo di leggerne le risposte nelle pagine del libro, che raccontano visivamente luoghi, lavori, oggetti, dettagli, ossessioni, munifici anancasmi che si chiamano vita, martellante e palpitante vitalità. I dieci studi degli artisti proposti in questo reportage sono momenti riflessivi che, nella pluralità dei discorsi, mirano a evidenziare l’importanza del dialogo e la necessità di aprirsi all’aperto dell’altro per dar luogo a conversazioni in cui apprezzare anche la voce di cose tangibili e mute, in cui ascoltare i rumori (gli umori, gli odori) dello spazio che si apre e parla di sé, della sua potenza in atto dove poter scorgere – gustare – la produzione dell’opera in processo, dove far emergere il potere dell’opus alchemicus, dove individuare lo scavo, l’indagine, l’agilità di una mente sveglia che si espone a costanti (nuove) avventure.

Pioniere del writing europeo, 108, alias Guido Bisagni, si è affermato sulla scena internazionale con una pittura astratta che ingloba contraddizioni e mutamenti della nostra epoca. I testi di Domenico Russo sono da considerarsi scritti storici e personali, per una loro radicalità espressiva. In una sequenza fluida hanno l’illuminazione poetica con la quale restituiscono il pathos dell’opera di 108. Ripercorre, l’autore, la parabola artistica attraverso un processo interpretativo netto e profondo, volto a eviscerare le dinamiche dello spirito creativo che anima l’artista.

Le tre età è il primo vero capolavoro che inaugura una nuova stagione nella carriera di Gustav Klimt. L’artista elabora una iconografia personale, capace di fondare uno stile che influenzerà artisti in tutta Europa. Lo straordinario decorativismo degli sfondi, debitore dell’arte musiva ravennate, la capacità di concepire corpi sensuali e seducenti senza rinunciare al realismo sono le cifre di questo linguaggio inedito.

Il catalogo generale di Toti Scialoja (Roma, 1914 - 1998) documenta l’opera su tela e occasionalmente su altri supporti rigidi, e le sculture realizzate dall’artista tra il 1940 e il 1998. L’ampio corpus di opere viene ricostruito partendo dalla collezione dell’artista e da una assortita messe di cataloghi, libri, fotografie d’epoca spesso annotate e documenti (in primis la vasta corrispondenza) raccolti dall’artista nel corso dei decenni, patrimonio della Fondazione Toti Scialoja di Roma e oggetto di un fondamentale e certosino lavoro di studio che ha permesso di rintracciare, oltre a mostre e voci bibliografiche inedite, opere disperse o dimenticate e di ricostru- irne i passaggi collezionistici. A questo si affianca il puntuale regesto biografico, che permette di ricomporre le tante vicende che hanno visto Toti Scialoja protagonista di disparate espressioni nella cultura del suo tempo: in primis artista, ma anche docente e direttore dell’Accademia di Belle Arti di Roma - dove ebbe come allievi molti artisti contemporanei tra i quali Pino Pascali e Jannis Kounellis - e teorico del proprio lavoro, spaziando in più campi espressivi come la poesia, la critica d’arte e letteraria, il teatro. Negli anni Scialoja ha allargato la sua attività alle esperienze più avanzate della ricerca artistica internazionale e il suo ruolo di grande maestro viene oggi universalmente riconosciuto.

La melma è una materia primordiale, qualcosa che cela la vista e proietta sull’ignoto inteso sia come mondo interiore, sia come tensione verso l’esterno. Ho sempre parlato dell’arte come una pesca a mani nude nel fango, dove è possibile trovare ciò che non conosci ma che tenti di riconoscere. La melma richiama per ognuno di noi qualcosa di pasticciato, paludoso, magmatico e merdoso ma rimanda anche ad alcune mitologie per le quali tanto la foschia quanto la melma sono portali che permettono l’accesso al magico e al misterioso. A livello sensoriale ricorda uno stato prenatale, perché è dalla terra, dall’humus, che viene plasmato l’umano. La melma è in antitesi con tutta quella ricerca di una vita fuori dal nostro pianeta, verso le stelle e le altre costellazioni. Non ci curiamo della nostra presenza sulla Terra e cerchiamo già la soluzione da un’altra parte. Nascondiamo il caos, non scaviamo nella melma ma la proiettiamo da un’altra parte.

Il fascino dell’inflatable art si svela in un catalogo che raccoglie le opere di 44 artisti, ordinati alfabeticamente dalla a alla z. Un lavoro pensato per esaltare la ricchezza e le molteplici espressioni estetiche e concettuali dei protagonisti di uno dei fenomeni espositivi più acclamati al mondo: balloon museum con le tre mostre Pop air, let’s fly ed emotionair. Il volume, arricchito di saggi storici e immagini inedite che contestualizzano la portata di questa forma d’arte, invita il lettore a esplorare l’invisibile dell’aria in una nuova, sorprendente dimensione.