Silvana: Arte

Esito di un percorso di conoscenza multidisciplinare, il volume presenta una serie di studi, realizzati da un gruppo di ricerca coordinato dall'Università degli Studi del Molise, su un bene architettonico straordinario come la Certosa di Trisulti nei pressi di Collepardo. Sviluppato nell'ambito del progetto Verifica sismica dei musei statali promosso dal Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo e da ARCUS S.p.A. in collaborazione con il Consorzio interuniversitario ReLUIS, tale percorso, nato nell'ambito delle politiche di prevenzione e mitigazione del rischio sismico, permette inoltre una rilettura del monastero certosino, grazie anche a contributi di studiosi che hanno affrontato il tema delle Certose, non solo in Italia, mediante sguardi incrociati e contestualizzazioni più ampie. Multiforme ed eccezionale palinsesto architettonico inserito in un paesaggio incontaminato, il complesso monastico della Certosa di Trisulti, con la chiesa, le celle, i chiostri, la farmacia, il refettorio, le grange e le altre strutture funzionali, rivive nei rilievi e nelle poetiche immagini fotografiche dall'intenso valore evocativo.

Tutta l'Umbria una mostra, curata da Cristina Galassi e Marco Pierini, prendendo spunto dalla storica Mostra d'antica arte umbra organizzata al Palazzo dei Priori di Perugia nel 1907, ripropone la sorprendente ricchezza di forme d'arte che fiorirono in Umbria tra Medioevo e Rinascimento. Nella versione attualizzata dell'esposizione sono presenti più di cento opere di grandi artisti del periodo, provenienti da tutta la regione: dal Maestro del Trittico Marzolini a Gentile da Fabriano, da Antoniazzo Romano a Matteo da Gualdo, da Benedetto Bonfigli a Pier Matteo d'Amelia, per concludere con Perugino e Pintoricchio.

Dipingere ad acqua significa dare vita a "idee trasparenti" su di un supporto, la carta, che per sua natura costringe l'artista a continue sperimentazioni e a un certo grado di imprevedibilità nella resa finale dell'opera. Nicola Magrin, con una paletta di colori straordinariamente essenziale - blu, verde, nero, ocra -, sfrutta magistralmente le potenzialità evocative di questa tecnica ed esplora i silenzi, le luci, la natura e gli abitanti di un paesaggio alpino universale. Legato a doppio filo alla letteratura - sue le copertine di Jack London, Primo Levi, Paolo Cognetti ("Le otto montagne") per Einaudi - lascia trasparire nella sua opera anche profonde suggestioni dalla cultura orientale, sempre in equilibrio tra ispirazione e disciplina, ma anche la sua assidua frequentazione della filosofia, dei maestri dell'illustrazione, del cinema d'autore e dei libri di viaggio e avventura. La carta è legno e dunque nell'acquerello valgono gli stessi principi che permettono alla linfa di risalire il tronco di un albero: diluendo il colore, Magrin sublima tutti questi rimandi nella traccia di un racconto raffinato e assolutamente riconoscibile.

Il futurismo proclamava l’esaltazione della modernità e della tecnica attraverso scelte formali antiaccademiche, in forte polemica con la tradizione. Il tentativo di rinnovamento e di “ricostruzione dell’universo” del movimento incluse varie discipline e, al principio degli anni quaranta, fu pubblicato il manifesto dell’aerosilografia firmato da Renato Di Bosso. Considerate in genere come mezzi artistici distanti dai criteri di sintesi e dinamicità proposti dal futurismo, anche le tecniche incisorie entrarono così nel dibattito artistico riuscendo a esaltare, parimenti alle altre modalità espressive, i principi imposti dal movimento. Per l’adeguata storicizzazione di questo fenomeno, tra i suoi precedenti storici e le ultime manifestazioni dell’attività grafica degli artisti coinvolti, il volume dà conto, attraverso tre momenti tematici, dell’evolversi dell’incisione in Italia tra il simbolismo di ne Ottocento no al secondo conflitto mondiale. La panoramica si completa con le opere di incisori che parteciparono solo brevemente, o condivisero marginalmente, le istanze del movimento futurista, ma che seguirono poi – da Sironi a Carrà, da Viani a Morandi a Martini – autonomi percorsi espressivi.

Attraverso una pittura dominata dai colori della terra e dai sapori arcaici, Zoran Music (Gorizia, 1909 - Venezia, 2005) ci consegna un racconto intimo e personale del suo vissuto, intrecciato ad alcuni momenti che hanno segnato la storia del Novecento. Nato nel mosaico etnico, culturale e linguistico dell'Impero austro-ungarico, Music è un artista nomade per scelta e per costrizione che davanti ai diversi paesaggi del suo peregrinare - dalle colline dalmate a quelle senesi, dai profili rocciosi alle vedute di Venezia - porta avanti "un processo di agnizione di se stesso attraverso i dati visivi" che trasforma queste vedute in un vero e proprio "paesaggio d'anima", come scrive Flaminio Gualdoni. Una ricerca quindi che si avventura a sondare la profondità della coscienza, anche nei suoi abissi più profondi vissuti dall'artista nella tragica esperienza della deportazione a Dachau, per dare vita a una pittura che, per usare ancora le parole di Gualdoni, "non restituisca visioni ma densità affettive di snudato statuto poetico".

Il 13 settembre 1973, a Santiago del Cile, avrebbe dovuto essere inaugurata l'esposizione "Orozco, Rivera, Siqueiros. Pintura mexicana", ma due giorni prima il generale Augusto Pinochet ruppe gli indugi dando il via al golpe che lo mantenne al potere nei diciassette anni successivi. I quadri di José Clemente Orozco, Diego Rivera e David Alfaro Siqueiros vennero quindi imballati in tutta fretta e imbarcati su un volo di Aeroméxico insieme ai famigliari dell'appena destituito Salvador Allende, facendo ritorno nei musei messicani dai quali provenivano. Dopo oltre quarant'anni, il volume documenta la "mostra sospesa", come venne poi definita, attraverso un ampio tracciato di opere dei tre artisti, esponenti di spicco della pittura muralista: opere a contenuto politico che testimoniano, in modo efficace e coinvolgente, la loro poetica, emblema della modernità messicana nel mondo.

Dal disegno all'opera compiuta: con la sapiente guida di Francois Macé de Lépinay, è possibile per la prima volta ricostruire il percorso creativo di Giovanni Battista Salvi, detto il Sassoferrato, che nella Roma barocca visse lontano dai clamori del mondo dell'arte, lavorando con la lena di un artigiano dedito soprattutto alla realizzazione di immagini di devozione che gli valsero il titolo di "pictor virginum". I saggi contenuti nel volume consentono di conoscere come l'artista abbia conseguito il suo stile inconfondibile - muovendo dal contesto locale per poi approdare nell'urbe, dove fu a contatto con Domenichino -, quali furono i committenti che si avvalsero del suo pennello e quale influsso le sue opere abbiano avuto nel corso del XIX secolo sugli esponenti del purismo e sui nazareni. Ne emerge l'immagine di un artista che con straordinaria coerenza fece propria la lezione di Raffaello per conseguire quella idealizzazione che anche nei rari ritratti si esprime attraverso una stesura pittorica meditata e attenta, ben evidente già negli studi preparatori, estranea tanto alla teatralità barocca quanto al naturalismo caravaggesco.

La città di Palermo, all'indomani della dura repressione di Messina, l'eterna sua rivale ribellatasi alla Spagna (1678), vive i fasti di unica capitale del Viceregno di Sicilia. Questo libro dà ampiamente conto dei suoi "giorni d'oro", delle "meraviglie" di una produzione artistica raffinata e di tutto rispetto - d'uso e arredo liturgico o pertinente alla grande decorazione ecclesiastica o privata -, in un momento davvero particolare di felice interazione e connubio fra le arti, quando all'architetto ideatore e di grido, quale fu per esempio Giacomo Amato rientrato da Roma, si affiancano nell'elaborazione di un'opera valenti disegnatori, abili stuccatori, scelte maestranze di orafi, corallari, ebanisti, intagliatori, tutti interpreti congeniali delle sue invenzioni. Primo fra tutti Giacomo Serpotta, cui spettò il grande merito d'aver rivoluzionato l'arte dello stucco, facendolo assurgere alla stessa dignità del marmo, e d'aver dato elegante e candida veste decorativa a chiese e oratori. Amato e Serpotta si avvalsero fra l'altro della sinergica collaborazione di pittori/incisori della portata di un Pietro Aquila o di un Antonino Grano, capaci di tradurre le idee progettuali in schizzi, disegni, elaborati grafici via via sempre più dettagliati da consegnare alle varie maestranze per l'esecuzione. Grazie ai recenti interventi di restauro, tanti monumenti serpottiani in città sono stati restituiti al loro antico splendore: questo libro racconta della fitta rete relazionale di committenti d'eccezione, artisti aggiornati e valenti maestranze che ne hanno reso possibile la realizzazione.