Silvana: Arte

Il 13 settembre 1973, a Santiago del Cile, avrebbe dovuto essere inaugurata l'esposizione "Orozco, Rivera, Siqueiros. Pintura mexicana", ma due giorni prima il generale Augusto Pinochet ruppe gli indugi dando il via al golpe che lo mantenne al potere nei diciassette anni successivi. I quadri di José Clemente Orozco, Diego Rivera e David Alfaro Siqueiros vennero quindi imballati in tutta fretta e imbarcati su un volo di Aeroméxico insieme ai famigliari dell'appena destituito Salvador Allende, facendo ritorno nei musei messicani dai quali provenivano. Dopo oltre quarant'anni, il volume documenta la "mostra sospesa", come venne poi definita, attraverso un ampio tracciato di opere dei tre artisti, esponenti di spicco della pittura muralista: opere a contenuto politico che testimoniano, in modo efficace e coinvolgente, la loro poetica, emblema della modernità messicana nel mondo.

Dal disegno all'opera compiuta: con la sapiente guida di Francois Macé de Lépinay, è possibile per la prima volta ricostruire il percorso creativo di Giovanni Battista Salvi, detto il Sassoferrato, che nella Roma barocca visse lontano dai clamori del mondo dell'arte, lavorando con la lena di un artigiano dedito soprattutto alla realizzazione di immagini di devozione che gli valsero il titolo di "pictor virginum". I saggi contenuti nel volume consentono di conoscere come l'artista abbia conseguito il suo stile inconfondibile - muovendo dal contesto locale per poi approdare nell'urbe, dove fu a contatto con Domenichino -, quali furono i committenti che si avvalsero del suo pennello e quale influsso le sue opere abbiano avuto nel corso del XIX secolo sugli esponenti del purismo e sui nazareni. Ne emerge l'immagine di un artista che con straordinaria coerenza fece propria la lezione di Raffaello per conseguire quella idealizzazione che anche nei rari ritratti si esprime attraverso una stesura pittorica meditata e attenta, ben evidente già negli studi preparatori, estranea tanto alla teatralità barocca quanto al naturalismo caravaggesco.

La città di Palermo, all'indomani della dura repressione di Messina, l'eterna sua rivale ribellatasi alla Spagna (1678), vive i fasti di unica capitale del Viceregno di Sicilia. Questo libro dà ampiamente conto dei suoi "giorni d'oro", delle "meraviglie" di una produzione artistica raffinata e di tutto rispetto - d'uso e arredo liturgico o pertinente alla grande decorazione ecclesiastica o privata -, in un momento davvero particolare di felice interazione e connubio fra le arti, quando all'architetto ideatore e di grido, quale fu per esempio Giacomo Amato rientrato da Roma, si affiancano nell'elaborazione di un'opera valenti disegnatori, abili stuccatori, scelte maestranze di orafi, corallari, ebanisti, intagliatori, tutti interpreti congeniali delle sue invenzioni. Primo fra tutti Giacomo Serpotta, cui spettò il grande merito d'aver rivoluzionato l'arte dello stucco, facendolo assurgere alla stessa dignità del marmo, e d'aver dato elegante e candida veste decorativa a chiese e oratori. Amato e Serpotta si avvalsero fra l'altro della sinergica collaborazione di pittori/incisori della portata di un Pietro Aquila o di un Antonino Grano, capaci di tradurre le idee progettuali in schizzi, disegni, elaborati grafici via via sempre più dettagliati da consegnare alle varie maestranze per l'esecuzione. Grazie ai recenti interventi di restauro, tanti monumenti serpottiani in città sono stati restituiti al loro antico splendore: questo libro racconta della fitta rete relazionale di committenti d'eccezione, artisti aggiornati e valenti maestranze che ne hanno reso possibile la realizzazione.

Il volume, curato da Ginevra Bria, propone le opere di 33 artisti provenienti dalle principali aree culturali subsahariane del continente africano. L'arte africana contemporanea, nutrita dai rapporti fra popoli preesistenti e immigrati di varie origini, dalla mescolanza tra religioni, culture, tribù urbane, generi, etnie e dalla stretta relazione tra natura, tradizione e rituali, riflette la profondità delle proprie radici. Essa rivela oggi una forte spinta alla ricerca, alla conoscenza e alla comprensione fenomenologica delle principali problematiche storico-religiose ed etno-antropologiche del continente.

Jerôme Bel offre un diverso approccio alla danza. In cui i ballerini diventano soggetti parlanti e co-autori delle sue opere. In cui danzatori professionisti e amatoriali provenienti da contesti culturali e sociali differenti hanno accesso, insieme, alla scena. In cui il regno del "reale" e dei suoi soggetti esclusi diventa contenuto e forma di opere coreografiche. Nel percorso di ricerca con il quale intende indagare il carattere e le prospettive dell'atto performativo, il Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci di Prato ha organizzato la prima mostra personale in un museo del coreografo francese Jerôme Bel, a cura di Antonia Alampi. L'esposizione raccoglie una selezione delle sue opere più significative puntando a investigare le varie modalità di traduzione della performance in durata espositiva. È il tempo, più che lo spazio, a caratterizzare questo percorso. Da qui il titolo “76'38" + ∞” che allude proprio alla durata, alla somma delle lunghezze dei video in mostra: un incoraggiamento a osservare i lavori dall'inizio alla fine, norma classica all'interno del teatro, comportamento inconsueto nel museo. Dove ∞ è invece riferito alle innumerevoli possibilità della nuova danza, un loop creato appositamente per il Centro Pecci: un'opera senza fine realizzata per essere esperita dai pochi secondi all'eternità. Il catalogo è un compendio del lavoro di Bel, pensato per fornire un approfondimento generale sulla sua pratica artistica. Oltre a un testo critico di Gerald Siegmund che fornisce una lunga analisi della sua ricerca dagli anni novanta ad oggi e una conversazione con la curatrice in cui Bel discute molti dei problemi teorici che lo hanno portato alla creazione delle sue opere, il libro include immagini in grande formato e schede descrittive della maggioranza dei suoi lavori. Contiene un contributo di Jerôme Bel.

Tessuti, capi d'abbigliamento femminili e maschili, porcellane, accessori di moda, dipinti e incisioni raccontano i continui e significativi passaggi di stile e di gusto che si susseguono nella cultura artistica del settecento. L'accostamento dei tessuti alle diverse tipologie di manufatti e tecniche artistiche offre una visione completa degli stili che attraversano il secolo: bizarre, chinoiserie, dentelies, Revel, solo per citare alcuni esempi della produzione tessile settecentesca. Il dialogo tra oggetti diversi che ne scaturisce esprime l'altissimo livello qualitativo raggiunto dalle manifatture europee del periodo. Presentazioni di Francesco Nicola Marini, Eike D. Schmidt ed Enrico Colle.

Il volume, a cura di Diego Sileo e Lutz Henke, racconta la prima grande antologica in Italia dedicata all'artista concettuale Santiago Sierra. Nato nel 1966 a Madrid, da quasi trent'anni il suo lavoro si muove sul terreno impervio della critica alle condizioni sociopolitiche della contemporaneità. Messaggero della cupa verità del nostro tempo, Sierra è spesso stigmatizzato per le sue azioni intense e ambigue: eppure il linguaggio visivo, il simbolismo complesso ed energico, l'essere calate nella realtà delle persone conferisce loro un raro impatto emozionale. Il catalogo riunisce per la prima volta le opere politiche più iconiche e rappresentative dell'artista dagli anni novanta a oggi e la documentazione di sue numerose azioni realizzate in tutto il mondo.