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Oggetto del manuale sono gli aspetti principali della vocalità italiana, francese e tedesca. Sono prese in esame le forme e i generi fondamentali che attraversano il mondo dell’opera e della musica vocale da camera nel percorso che dal Medioevo porta all’età moderna (Novecento storico compreso). La convinzione che la musica, prima ancora che veicolo emozionale, sia un sistema basato su precisi legami di forma e di struttura, fa sì che gli autori affrontati e alcuni loro brani e testi esemplari vengano analizzati sotto il profilo metrico, retorico e di genere. Il rapporto testo-musica è posto alla base di una visione organica del fatto artistico in cui poeta e compositore collaborano in toto alla resa semantica complessiva. Alle nozioni metriche nelle tre lingue si unisce una considerazione dei generi e delle forme (madrigale, caccia, ballata, sonetto, canzone, Lieder, mélodies, opera, cantata, oratorio), passando attraverso alcune indicazioni di retorica e di retorica musicale per dimostrare la potente funzionalità del discorso poetico e compositivo.

Il presente tomo completa il secondo volume degli "Annali della stampa musicale romana (1651-1670)", nell’intento di rendere accessibile e facilmente consultabile dal maggior numero di punti di vista la messe di dati, spesso inediti, contenuti nella descrizione storica e critico-analitica di Saverio Franchi. Come scritto nel tomo precedente, la morte dell’autore non ha consentito di giungere fino al 1800 con lo stesso criterio dei precedenti volumi che si sono quindi fermati al 1670; per non lasciare inutilizzato materiale prezioso per gli studi e per completare il progetto di Franchi, ho deciso di aggiungere a questo volume di "Indici un repertorio annalistico 1671-1800" che comprende in forma abbreviata le edizioni successive al 1670 fino alla fine del XVIII secolo. Si ripropone pure un saggio, Cartolai editori di musica nel Seicento romano, in cui già nel 2011 Franchi aveva anticipato parte dei risultati di questi Annali: ulteriore tassello, insomma, ai suoi quarantennali studi sull’editoria e sulla stampa musicale romana nel quadro di una storia materiale e sociale della musica.

La lunga e complessa storia di Jeanne d’Arc au bûcher di Franz Liszt ha inizio nel 1845 con la stesura di un brano per voce e pianoforte su testo di Alexandre Dumas père, sottotitolato dal compositore romance dramatique e pubblicato nel 1846 contemporaneamente da Schott a Mainz e da Bernard Latte a Parigi. La romance fu eseguita in prima assoluta dal soprano Elisabeth Ugalde Beaucé il 26 aprile 1846 nella sala Henri Herz di Parigi in occasione di un «grand concert vocal et instrumental» offerto dalla rivista Le Monde musical ai suoi abbonati. Nello stesso periodo sui giornali dell’epoca fu promossa l’edizione a stampa.

Sergio Taddei Sarrazins, Rodiens et Portugaises. L’avventura oltramontana di una villanella meridionale Gianluca D’Agostino Ancora su musica ed ebraismo a Napoli, fino all’avvento del fascismo (II) Daniela Tortora «Vegliate su voi stessi e su tutto il gregge»: Pizzetti e la Scarlatti Francesco Canessa Caruso nella storia della vocalità Simona Frasca Enrico Caruso, un napoletano americano Stefano Valanzuolo La “musica d’insieme” a Napoli: una piccola rivoluzione da camera Tommaso Rossi Musica in emergenza. Appunti sull’attività dell’Associazione Alessandro Scarlatti durante la pandemia.

I Cori e le Orchestre universitarie italiane costituiscono una realtà consolidata del nostro Paese, contribuendo in modo significativo allo sviluppo della produttività culturale delle nuove generazioni. La produzione musicale di valore connessa a tali esperienze, esprime ed interpreta una vocazione antica degli atenei che è quella di essere luoghi di formazione di studenti e delle nuove generazioni a tutto tondo. L’attualità delle Università italiane porta oggi ad un contributo diffuso alla formazione anche in termini di ricongiunzione con la filiera produttiva, le forme di innovazione e sviluppo, di potenziamento della rete economica e sociale del nostro Paese.

Bach non visitò mai l’Italia, ma ne conosceva profondamente la musica, recente e più antica. L’Italia, dal canto suo, guardò a Bach con curiosità, ammirazione, talora diffidenza, più spesso con creatività e interesse. Da Padre Martini agli autori di musica elettronica, dal movimento ceciliano al rock progressivo, dal cinema di Pasolini ai nobili ottocenteschi, la storia della ricezione di Bach in Italia si compone di numerosi e variegati tasselli. Allo stesso modo, la storia dell’interesse di Bach per l’Italia si declina in termini di stile, forme e retorica, di influenze dirette e indirette. Questo volume rappresenta un fermo immagine dell’attuale dibattito attorno al binomio Bach-Italia, un punto di partenza imprescindibile per future ricerche, e una tappa fondamentale della storia della ricezione di Bach in Italia.

Varianti d’autore — espressione che richiama il titolo di alcuni brani commentati nel volume, nonché uno degli argomenti classici della filologia — raccoglie i contributi di vari studiosi sulla musica per organo in Italia dal secondo dopoguerra ai giorni nostri. Si tratta di un periodo estremamente fecondo di stimoli, nel quale trovano spazio i dettami del Concilio Vaticano II, l’organo eclettico ma anche il recupero di una sensibilità per l’organo storico e un rinnovato organo italiano, senza dimenticare gli influssi provenienti dalla composizione dodecafonica e dalle avanguardie. Il repertorio, pur essendo in buona parte pubblicato, tuttavia mancava di uno sguardo d’assieme che offrisse al lettore una sintesi comprendente aspetti analitici, biografici, estetici e, non ultimo, un catalogo delle opere degli autori considerati.

Questo libro raccoglie le relazioni del tele-convegno in dodici puntate «…il suono conquistato e organizzato». Luciano Chailly nel centenario della nascita (Trento, 13 ottobre – 18 dicembre 2020, online), con l’aggiunta di due nuovi contributi. La poliedrica personalità artistica di Chailly è trattata non solo prendendo in considerazione le sue composizioni, ma anche contestualizzandone il senso nel più ampio panorama del suo tempo e nel suo intenso impegno per la diffusione della cultura musicale. Suddiviso in tre sezioni principali, Drammaturgia e vocalità, Prospettive e contesti, Generi opere stili, il volume si conclude con una bibliografia ragionata e un CD allegato contenente perlopiù prime incisioni di opere di Luciano Chailly. Ne deriva il profilo articolato e accattivante di una figura di spicco del secondo Novecento, il cui approfondimento — al di là del dovuto omaggio al compositore — contribuisce significativamente alla conoscenza di un periodo storico cruciale nella storia della composizione musicale.

Paolo Petazzi “Zu dir, du einzig teure...”: Baudelaire e il Largo desolato della Lyrische Suite; Beatrice Birardi Bach on air. La musica del Kantor nella radio di regime italiana; Francesco Bracci Musica pianistica soft; Emanuele d’Angelo Boito e Wagner: intorno alla traduzione del Tristan; Sergio Lapedota Ad litteram, ad sensum: tradurre in musica da Edoardo Sanguineti a Biagio Putignano; Mauro Piccinini Two Weeks in November Stravinsky’s 1922 Stay in Berlin, and its Consequences.

Tra i più citati miti del canto settecentesco, Antonio Bernacchi (1685 – 1756), allievo di Francesco Antonio Pistocchi, fu virtuoso capace di raccogliere consensi e successi enormi sulle scene italiane, nelle corti di ambito tedesco e in Gran Bretagna. Figura riverita e di assoluto rilievo nel panorama operistico coevo, raccolse intorno a sé un folto gruppo di allievi e fu princeps dell'Accademia Filarmonica di Bologna per ben due volte consecutive. Il presente volume offre per la prima volta un ritratto scientificamente tracciato e a tutto tondo del celebre cantante, raccogliendo i dati di lunghe indagini originali utili a ricostruire gli ambienti sociali in cui visse e operò come uomo e come artista: l'umile famiglia d'origine, i dinamicissimi teatri italiani del primo Settecento, la corte bavarese, la Londra georgiana assetata d'opera, l'Accademia Filarmonica di Bologna ed i suoi intrighi interni.

Paolo Teodori Dissonanze in cadenza e tirate di legature nelle Sonate a tre, op. 3 di Arcangelo Corelli: le regole del contrappunto e l’invenzione; Alessandro Bertinetto Improvvisare l’emozione nel suono. L’espressività musicale tra teoria della persona ed enattivismo; Massimiliano Locanto «Scala naturale e scala temperata». Le tonalità neutre di Domenico Alaleona tra positivismo e idealismo; Andrea Stefano Malvano Athematic Cyclicism “à la Debussy”. Construction, function, and perception of some recurring intervals in the Sonata for Flute, Viola, and Harp.

La nuova generazione di compositori di musica per film dispone oggi di postazioni di lavoro digitali in grado di comporre una score per orchestra di notevole complessità, attraverso la creazione di cosiddetti mockup. Una diversa prassi compositiva, ben lontana da quella dei più acclamati compositori del passato che componevano le loro partiture cinematografiche con l’ausilio del pianoforte e del tradizionale foglio pentagrammato, ove è possibile ascoltare direttamente il timbro strumentale previsto dalla partitura, velocizzando così la prassi produttiva: grazie alle accurate demo digitali, il regista non deve più immaginare la colonna sonora orchestrale mentre il compositore suona i temi principali al pianoforte. Il presente volume vuole compiere un primo passo nell’indagine di questo nuovo universo creativo in seno all’ambiente accademico italiano.