Studi teatrali

Questo volume vuole essere uno stimolo nuovo e inedito alla scoperta del piacere della lettura nei piccoli e giovani lettori. Indirizzato in particolar modo agli insegnanti della scuola primaria, questo libro si rivela adatto anche per la secondaria di primo grado. Tramite percorsi di lettura originali, i testi teatrali proposti si configurano come la forma narrativa ideale tramite cui bambini e bambine, ragazze e ragazzi, possono imparare il potere della parola, non solo trovando la propria voce, ma anche ascoltando quella degli altri.

Sul palco c’è molto più di uno spettacolo: c’è una rivoluzione in corso. Indomabili bisbetiche di Sara Urban è un viaggio vivace e intersezionale attraverso la storia del teatro. Dalle maschere dell’antica Grecia alle luci della New York underground, sulle orme di icone come Isabella Andreini e le Nina’s Drag Queens, incontriamo attrici e performer che hanno riscritto le regole della scena. Urban punta poi le luci sul presente, su stereotipi e violenze normalizzati dalla regia patriarcale, ma anche su nuove narrazioni femministe, multiformi e collettive. Un bussola che ci mostra come il teatro possa ancora oggi sfidare il potere, liberare corpi e moltiplicare le narrazioni.

Il crescente utilizzo dei selftape aumenta le difficoltà nell'ottenere un ruolo. Se nei provini in presenza è il casting director a fornire le indicazioni di regia, durante la realizzazione di un selftape l'attore non ha direzioni su recitazione e messa in scena. Questo manuale è dunque una guida pratica che offre suggerimenti e strumenti utili per la creazione di selftape professionali, partendo dalle analisi dei testi e traendone indicazioni su posture, azioni, intenzioni da interpretare. Il volume ha un taglio antologico: suddiviso in quattro sezioni per fascia d'età, presenta 48 ruoli di protagonisti maschili tratti dalle opere di maggior successo e di diverso genere del cinema e della televisione.

Cosa significa tenere viva una tradizione teatrale per quasi un secolo? In questo libro-intervista, Rossana Cici Spadoni, figlia d’arte e capocomico della più longeva compagnia di teatro dialettale ferrarese, ripercorre le tappe di una straordinaria avventura umana e artistica che attraversa il Novecento e arriva fino ai nostri giorni. Dagli esordi negli anni Trenta del secolo scorso, tra palcoscenici improvvisati e sale di paese fino alle tournée in ambito nazionale, il volume restituisce la memoria di un teatro popolare capace di evolversi fino a oggi senza perdere la propria identità. Ne emergono aneddoti, nomi e volti indimenticabili, il racconto di sacrifici e di successi, ma soprattutto l’amore per il dialetto ferrarese come lingua viva ed espressione autentica di una comunità. Arricchito da un apparato fotografico e dalla pubblicazione integrale di quattro copioni teatrali, il libro è insieme testimonianza storica, racconto personale e atto d’amore verso il teatro. Un’opera dedicata a chi ha calcato il palcoscenico, a chi in platea ha riso o si è commosso e a quanti credono che la cultura popolare sia un patrimonio da custodire e tramandare.

I festival teatrali hanno assunto un ruolo decisivo nella storia dello spettacolo contemporaneo, contribuendo a ridefinire le modalità di produzione, fruizione e trasmissione del teatro e aprendo un dialogo fecondo tra maestri riconosciuti, giovani artisti, studiosi e comunità locali. I contributi qui raccolti intrecciano prospettive storiche, estetiche, socio-antropologiche e organizzative, evidenziando come la formula festivaliera sia diventata un dispositivo culturale capace di rinnovare lo spazio scenico e di favorire una più profonda penetrazione del teatro nel corpo sociale. Il volume offre dunque una riflessione corale sul valore dei festival come crocevia di linguaggi e catalizzatori di processi creativi, ma anche come spazi in cui il pubblico diventa parte attiva di un dialogo più ampio che attraversa i territori dell'arte, della politica e della vita sociale. Un invito a ripensare il festival non soltanto come evento, ma come esperienza culturale capace di incidere nel presente e di immaginare il futuro del teatro.

La storia di Napoli e della Magna Grecia, la logica matematica, il senso e il pensiero: tutto da rivalutare, o va bene cosi? Questo libro narra della storia del teatro cadenzata così come la conosciamo o crediamo di conoscerla, di Pulcinella, delle Maschere, di ciò che rappresenta oggi il Teatro, di come sia nato e come si raffigura. Ma tutto ciò è necessario per dare un quadro generale in senso geografico per come si sia sviluppato nel tempo, e soprattutto, per come si sia modificato il Senso stesso dell'Azione naturale teatrale già dal Medio Evo. Tutti i procedimenti filosofici, letterali, filologici, quelli argomentati o quelli nascosti, quelli capiti o quelli non capiti, ognuno ne farà commento per sua ragione; adeso occorre innanzitutto avvertire il lettore che in questo libro spesso ci saranno necessarie premesse storiche per, tentare almeno, di contestualizzare e di chiarire appunto quei cambiamenti di cui sopra e pure di indicarne la genesi, la nascita: il senso naturale del teatro antropologico, la libera religiosità che esprimeva, il re-ligere, leggere e ripetere, ossia quella Persuasione che più non ci persuade. Sarà un divertimento annotare tutte le parole e i termini con i nuovi significati che si potranno riscoprire e rivalutare.

Il volume restituisce un nuovo sguardo sull’universo teorico craighiano a partire da un’interessante prospettiva costruita, quasi esclusivamente, sugli scritti pubblicati da Edward Gordon Craig. Basarsi sul materiale reso pubblico per volontà del suo autore consente di osservare l’imponente quanto contraddittoria impalcatura teorica craighiana da un’angolazione, che, lungi dal non considerare la vasta mole di manoscritti del teorico inglese, riporta l’attenzione su quella parte del pensiero craighiano accessibile al pubblico coevo e che produsse, alla sua comparsa, accesi e fervidi dibattiti nell’ambiente culturale internazionale. L’obiettivo di questo libro, dunque, accanto al metodico scavo documentario, è quello di estrapolare da tali testi quella che fu una vera e coerente poetica teatrale, e proporre un’interpretazione del teatro totale di Craig basata, quasi unicamente, sulle sue pubblicazioni le quali, spesso dialogando l’una con l’altra, hanno influenzato tutto il teatro del ’900.

A una decina d’anni dalla morte di Emanuele Luzzati, avvenuta nel 2007, l’interesse per la sua opera si   accresciuta sempre più, anche in virtù dell’abbondanza e della varietà della sua produzione, tale da coinvolgere studiosi, critici e specialisti in molti campi. Oggi, che cade il centenario dalla sua nascita, saggi, convegni e giornate di studio stanno aggiungendo nuovi approfondimenti a quelli già pubblicati. Così finalmente ci si è accorti che i caratteri fiabeschi e fantasiosi, su cui a volte ci si è fermati fin troppo, sono solo una parte, sebbene non piccola, della sua attività che perciò deve integrarsi con altri più profondi e colti. Per questo motivo, relegare la sua opera teatrale allo stretto ambito della produzione per il palcoscenico è riduttivo, poiché tutta la sua opera è concepita sempre come una proposta drammatica, dove le figure, gli sfondi e gli oggetti fanno parte di una rappresentazione scenica. L’Archivio del Maggio Musicale Fiorentino conserva un patrimonio straordinario in termini di bozzetti di scene e di costumi, che offrono una lettura esaustiva sia del modo di operare dell’artista, sia del metodo che usava per costruire ambienti e personaggi. Basandosi su tali fonti, i saggi di Manuel Rossi e di Valentina Filice portano all’attenzione di un pubblico più vasto di quello strettamente specialistico una proposta inedita nei confronti della lunga e prolifica produzione dell’artista; l’analisi della sua collaborazione con il Maggio che appartiene ad un arco temporale relativamente lungo è di importanza fondamentale per la comprensione della metodologia di rappresentazione scenica e della interazione dei cantanti e degli artisti con personaggi delle opere. Nel Maggio fiorentino egli ebbe, infatti, la possibilità di esprimere compiutamente la sua idea di teatro che era maturata fin dall’inizio nelle prime prove allestite insieme ai suoi compagni di esilio in Svizzera. Lo studio offerto da questo libro, quindi, diventa una chiave di lettura importante di tutta la produzione di Luzzati.

Il volume de "I nuovi colori del sipario", scritto da Francesco Diego Tosto e Santino Mirabella, contiene, dopo la pubblicazione del primo, il secondo trentennio (dal 1953 al 1983) di artisti siciliani, oggi in scena, chiamati a esprimere il loro pensiero sull’arte del teatro, sulle loro esperienze e sugli aspetti di una passione che nutre la mente e l’anima. Il testo si avvale della prefazione e della postfazione di due grandi nomi: l’attore Tuccio Musumeci e il giornalista e scrittore Gaetano Savatteri.

"Antonio Mascolo traccia la mappa affettiva di una città, la sua Parma, e dei suoi amici che ha inseguito fino all’ultimo giorno, rendendogli omaggio con ritratti anche di poche righe, formidabili come certi epitaffi greci che si leggono sulle lapidi. E racconta la Parma che ha vissuto stagioni teatrali in cui artisti, ballerini e attori di fama mondiale hanno calcato i suoi palcoscenici. Mascolo ha vissuto una stagione irripetibile, ricca di idee, voglia di fare cultura, che sembra ormai lontana come vediamo da lontano un Novecento sempre più offuscato. Mascolo ci lascia in eredità una memoria viva di un modo di pensare e di fare cultura, e dunque di giornalismo, inteso come incontro, come racconto"