Silvana: Cataloghi di mostre

Il volume documenta il lavoro inedito che Olivo Barbieri (Carpi, 1954) ha recentemente realizzato su Monza, e che prosegue il progetto Site specific iniziato nel 2003, costituito da immagini aeree scattate sopra alcune delle più grandi città del mondo, come New York, Roma, Las Vegas, Los Angeles e altre. Nelle immagini del fotografo Monza, colta in alcuni dei suoi scorci più riconoscibili - come il parco, l'autodromo, il palazzo comunale, l'ospedale diventa un gigantesco plastico, una metropoli fantastica e "finta" in cui il peso della storia, la vita dei cittadini, la struttura urbanistica e il segno architettonico perdono di consistenza per lasciare spazio a una sorta di installazione dalle forti componenti concettuali. Il catalogo delle immagini è accompagnato da un testo di Marco Meneguzzo ed è completato da apparati biobibliografici.

Il catalogo accompagna una grande retrospettiva dedicata all'artista statunitense Man Ray (Filadelfia, 1890 - Parigi, 1976), noto esponente del movimento Dada. Man Ray, universalmente conosciuto come fotografo surrealista, fu anche pittore, fabbricante di oggetti e autore di film d'avanguardia, dimostrando una geniale espressività in tutti questi campi. Il catalogo rende dunque conto della versatilità e dell'originalità del suo percorso artistico.

Gli anni romani di Maceo (1934-1943), a lungo dimenticati, tornano in questa esposizione in piena luce con un corpus di inediti radunati dal collezionista Veneziani negli anni cinquanta e oggi esposti. In questo recupero sono presenti anche alcune delle "impressioni" che Maceo ha realizzato negli anni di guerra, sui diversi fronti. Con questa esposizione prende evidenza l'affermazione con la quale Attilio Crespi aveva introdotto la sua prima personale romana nel 1941: "Non riusciamo a persuaderci come un tale pittore potesse starsene buono, in disparte. Egli arricchisce invece la qualità della pittura italiana contemporanea".

Una grande mostra dedicata al cioccolato, passione tra le più diffuse e contagiose. Ciò che la mostra, e questo catalogo, raccontano è la storia di un'avventura che comincia con i Maya che ricavano dai semi della pianta del cacao il "cacahuatl", la bevanda degli dei per proseguire con l'evoluzione e con i cambiamenti che hanno accompagnato la lavorazione e la consumazione del cioccolato dal 1700 al XX secolo.

Con una mostra dedicata a Giacomo Balla festeggia i suoi trent'anni la Galleria Fonte d'Abisso di Milano, fedele allo spirito che ha contraddistinto la sua attività, da sempre improntata alla riscoperta e divulgazione del futurismo, una tendenza artistica che, negli anni settanta, era fortemente discussa e svalutata. Attraverso una quarantina di opere, questa inedita esposizione mette a confronto le due "anime", di pittore e di scultore, di Giacomo Balla, che seppe essere grande, inventivo e geniale in entrambe le espressioni artistiche.

Il volume accompagna la mostra ospitata al Museo Diocesano di Milano che documenta attraverso una settantina di opere l'evoluzione della tematica del paesaggio come forma di rappresentazione autonoma, dalla metà del Seicento fino all'inizio dell'Ottocento. La rassegna ha inizio con le tele di Claude Lorrain e dei suoi più diretti seguaci, interpreti di una realtà idealizzata, solenne e armonica, in dialogo con opere di pittori d'oltralpe come Cornelis van Poelenburgh e Jan Both, o di Salvator Rosa e del Cavalier Tempesta. Durante il Settecento, i punti di riferimento per le forme che siglano il genere sono Marco Ricci e alcune personalità emergenti nel contesto romano: Francesco Zuccarelli, per il paesaggio legato allo spirito dell'Arcadia; Francesco Guardi, felice interprete del capriccio; Canaletto e Bellotto maestri della veduta e del rovinismo, inteso come nostalgica interpretazione di un mondo ormai lontano e decaduto. Con l'illuminismo e le teorie neoclassiche si fanno strada nuove forme di paesaggio, rivisitato alla luce dell'esperienza del Grand Tour: se Constable offre l'esempio di una natura empirica, oggettiva, ricca di luce e di colori, altri perseguiranno una dimensione più interiore, come Turner e le sue violente tempeste marine, le grandi nevicate, o le piogge impetuose.

La contessa Sofia Cacherano di Bricherasio è una degli esponenti di quel fenomeno culturale, particolarmente diffuso nel Piemonte dell'Ottocento, che, sotto il nome di "dilettantismo aristocratico", indica coloro che, per privilegio di nascita, potevano dedicarsi alla pittura per puro diletto e svago, liberi da pressioni del mercato. A partire dal 1886, le opere della contessina Sofia, dapprima allieva di Francesco Brambilla, mostrano già il segno indelebile del contatto con Lorenzo Delleani, che da quel momento diviene il suo maestro: di lui condivide l'amore per la natura, la passione per la pittura dal vero e il paesaggio. Tra i luoghi dei frequenti contatti tra Delleani e Sofia sono le residenze dei Bricherasio: il palazzo di famiglia in via Lagrange a Torino e i castelli di Miradolo e di Fubine. Nel corso degli anni novanta dell'Ottocento in questi stessi luoghi, accanto alla contessina e al suo maestro Delleani, si riuniscono numerose personalità, dando vita a un vero e proprio cenacolo artistico di cui facevano parte, oltre agli altri componenti della famiglia, vari pittori di primo piano. Con una serie di opere realizzate da Delleani e da alcuni dei maggiori artisti che si sono accostati alla sua pittura, la mostra ripropone quel fervente clima culturale che ha caratterizzato il Piemonte tra la fine dell'Ottocento e il primo Novecento.

Fra le due guerre Parigi - la Ville-lumière -, appariva come lo scrigno perfetto di sontuosi spettacoli, che dal caf'conc (caffè concerto) al music-hall e all'operetta, affascinava il mondo intero. Le "Folies Bergères", il "Casino de Paris", "Mogador", Châtelet", la "Gaité lyrique" sono i nomi dei locali più celebri, strettamente legati a quegli anni di follie. Jenny Carré, da dietro le quinte, ne è stata una delle principali protagoniste, vestendo e abbigliando per la scena cantanti e attrici come Mistinguett, Maurice Chevallier, Joséphine Baker, Cécile Sorel e tante altre. Con circa 32.000 bozzetti di costumi e scenografie, Jenny Carré ha come incarnato la prodigiosa creatività dell'epoca. La mostra, accompagnata da questo catalogo, si propone di far scoprire questa artista, di cui vengono presentati circa duecento dei disegni più evocativi della sua produzione.

La seta è l'elemento che accomuna due espressioni artistiche, apparentemente così diverse tra loro, come le creazioni di Roberto Capucci e le armature realizzate nei secoli dalla casta dei guerrieri samurai. Quaranta abiti spettacolari provenienti dalla Fondazione Roberto Capucci rappresentano un panorama della vita creativa dell'artista-stilista: non un'antologia cronologica del suo lavoro, ma spunti per una lettura nuova di quel suo particolare legame con il materiale scelto per le sue opere artistiche: la seta. Straordinarie dimostrazioni d'inventiva, le armature giapponesi e la selva di elmi del Museo Stibbert dall'aspetto così insolito e feroce, e al tempo stesso elegante e suggestivo, rivelano invece la loro natura delicata: sottili lamine d'acciaio coperte di lacca, colorata o dorata, 'tessute' insieme da finissime trecce di seta. Pochi hanno saputo sfruttare come Capucci le particolari qualità di questo materiale, quella resistenza e duttilità che lo rendevano così essenziale anche per le armature giapponesi. Il filo conduttore della mostra è questo, il sottile e resistente filo della seta, che al Filatoio di Caraglio hanno saputo lavorare fin dal tardo Seicento. Due mondi favolosi che, per la prima volta, si trovano affiancati in un ambiente evocativo.

Il catalogo accompagna l'esposizione "Books!", promossa da Artelibro e dal Mart di Trento e Rovereto in occasione dell'edizione 2008 del Festival del libro d'arte di Bologna, che propone una selezione di pregiati libri d'artista provenienti dal fondo Liliana Dematteis. Questa collezione, recentemente depositata presso il Mart di Trento e Rovereto, annovera oltre 1000 libri d'artista datati dagli anni cinquanta a oggi, raccolti dalla nota gallerista torinese e attenta studiosa di questo singolare mezzo espressivo, e costituisce senza dubbio una delle più rappresentative in Italia, non solo per la grande quantità di opere, ma in particolare per la loro qualità, dovuta all'oculatezza con la quale sono stati selezionati. La mostra presenta 150 esemplari, realizzati dagli esponenti delle maggiori correnti artistiche del dopoguerra, dal concettuale americano all'arte povera italiana, da fluxus alla transavanguardia, senza dimenticare Yves Klein, Luigi Veronesi e Bruno Munari, precursori dell'uso delle pagine come forma d'arte. Una particolare attenzione è rivolta ai libri successivi al 1990, giacché intensa, ma poco conosciuta, è la produzione a noi più vicina, rappresentata da artisti ormai consacrati nello scenario del contemporaneo da Marina Abramovic a Reneé Green, da Rebecca Horn a Antoni Muntadas, Peter Wuthrich, ma anche da giovani e consolidati italiani tra i quali Stefano Arienti, Monica Bonvicini, Eva Marisaldi, Marzia Migliora e Luca Vitone.

In tutta Europa e in America, tra la fine della prima guerra mondiale e l'inizio della seconda, il manifesto assume un ruolo preponderante: in Italia sì tratta di due decenni dominati dalle sperimentazioni delle avanguardie, in una varietà di linguaggi e di soluzioni che per la prima volta vanno incontro alle nuove esigenze della comunicazione di massa, della propaganda, della diffusione del mercato, di un'unificazione, insomma, del vivere e del gusto. In quest'ottica il manifesto diviene il veicolo principale - e prediletto sia dagli imprenditori sia dal pubblico - di una nuova immagine dell'Italia, che si vuole dinamica, veloce, arguta o, nel caso della grafica di regime, sicura e assertiva, fino alla violenza visiva. Un'Italia travagliata dai tragici errori della politica, ma capace di "modernità" e, anche nel confronto con altri Paesi occidentali, di un linguaggio figurativo audace e sperimentale. Campo di ricerca per i più grandi artisti del nostro Novecento, da Adolfo Wildt a Duilio Cambellotti, dai futuristi Balla, Depero, Tato e Prampolini a Mario Sironi e Lucio Fontana, il mondo del manifesto pubblicitario ha visto concentrarsi negli anni Venti e Trenta talenti riconosciuti: Leonetto Cappiello, Marcelle Dudovich, Gino Boccasile, Erberto Carboni, Bruno Munari, Sepo, Seneca, insieme a molti altri {più di sessanta gli artisti presentati), autori di prove grafiche ancora oggi sorprendenti per l'essenzialità del segno, gli arditi accostamenti cromatici, la varietà dei caratteri grafici.