Cinema, televisione e radio

Nella storia del cinema, il suono ha rivestito un’importanza sempre maggiore e oggi è divenuto un fattore determinante nella valutazione della qualità estetica di un film, oltre che del successo di pubblico nelle sale. Per comprendere a fondo il lavoro di un regista e capire il tipo di emozioni che un’opera è in grado di suscitare, è indispensabile saper analizzare ciò che ascoltiamo: parole, musica, rumori. In questa sintetica ma completa esposizione, Laurent Jullier ripercorre l’evoluzione del suono da un punto di vista storico – dal kinetofono di Edison a "Il cantante di jazz", il primo lungometraggio di finzione in cui il suono è sincronizzato con le immagini –, esamina il modo in cui alcuni grandi autori l’hanno utilizzato (da Alfred Hitchcock a David Lynch, da Jean-Luc Godard a George Lucas), analizza le competenze di chi con esso lavora (i tecnici del suono e del missaggio, i giraffisti, i montatori ecc.). La seconda parte è riservata a utili approfondimenti: analisi di sequenze, interviste e documenti di lavoro di autorevoli professionisti.

Ogni risata nasce da un equilibrio spezzato: un gesto inatteso, una deviazione improvvisa, una caduta. In queste fratture del quotidiano si insinua la comicità che, con la sua leggerezza e il suo potere dissacrante, sfida le norme del mondo ordinario. Non a caso filosofi e cineasti – da Bergson a Ejzenštejn, da Chaplin ai Monty Python – ne hanno fatto un oggetto di riflessione privilegiato, cercando di illuminarne la natura trasgressiva e i meccanismi demistificatori. Vasco Di Salvo raccoglie queste prospettive teoriche e le rielabora nel contesto del cinema anglo-americano, luogo d’elezione del comico, i cui gag, parodie, maschere e travestimenti hanno plasmato il nostro immaginario. Si delinea così un percorso critico che esplora i motivi ricorrenti del genere e rivela come la risata rappresenti una delle espressioni più autentiche e sovversive della settima arte.

Sophia Loren è una delle star più longeve, produttive e amate del secondo dopoguerra. Analizzarne la carriera significa ripercorrere oltre mezzo secolo di cinema e di stardom, interrogandosi sui significati di un'immagine divistica complessa, tesa tra conservazione e modernità, e sul suo contributo alla produzione di senso dei testi filmici. Esaminando le performance e i discorsi legati alla ricezione della diva, il volume traccia il profilo di un'attrice che, sbocciata all'inizio degli anni Cinquanta come una bellezza irregolare e smisurata, ha incarnato un femminino tanto urbano quanto rurale, alternando la Storia con la fiaba e il registro della commedia con quello del (melo)dramma sino a conquistare non solo le vette della celebrità, ma anche il riconoscimento della critica internazionale.

«Quando un uomo che non sa nuotare viene gettato in acqua, non lui ma il suo corpo comincia a compiere dei movimenti istintivi cercando di salvarsi. Anche l'arte è come un corpo umano gettato nell'acqua. Essa è l'istinto dell'umanità di non affogare in senso spirituale. Nell'artista si manifesta l'istinto spirituale dell'umanità e nella sua opera l'aspirazione dell'uomo verso l'Eterno, il Trascendente e il Divino». Prefazione di Emanuela Nappi.

Gli scritti di Jean Epstein sono tra i più eclettici, provocatori e poetici della teoria del cinema. Attraverso un florilegio di testi, di cui alcuni inediti in italiano, questo libro traccia la cartografia proteiforme del pensiero del cineasta. Jean Epstein apre questioni profonde che innerveranno il pensiero sul film degli anni a venire: la relazione tra cinema e filosofia, la centralità di affetti e sensazioni nel processo conoscitivo, la corporeità della visione del film, oltre al rapporto tra fisiologia, empatia e spettatorialità esplorato in tempi recenti dalle neuroscienze.

Manga Academica, la prima rivista italiana di studi sul fumetto e sul cinema di animazione giapponese, raccoglie i contributi dei maggiori studiosi italiani di manga, anime e culture pop del Giappone contemporaneo.

Dalle teorie complottistiche che hanno ispirato gli autori alla musica che accompagna ogni episodio, dai provini degli attori agli esperimenti ai tempi della Guerra fredda: Messaggi dal sottosopra è la guida definitiva per conoscere tutti i segreti del mondo di Stranger Things – ma anche per riscoprire i classici degli anni Ottanta a cui la serie è ispirata: Spielberg e Stephen King, i Clash e David Bowie, I Goonies, Alien, Lo squalo... Un percorso sorprendente e scanzonato nell’universo della serie divenuta immediatamente un cult di straordinario successo.

Si diceva che fosse un passatempo per bambini e ragazzi, ma non è mai stato vero. L'animazione è una "settima arte bis" che ormai ha una storia più che secolare, un linguaggio proprio, una variabilità di stili e tecniche che valgono la pena di essere raccontati. E, come ogni arte che si rispetti, riflette la ricchezza dei contesti socio-culturali e ha molto da rivelare sul mondo e sulle persone che l'hanno generata. L'autorevole content creator Enrico Gamba, in arte 151eg, regala al lettore una sua personale selezione: non una storia, non un saggio esaustivo su correnti e tecniche, non un semplice elenco di curiosità simpatiche, ma un florilegio di 151 film d'animazione, più o meno noti, ideali per incuriosire un pubblico che ancora non ha avuto la fortuna di innamorarsi di quest'arte, ma anche per permettere a chi è più esperto di approfondire. Queste pagine aspettano solo te: aprine una a caso oppure lasciati affascinare da questo percorso pieno di sorprese, e inizia a viaggiare in questo fantastico mondo.

Napoleone Bonaparte, fuori dai libri di storia e dai documentari, continua a rimanere una scommessa. Partendo dai ritratti delle pagine di Tolstoj, Stendhal, Hugo, de Balzac e poi passando attraverso i film muti, Hollywood, i kolossal, le serie televisive e la modernità, questo libro compie un viaggio attraverso un unico, ideale e grande set napoleonico. Per capire come è stato raccontato da scrittori, sceneggiatori e registi uno dei più famosi personaggi della storia. Essere Napoleone ritorna in una nuova edizione ampliata sino al celebre kolossal diretto e co-prodotto da Ridley Scott.

Il cinema di David Cronenberg ha spesso messo in scena esseri umani alle prese con processi di ibridazione biologica, artificiale e mediatica che mettono in crisi ogni certezza identitaria e il confine stesso del corpo e della mente. Tale produzione, in cui a dare il via alla mutazione è spesso qualche esperimento tecnico-scientifico che determina negli esseri umani ibridazioni incontrollabili, tocca tematiche che hanno a che fare con le facoltà percettive della mente, con l’identità, la sessualità e il rapporto dell’essere umano con i media e, più in generale, con le tecnologie. È soprattutto all’immaginario tecnologico di cui sono permeati i suoi film che guarda questo lavoro.

L’Istituto Luce compie cento anni. Tanti ne sono passati da quel novembre 1925 in cui L’Unione per la Cinematografia Educativa, primo effimero nucleo del futuro ente, cedette il passo alla nuova istituzione. Da allora fino al 1962, anno in cui si trasformò in società per azioni, l’Istituto sembra avere vissuto mille vite differenti. Eppure, a dispetto delle alterne vicende in cui fu coinvolto, il Luce in quegli anni ebbe una continuità a tratti impensabile di materiali usati, di spazi per il lavoro, di personale, di processi di lavorazione, persino di tematiche. Forse nessuna istituzione europea del Novecento può vantare oggi, sotto un solo nome e nel giro di pochi decenni, così tanti, intriganti e insieme controversi aspetti. Per raccontare in modo trasversale questa esperienza, tredici studiosi di cinema e di fotografia si scambiano qui la penna. Aperti alle suggestioni dell’archivio ma anche all’ibridazione dei saperi, rivolgono a questo grande magma che è stato l’Istituto Luce undici domande: verso un passato ancora da conoscere, ma anche verso il futuro, affacciandosi al ruolo dell’immagine nella costruzione della moderna comunicazione.

Il numero 56 di “Fata Morgana” è dedicato al tema “Atmosfera”. Il numero si apre con una conversazione con uno dei più importanti studiosi sul tema, Michael Tawa, a cura di Luca Bandirali e Chiara Renna. Il concetto di atmosfera è il cuore pulsante del progetto della Nuova Estetica avviato da Gernot Böhme, volto a rilanciare una teoria della percezione che parte dall'esperienza sensibile e affettiva generata dall'incontro con il mondo circostante. L'estetica delle atmosfere permette infatti di interrogarsi sul ruolo giocato dagli elementi atmosferici nella creazione e nelle modalità in cui si esperisce un'opera. Particolarmente interessante è il caso del cinema, di un medium cioè capace di intessere profondi legami tra le tonalità affettive sprigionate da un ambiente e i personaggi che lo popolano. Tra gli autori che compongono il numero: Denis Brotto (L'atlante delle nuvole. L'atmosfera del cinema contemporaneo) e Alessandro Canadè (Collateral e l'atmosfera del noir). Fanno inoltre parte del volume saggi, tra gli altri, su Il filo nascosto di Paul Thomas Anderson, Trenque Lauquen di Laura Citarella, Vermiglio di Maura Delpero, The Zone of Interest di Jonathan Glazer.