Cinema, televisione e radio

"A Hill Valley con Marty e Doc" è un viaggio nell’immaginario cinematografico di "Ritorno al futuro". Partendo dal primo film, questo libro attraversa tutta la trilogia del regista Zemeckis, cercando di coglierne gli aspetti peculiari, sia dal punto di vista dello stile registico che dal punto di vista narrativo. Un itinerario di scoperta in cui, alternando i racconti sul processo di realizzazione ad un’analisi personale dell’opera, ci si interroga sulle possibili motivazioni alla base di un così grande successo, destinato a rinnovarsi negli anni e a conquistare sempre nuovi ammiratori. Fra la nostalgia di un tempo che fu e suggestive visioni del futuro, il lettore è accompagnato alla scoperta di Hill Valley, proprio lì, su quella strada in cui la fantasia si fa strumento di indagine del reale ed apre lo sguardo verso nuovi orizzonti. Un libro che come la trilogia di Ritorno al futuro parla della necessità di riappropriarsi di un passato dove tutto è ancora possibile o forse, più semplicemente, del bisogno di ritornare in quei luoghi in cui la felicità era ancora una piccola cosa.

A 40 anni da "Ritorno al futuro", Micheal J. Fox torna in libreria con un libro che svela i dietro le quinte della pellicola che ha reso immortale l'indimenticabile personaggio di Marty McFly. All'inizio del 1985, Michael J. Fox era già una delle star più amate della televisione americana grazie alla celebre sitcom "Casa Keaton". Ma la sua carriera stava per compiere un salto straordinario grazie a un'occasione irripetibile. La produzione di un film d'avventura sui viaggi nel tempo, "Ritorno al futuro", stava attraversando una fase critica, finché il regista Robert Zemeckis e il produttore Steven Spielberg non presero una decisione drastica: sostituire l'attore protagonista e affidare proprio a Michael J. Fox il ruolo di Marty McFly. Da quel momento, la sua vita divenne un tour de force senza precedenti: di giorno sul set di "Casa Keaton", di notte su quello di Ritorno al futuro. Per mesi, ogni giornata fu un vero e proprio viaggio nel continuum spazio-temporale, passando da un personaggio all'altro, da una storia all'altra. Così, la sfacciataggine di Alex, il carisma di Marty e il talento comico di Michael si fusero in un mix unico, destinato a entrare nella storia del cinema e della televisione. Il ragazzo del futuro intreccia il racconto in prima persona di Michael J. Fox con testimonianze inedite degli altri membri del cast e della troupe che resero possibile questa incredibile impresa creativa. Il risultato è un memoir emozionante e irresistibile, ricco di aneddoti e arricchito da 60 fotografie mai viste prima, che celebra la storia straordinaria – e vera – di uno dei film più amati di sempre.

Pensare la viandanza al femminile significa aprirsi a un campo di risonanza di esperienze e immaginari culturali: un “andare per il mondo” che fora i limiti del domestico/addomesticato; un darsi a quanto non inscritto, familiare al pensiero delle donne, il vivere la deriva, in cui si inabissano orizzonti di cambiamento, o trovano riformulazione. Nel dialogo tra materialità dello spostamento e movimento inteso quale istanza trasformativa, la viandanza è un processo, in grado di ridisegnare l’immobilità stessa. Stratificazione di pluralità soggettivamente e storicamente dinamiche, essa trova nutrimento nei contributi di questo volume, a sua volta concepito come un percorso, condiviso, di donne in viaggio e in movimento.

Le pieghe nascoste del film, i suoi dettagli impercettibili si aprono davanti al lettore che ripercorre grazie ad Antonio i quadri del film e riesce a intenderne il linguaggio sofisticato e inquietante. Non ho nulla da aggiungere a questo proposito se non invitare il lettore incipiente a godersi il viaggio che il libro gli propone, come una vera e propria guida alla lettura ad uso dei profani(tra cui volentieri mi colloco). Ci si trova di fronte infatti a una esegesi che non scantona mai nella chiacchiera psicanalitica né indulge a una nimesi (cioè una brutta copia) del surrealismo felliniano, ma prova a introdurre il lettore in una dimensione tecnica, puntuale ma mai élitaria, accattivante e per molti versi sorprendente.

Riso amaro, La strada, Le notti di Cabiria, Guardie e ladri, La grande guerra, L'oro di Napoli, Miseria e nobiltà, La banda degli onesti, Un americano a Roma, Tutti a casa, Una vita difficile, Totò truffa 62, Diabolik, Ulisse, La Bibbia, Guerra e pace, Barbarella, Lo scopone scientifico, sono solo alcuni dei film prodotti da Dino De Laurentiis. Con il volume, Ignazio Senatore rende omaggio al visionario produttore campano. Un saggio composto da sessanta schede film, con trama e commento critico, corredato da testimonianze, curiosità e aneddoti, raccontati dallo stesso De Laurentiis e dai registi, attori e sceneggiatori che hanno collaborato alla realizzazione dei film. Una vita avventurosa quella di De Laurentiis. Figlio di un pastaio di Torre Annunziata, dopo aver frequentato il Centro Sperimentale di Cinematografia con l'idea di intraprendere la carriera d'attore, ben presto, sceglie la strada della produzione. Dopo aver lavorato per la Lux Film, fonda la Ponti - De Laurentiis, e dà vita alla rinascita del cinema italiano. Dopo la separazione con Ponti, fonda Dinocittà, un complesso di studi cinematografici, che fa concorrenza con lo storico Cinecittà. Ma l'Italia comincia a stargli stretta e Dino De Laurentiis vola ad Hollywood, dove produce decine di film. Tra questi: Velluto blu, Serpico, Conan il barbaro, Flash Gordon, L'anno del dragone, La zona morta, I tre giorni del Condor, L'uovo del serpente, Body of evidence…

Condannato dalla manualistica corrente a ricoprire un ruolo pressoché collaterale nel fiammeggiante mosaico creativo del cinema francese, Jacques Demy è stato, con buona pace dei puristi, uno dei più grandi registi del Novecento. Oggi, a oltre trent’anni dalla morte, ci sia almeno riconosciuta la facoltà di ribadirlo a gran voce. Cineasta dotato di una personalità eclettica, irriducibile alla provvisorietà delle etichette, Demy ha legato il proprio immaginario al racconto “en-chanté”, aprendo varchi inediti in seno alla concezione cinematografica del musical e dell’evocazione favolistica, così come della commedia e del melodramma. Dietro la focosa e stravagante poesia delle sue narrazioni per immagini, spesso scandite dai codici dell’autobiografia, si agita un particolarissimo sottouniverso di ambiguità e contraddizioni, tensioni represse e taciute – nonché innumerevoli riferimenti alla storia del cinema –, ancora tutto da esplorare. Questo libro vuole riscattare la figura di un artista unico e straordinario, accompagnando all’afflato romanzesco proprio delle più avvincenti biografie la disamina analitica di un’opera che ha saputo sopravvivere tanto ai precari entusiasmi coronati con gli allori (Les parapluies de Cherbourg, 1964, acclamato in mezzo mondo, fu addirittura nobilitato da cinque nomination all’Oscar) quanto alle frustrazioni – altrettanto transitorie – decretate dalle disfatte commerciali. Un’opera che, capace di concedersi con inalterata generosità allo sguardo delle nuove generazioni, non ha smesso di alimentare l’ispirazione di alcuni fra i più autorevoli cineasti contemporanei, da Damien Chazelle (La La Land) a Leos Carax (Annette). Jacques Demy non è più fra noi, ma il suo cinema sì, e parla rigorosamente al presente.

Con la sceneggiatura originale del film. Testi di Alessandro Borghi, Maurizio Calvesi, Teresa Ciabatti, Saverio Costanzo, Silvia D’Amico, Fratelli D’Innocenzo, Claudia Durastanti, Fabio Grassadonia, Simone Isola, Wilma Labate, Nicola Lagioia, Antonella Lattanzi, Luca Marinelli, Valerio Mastandrea, Flavia Mastrella, Roberta Mattei, Giordano Meacci, Antonio Piazza, Marco Ponti, Christian Raimo, Antonio Rezza, Francesca Serafini, Riccardo Sinigallia, Elena Stancanelli, Francesco Tatò.

Il suo Mulholland Drive è stato eletto miglior film del XXI secolo. Il suo Eraserhead era uno dei film preferiti di Stanley Kubrick. Il suo Twin Peaks ha cambiato la storia della televisione, due volte. Il suo ciuffo era inconfondibile come quello di Elvis Presley. Cineasta, pittore, musicista, sound designer, attore, costruttore di mobili, youtuber, sognatore di mondi, bevitore di caffè e ambasciatore della meditazione trascendentale, David Lynch (1946-2025) è stato un maestro e una star. Le sue opere enigmatiche da sempre catturano gli spettatori di tutto il mondo sospendendoli fra due estremi: l’orrore e la beatitudine, funghi atomici e torte di ciliegie. Con uno stile che sa unire analisi critica e linguaggio pop, Matteo Marino ci accompagna dietro le tende rosse provando a decifrare i passaggi più oscuri di Strade perdute, Mulholland Drive, Inland Empire e Twin Peaks – Il ritorno, coinvolgendo per estensione tutta l’opera lynchiana, compresi progetti rimasti nel cassetto come Ronnie Rocket e Unrecorded Night. Dalla spiritualità vedantica alle scoperte della fisica quantistica, dai mandala buddhisti all’arte surrealista, da Il Mago di Oz alla serialità televisiva, un viaggio della mente e del cuore alla ricerca della strada per tornare a casa.

Il secondo volume dell’Edizione Nazionale delle Opere di Cesare Zavattini propone un’ampia selezione di materiali della scrittura cinematografica (soggetti, stralci di sceneggiature, scalette, trattamenti) scritti da Zavattini e realizzati come film da diversi registi, tutti corredati di schede storico-critiche, con note filologiche e genetiche, riguardanti le varianti contenute in archivio e la selezione pubblicata online nel portale dell’Edizione Nazionale. L’Archivio Cesare Zavattini presso la Biblioteca Panizzi di Reggio Emilia conserva documenti relativi a circa duecentotrenta film scritti e firmati da Zavattini, da solo o in collaborazione con altri. Dei circa centosessanta non realizzati, il primo volume dell’Edizione Nazionale ne ha pubblicati una sessantina (anche nel portale online). In questo secondo volume pubblichiamo quarantasei film, selezionati tra i più di settanta dovuti al lavoro creativo di Cesare Zavattini, nati direttamente da un suo soggetto oppure rielaborati in fase di sceneggiatura. Molti altri materiali d’archivio si trovano nel portale dell’Edizione Nazionale. Tra i film selezionati: 4 passi fra le nuvole (1942), Sciuscià (1946), Ladri di biciclette (1948), Miracolo a Milano (1951), Bellissima (1951), Umberto D. (1952), L’amore in città (1953), Siamo donne (1953), Il tetto (1956), La ciociara (1960), Boccaccio ’70 (1962), Il boom (1963), I misteri di Roma (1963), Ieri oggi, domani (1963), Le streghe (1967), I sette fratelli Cervi (1968), I girasoli (1970), La veritàaaa (1982).

Non tutto quel che è patetico e lacrimoso è lacrima movie. Questa è la prima certezza. In questa trattazione accetteremo la definizione di scuola per cui sono lacrima movie soltanto quei film in cui la malattia o l’incidente - di soliti culminanti con la morte - intervengono come momento cardine. Il lacrima movie per eccellenza, il film tipo, vede come conseguenza di una storia drammatica la morte di un bambino, raramente si salva (Bianchi cavalli d’agosto), ma consideriamo - per estensione - lacrima movie anche i film dove muore una ragazza dopo lunga malattia (Dedicato a una stella). Il lacrima movie per eccellenza, come commistione di elementi classici è L’ultima neve di primavera di Raimondo del Balzo.