Letteratura teatrale

La parola diventa carne e prende vita attraverso la penna dell'autore, l'occhio del regista e il corpo dell'attore. Nove testi teatrali per declinare il tema del lavoro: desiderato o maledetto, tra uffici interinali e fabbriche infernali, desiderio di riscatto e sogno nel cassetto.

"E. A. Poe: il teatro della follia" è una piece teatrale in due atti, liberamente ispirata a vita, poesie e racconti del geniale scrittore americano. Poe in persona, trovatosi in una bizzarra situazione, all'interno di una casa di cura per malattie mentali, assiste alla rievocazione di quattro delle sue storie misteriose (La botte di Amontillado, La maschera della Morte Rossa, Il cuore rivelatore e La caduta di casa Usher) narrate dagli eccentrici protagonisti, che si celano tra i convitati. Sarà un'occasione unica perché il grande scrittore racconti qualcosa di sé, delle sue emozioni e dei suoi tormenti, declamando tre delle sue più famose poesie (Il Corvo, Annabel Lee e Un sogno nel sogno). Il che lo condurrà ad una sorprendente rivelazione finale... "Libero adattamento teatrale" lo definisce l'autore, in realtà siamo di fronte ad una drammaturgia in cui i commensali diventano i personaggi di altri racconti di Poe, creando un vero intreccio di personalità legate le une alle altre da perversioni ed esasperazioni. La rappresentazione scenica potrebbe essere, dunque, concepita come una sorta di giostra che, girando, rievoca ora i fatti dei racconti, ora l'attualità del banchetto... e nella quale è soprattutto il lettore che si appropria di tutti i ruoli, rallentando o accelerando l'azione, alzando o calando le luci e i colori.

Il Premio Fersen alla regia e alla drammaturgia contemporanea italiana, nasce nel 2003 per rendere omaggio alla memoria del regista e pedagogo Alessandro Fersen, con l'intento di sfatare la diffusa diceria secondo cui la moderna drammaturgia italiana non è in grado di rappresentare efficacemente la società contemporanea. Questo volume contiene pertanto i tre testi e i tre spettacoli selezionati dalla giuria.

Tre testi di Neil LaBute che formano una trilogia sull'ossessione del mondo contemporaneo per l'aspetto fisico: "The Shape of Things" (2001), "Fat Pig" (2004) e "Reasons to be Pretty" (2008). In tutti e tre il tema dell'essere "carini", esteticamente gradevoli e socialmente omologati, è centrale. L'aspetto fisico non deve disattendere i propri gusti personali e quelli dell'ambiente sociale di riferimento: molti tra i personaggi di LaBute finiscono quindi col permettere al giudizio degli altri di dominare le proprie vite e di determinare le proprie scelte, anche a costo di rinunciare alla felicità in nome del pensiero comune. D'alta parte, la società consumistico-capitalista invita tutti noi ad essere adatti a questo mondo fatto di belli/magri. Ma LaBute non esprime giudizi. Piuttosto, è un generatore di domande e, nella tradizione del teatro post-moderno americano, lascia al pubblico il compito di trovare le risposte. Il teatro di LaBute cerca di abbattere il filtro emotivo della quarta parete, per ingaggiare lo spettatore in un processo di identificazione non rassicurante, in una riflessione sulla liquidità delle esistenze e dei legami, in una condivisione profonda delle emozioni.

Faccenda molto spinosa, nell'Inghilterra elisabettiana, trattare in teatro personaggi della storia recente come, ad esempio, Tommaso Moro, umanista amato e stimato, ma anche mite e tenace oppositore del nuovo matrimonio di Enrico VIII con Anna Bolena, madre di Elisabetta I. Tuttavia la sua ascesa alle più alte sfere della politica nazionale e la sua rovinosa caduta costituivano una trama perfetta per chiunque volesse denunciare la natura corrotta del potere e le sue derive violente. Il dramma Tommaso Moro fu composto da alcuni dei più grandi drammaturghi elisabettiani e fra essi, ormai è assodato, va annoverato Shakespeare, non solo autore delle pagine scritte di suo pugno, ma probabilmente ispiratore dell'opera. Ipotesi, questa, quanto mai suggestiva perché rivelerebbe una stretta vicinanza ideale fra due figure straordinarie: il celebre e ironico statista e uno fra i più grandi poeti di ogni tempo, capace come pochi di leggere lo spirito dell'uomo e di esprimerlo con parole e immagini che non hanno conosciuto oblio. Tommaso Moro è quindi qualcosa di più di un dramma teatrale: dopo essere stato un mistero per molti secoli è stato portato sulle scene dalla Royal Shakespeare Company solo nel 2005 -, oggi appare come un'opera di fondamentale importanza per comprendere a fondo la figura di Shakespeare, in special modo in rapporto alla sua controversa appartenenza alla fede cattolica che proprio queste pagine renderebbero plausibile. Introduzione di Joseph Pearce.

La "Cantata Mariana" comprende una raccolta di brani dedicati e rivolti all'immagine Mariana, che peraltro sono stati rappresentati dall'Arabesco Teatro in luoghi sacri e non, in tutta la Campania. La impostazione grafica del libro richiama, per accenni, le forme dei "Libri d'Ore", libri di preghiere ad utilizzo privato, che ebbero grande diffusione e popolarità dal tardo Medioevo fino al Rinascimento, manoscritti e poi stampati, da Gutenberg in avanti.

Cosa accadrebbe se, a causa della spending review, l'amore venisse vietato e gli innamorati fossero obbligati a lasciarsi? Vietato l'amore, sia chiaro, non il sesso. Del resto si sa che i benefici dell'amore sono intimi e privati mentre i costi, sanitari e giudiziari, sono a spese dello Stato. Questa è la riflessione del Duca che, per il bene della sua comunità prende atto che l'amore non è più sostenibile: la felicità non è più un problema personale ma una questione sociale, così proclama una legge che bandisce l'amore, il dolore e le follie private a spese dello Stato. Semplice a dirsi, ma non a farsi e Alba e Valerio, due giovani amanti, di certo non si rassegnano a lasciarsi o a diventare fuorilegge. Sono in ambasce anche i Saggi ed i Ministri del governo che non sanno come uscire dal dilemma tra salvare l'Amore o salvare le casse dello Stato. Il Teatro e i suoi Attori faran la differenza insieme a Guglielmo, Maestro d'arte del Torneo delle Idee. Tra equivoci e colpi di scena, riusciranno nell'impossibile sfida di trovare una soluzione creativa per coniugare bene pubblico e amor privato? Una sfida che porta più di un sorriso e, del resto, si sa, che se non fa sorridere non è una cosa seria.

L'opera letteraria e teatrale di Paul Willems è tuttora ignota al grande pubblico. Questo libro nasce dalla pazienza e dal lungo amore per gli scrittori del Belgio francofono, che ha condotto, negli anni, l'autrice a testimoniare queste presenze con interventi critici e attività promozionale ad ampio raggio, sull'opera di M. Maeterlinck, M. de Ghelderode, J. Louvet, R. Kalisky, J. Sigrid, H. Bauchau, A. Sodenkamp e molti altri, nell'ambito di un centro di studi sulla letteratura belga di lingua francese, da lei fondato e diretto presso la Facoltà di Lingue dell'Università di Chieti-Pescara. Sono stati presentati spettacoli teatrali e musicali, seminari come Vivaio immagine, cultura belga tra cinema e poesia, in collaborazione con la Scuola di Cinema europeo di Bruxelles e conferenze sulle problematiche relative all'emigrazione degli abruzzesi in Belgio, animate dalla storica Anne Morelli. Il costante impegno divulgativo dei Corsi universitari, dedicati all'area francofona, l'ingente messe di tesi di Laurea e di dottorato, le borse di studio ed i percorsi di ricerca degli allievi hanno costruito un solido supporto culturale, che ha arricchito, nel tempo, la conoscenza di queste "scritture del Settentrione", spesso private della necessaria visibilità nello spazio italiano ed europeo.

Testo praticamente sconosciuto in Italia, "Il velo di Pierrette" è una 'Pantomima in tre quadri' scritta da Arthur Schnitzler nel 1910 per la messa in musica del compositore Ernst von Dohnányi. Sullo sfondo della Vienna ottocentesca, si consuma una tragedia sentimentale, con un effetto straniante e spettrale legato alla presenza di personaggi-maschere: Pierrot, Pierrette, Arlecchino. L'opera ebbe grande successo all'epoca, ed esercitò un'influenza importante sul teatro russo coevo: ne subirono il fascino registi come Mejerchol'd e Ejzenatejn che riproposero la pantomima anche come testo autonomo.

La tragedia racconta la storia di Bernarda Alba che, dopo essere rimasta vedova per la seconda volta a sessant'anni, decide di vivere i seguenti otto anni nel lutto più profondo. Nell'opera si riscontrano i tratti distintivi della Spagna rurale del primo Novecento, una società tradizionalista, molto violenta, in cui il ruolo giocato dalle donne era secondario. Bernarda vive con le sue cinque figlie (Angustias, Magdalena, Amelia, Martirio e Adela) e le sue ancelle, tra le quali Poncia, una cameriera che è da molti anni al servizio della famiglia.