Storia dell'arte: stili artistici

Giorgio Tentolini torna a esporre a Roma con un progetto che fa dialogare cultura classica e contemporaneità.

La storia e il restauro di un’opera dimenticata.

Olamilekan Abatan (Nigeria, 1997) è uno dei più raffinati maestri dell’iperrealismo africano. Le sue opere, realizzate con grafite e matita, uniscono la tradizione europea a motivi e simboli dell’identità africana.

Banksy, probabilmente lo street artist più famoso e al contempo schivo della storia, ha sempre voluto mandare un messaggio. Tutte le sue opere sono pensate per il piacere del pubblico, per suscitare pensieri critici o per denunciare problematiche sociali, non per un tornaconto personale di pochi ricchi, o per il profitto. Esistono però gallerie d’arte, collezionisti privati o semplicemente persone poco rispettose delle sue opere, che vedono in questi murales una fonte di guadagno. Oppure street artist rivali che la considerano quasi un gesto di sfida nei confronti della “vera arte” di strada. Questo volume raccoglie l’arte di Banksy, raccontata sotto una luce nuova: qui troverete tutte le sue creazioni più famose che purtroppo non possono più essere ammirate, perché effimere di natura, realizzate non su tele ma in strada, su muri, cartelloni pubblicitari, barche, porte... Distrutte dalla concorrenza, rimosse dalle autorità o semplicemente “rubate” per conto di qualche milionario, questi capolavori vengono descritti nel dettaglio, anche grazie a una splendida selezione fotografica. L’autore, grande appassionato dello street artist, descrive con precisione la storia di ogni singola opera, come e quando questa è comparsa nel mondo della street art, il suo significato e il motivo presunto o assodato della sua scomparsa, chi ne è stato responsabile e il suo destino ultimo. Errori, battaglie legali, furti e ricomparse in altri Paesi, semplici scaramucce con l’amministrazione locale si susseguono una dopo l’altra, circondando questi murales scomparsi con un’aura di mistero. Se siete appassionati d’arte, magari di opere e artisti contemporanei, che affrontano temi politici e attuali, ecco il volume che fa per voi: ripercorrete la storia di Banksy, con tutte le sue vicissitudini e potrete vantare di aver visto il celebre Topolino su un manifesto a Los Angeles. Nessuno vi potrà dire nulla: sono tutte opere scomparse!

Mario D'Agostino fu pittore ritrattista, figurativo e naturalista, di scuola fondamentalmente classica, con tendenze moderniste e periodi caratterizzati da influenze neofuturiste e postimpressioniste, che lo rendono nel complesso un pittore eclettico. Mito e classicità, che rappresentano i temi della sua formazione, si riflettono su molti degli aspetti che descrivono il mondo a lui contemporaneo, fino ai moti degli anni '70 e ai giochi olimpici dell'era moderna. L'opera pittorica di Mario D'Agostino (Reggio Calabria, 1918-1983) è qui raccolta in un catalogo curato dal figlio Olindo, con testo critico di Marisa Cagliostro.

Il catalogo della mostra al museo Cleve Carney Museum of Art di Chicago, presenta una collezione di opere giapponesi, offrendo al pubblico un’approfondita conoscenza della produzione pittorica giapponese del periodo Edo (1603–1868), in particolare dell’ukiyo-e, le “immagini del Mondo Fluttuante”. Nel volume sono presenti una selezione di dipinti su rotoli verticali appesi (kakemono) e rotoli orizzontali dipinti a mano dai grandi maestri delle diverse scuole, a partire dalla metà del XVII secolo. Sono inoltre pubblicate stampe xilografiche a colori con contorni in nero e parti dipinte a mano – una tecnica che si è evoluta nelle nishiki-e, le celebri “immagini broccato” policrome – oltre a ventagli stampati e dipinti, e oggetti d’alto artigianato che testimoniano la ricca tradizione artistica e artigianale giapponese, come giochi da tavolo e strumenti musicali, raccontando l’evoluzione del gusto, delle mode e della cultura dell’intrattenimento sviluppatasi durante la lunga pace Tokugawa corrispondente al periodo Edo. Le straordinarie opere in mostra provengono dalle prestigiose collezioni italiane del Museo d’Arte Orientale E. Chiossone di Genova.

Andrea Chisesi presenta qui un nuovo ciclo, un esteso omaggio alla storia dell’arte che si rifà alle Metamorfosi del poeta latino Ovidio. Il poema epico fu iniziato nel 2 d.C., poco prima che l’autore venisse destinato all’esilio, e terminato nell’8 d.C. Si tratta di una storia universale che spazia dalla cosmogonia alla Roma augustea; di un catalogo di miti, perché offre un immenso inventario di divinità, eroi, ninfe, efebi e satiri; di un'inesauribile miniera a cui ha attinto l’intera tradizione letteraria e artistica europea.

La nuova collana L’arte + grande, proposta in una preziosa rilegatura, offre uno sguardo ravvicinato ai maggiori artisti di tutti i tempi. All’impeccabile riproduzione di decine di tele si aggiungono sei inserti pieghevoli di grande formato, che permettono di osservare alcuni di questi capolavori nei minimi dettagli. Dopo Monet e Van Gogh, ecco Henri Matisse. Dai primi passi al periodo fauve, dalla scoperta del Marocco all’abbagliante luce di Nizza fino alla poetica sintesi dei papiers découpés, il percorso di questo maestro del colore ha sempre mirato a una raffigurazione della realtà lontana da ogni mimesi, fondata piuttosto sulle proprie sensazioni interiori, con l’obiettivo di «vedere tutte le cose come per la prima volta». In questo volume, grandi opere più o meno note (tra cui Gioia di vivere, Lo studio rosso, La danza e La tristezza del re) vengono esposte come in un museo e accompagnate da un puntuale racconto biografico, per scoprire o approfondire la conoscenza di uno dei maggiori artisti del Novecento, infaticabile indagatore della «vera pittura».

La ricerca di un’arte adeguata alla modernità spinge Gustav Klimt verso una nuova via espressiva, al confine tra sensualità e allegoria. Nell’effervescente Vienna di fine Ottocento, il pittore ottiene importanti commesse per la decorazione dei più prestigiosi edifici della Ringstraße, che già annunciano il rinnovamento perseguito dalla Secessione. Lo stile di Klimt si dispiega nel mirabile Fregio di Beethoven e nei seducenti ritratti femminili, nei vibranti paesaggi lacustri come nelle opere di Palazzo Stoclet. Dai suoi quadri, mosaici e affreschi traspare una conturbante bellezza, inno alla fragilità dell’essere umano in un’epoca tanto inquieta quanto feconda.

Il catalogo della mostra Glacial Threads non è solo un complemento all’esposizione: è una lettura che invita a riflettere sul nostro rapporto con l’ambiente, l’arte e il futuro. Al centro del progetto, la visione unica di Michelangelo Pistoletto, maestro dell’Arte Povera, che con il suo linguaggio creativo esplora il legame tra opera, spettatore e società contemporanea. La Valle d’Aosta, con i suoi ghiacciai e le sue foreste, è il punto di partenza di un racconto che unisce etica ed estetica. Il catalogo documenta come i materiali tessili, usati per rallentare lo scioglimento dei ghiacci, diventino simboli di un nuovo modo di produrre, pensare e vivere.

Nel cuore della Val Ferret, ai piedi del Monte Bianco, Michelangelo Pistoletto lascia un segno potente e visionario: Il Terzo Paradiso. Un’opera simbolica che invita a riflettere sul futuro del pianeta, sull’equilibrio tra natura e artificio, sull’urgenza di un cambiamento. Con Il Terzo Paradiso, il maestro dell’Arte Povera immagina una nuova fase dell’umanità, dove l’innovazione si integra armonicamente con l’ambiente naturale. In questo paesaggio incontaminato, l’arte contemporanea si fa messaggio etico, linguaggio universale che parla di sostenibilità, consapevolezza e rinascita. Per un’arte che fa pensare, per studiosi, appassionati e chiunque voglia esplorare una nuova idea di futuro attraverso il linguaggio simbolico e rivoluzionario di Pistoletto.

I corpi acefali di Pietro Lista sono entità universali, ritratti dell’uomo non di un uomo. Ritratti che si sono ritratti da sé stessi: non rappresentano un preciso soggetto, ma quel soggetto assoluto che, a differenza del ritratto tradizionale, non è concentrato su sé stesso, non è confinato nei suoi stessi limiti né attira l’attenzione sui tratti somatici ed unici del proprio volto. Il corpo acefalo vive nello spazio; è esso stesso un luogo del sistema mondo con il quale instaura un osmotico scambio; il corpo acefalo non è mai autoreferenziale come il ritratto; esso stabilisce relazioni con tutto ciò che lo circonda. I corpi acefali di Pietro Lista sono, in linea con tutto quanto detto, rapidi segni che si fanno disegni, pura istintività che si fa figura, sagome che non rappresentano, ma presentano, non riproduzione, ma produzione:«pro-duzione, condurlo davanti, trarlo al di fuori».