Storia dell'arte: stili artistici

“Unica” è un racconto nella storia dell’arte inclusivo, dal Rinascimento al Neoclassicismo, dove le opere si susseguono in una selezione di artiste e artisti che, con il criterio di far conoscere l’arte senza distinzioni, coinvolge il lettore in modo diretto, con un’analisi semplice, per far apprezzare lo stile e il messaggio che gli artisti hanno voluto trasmettere. Una breve descrizione dei periodi storici introduce i capitoli per poi dare spazio alla biografia e l’analisi di una o più opere esemplari, affiancate sempre dall’immagine. Il saggio vuole essere uno spunto per invogliare i lettori ad ulteriori conoscenze su artiste e artisti. L’intenzione è quella di incuriosire e rivalutare quelle artiste dimenticate dalla storia scritta ma molto attive in vita, che hanno avuto riconoscimenti nel tempo in cui hanno vissuto o hanno dovuto lottare per affermarsi. L’arte, come espressione universale, deve essere la più completa possibile e non può più avere pregiudizi.

Se l'Italia venne definita da Dante "bel paese là dove 'l sì suona" e se oggi si dice che è "il paese più bello del mondo" anche il Trentino prende parte a questa bellezza come una limpida voce all'interno di un grande coro. L'ambiente naturale è ancora bello, nonostante il crescere degli sfregi e la scarsa cura specie a partire dagli anni Sessanta del Novecento. Ha una morfologia fisica, storica e culturale estremamente varia: in breve spazio si passa dal luminoso e aperto paesaggio del lago di Garda alle cime rocciose del Gruppo di Brenta, fino ai ghiacciai dell'Adamello. Anche il paesaggio culturale non è meno vario di quello naturale: per secoli è stato sensibile agli influssi della civiltà figurativa delle altre regioni contigue dell'Italia del Nord; ma anche a quelli che filtravano da Settentrione e dalle pianure dell'Europa centrale, di civiltà e cultura tedesca. Questi luoghi non si possono amare se non li si conosce, e "conoscere" è per tutti il presupposto per prendersi cura dell'ambiente, per valorizzarlo e per proteggerlo da trasformazioni dannose, talvolta da lacerazioni insensate. A questo serve anche la conoscenza delle vicende artistiche: al godimento rasserenante del Bello, alla comprensione di un territorio ricco di un patrimonio sedimentatosi nel corso dei secoli, che a noi reclama gratitudine verso le passate generazioni. Questo lavoro cerca di offrire una nuova sintesi, un orientamento per chi desidera addentrarsi nel meraviglioso paesaggio dell'arte figurativa.

Aby Warburg (1866-1929) scelse come argomento della sua tesi di dottorato due dipinti mitologici di Botticelli: la Nascita di Venere e la Primavera, a quel tempo divisi ed esposti rispettivamente agli Uffizi e all’Accademia. Nella scelta di due «capolavori», già allora considerati «emblematici» del Rinascimento, oltre alla volontà di porre in risalto il significato che l’interesse per l’antichità assumeva nella cultura fiorentina del tardo Quattrocento, è possibile riconoscere un’intenzione polemica e una sfida alla visione «estetizzante» di tali opere da parte di un pubblico «moderno», ispirata dalle concezioni dei preraffaelliti e dell’Art Nouveau. La dissertazione, presentata nel dicembre 1891, venne pubblicata due anni più tardi, con il significativo sottotitolo di Ricerche sull’immagine dell’antichità nel primo Rinascimento italiano, e con una dedica a Hubert Janitschek e al docente di archeologia classica Adolf Michaelis, di cui il giovane Warburg aveva nel frattempo seguito i corsi.

«Mi conosco un poco in arte Italiana, e vi posso assicurare che di grandi scultori non ne abbiamo avuti molti; ma alcuni grandissimi addirittura, che bastano. Sono Giovanni Pisano – Giotto – Jacopo della Quercia – Antonio Rizzo – Michelangelo. Eppoi di grande tradizione scultoria di grande stile – poiché voi credete bene al grande stile, lo so – più nulla. Ho già detto di passata perché non si può pretender nulla da Bernini; varrebbe la pena di cercare più tardi se non fosse per fermarci a Rosso che per quanto grande ci appare troppo spaesato per poterlo includere in questo glaciale menu di grandezze? Non credo. Bisogna dunque cercare tutti i modi – dalla impersonalità storica più irreprensibile ai pugni e alle bastonate – per far comprendere a chi spetta di comprendere, in Italia, che a quella schiera magica va aggiunto al più presto, subito, il nome di Boccioni – questo grande scultore». Postfazione di Maria Cristina Bandera.

Il volume accompagna la prima grande rassegna dedicata a San Giorgio, uno dei quattro santi patroni di Genova, figura profondamente radicata nell’identità religiosa, civile e artistica della città. Punto di riferimento devozionale e simbolico fin dal Medioevo, San Giorgio è stato rappresentato in molteplici forme, dalle immagini sacre alle insegne pubbliche, dagli altari alle opere d’arte ufficiali. Il libro si propone di restituire la complessità e la ricchezza di questo legame, offrendo al lettore uno sguardo approfondito e documentato. I saggi raccolti nel volume indagano l’evoluzione iconografica del santo, dalle origini bizantine alla figura del cavaliere cristiano, attraverso codici miniati, dipinti e sculture. Una sezione è dedicata alla raffinata produzione orafa legata al culto, mentre il percorso si chiude con un’analisi della presenza di San Giorgio nel tessuto urbano e nella memoria collettiva genovese. Completa il volume un ricco apparato illustrativo, con opere di maestri come Cosmè Tura, Ercole de’ Roberti, Carpaccio e Mantegna.

Fantasmi è un progetto artistico e intimo nato da una domanda semplice, ma potentissima: "Chi sono, per te, i tuoi fantasmi?" A partire da una commissione curatoriale, Nine d'Urso intraprende un percorso di ascolto, raccolta e trasformazione, esplorando ciò che resta delle esperienze interrotte — desideri, relazioni, vite appena accennate — e che continua a vivere in una forma silenziosa, invisibile, ma persistente. Attraverso duecentoquaranta testimonianze raccolte da ottanta persone — amici, familiari, sconosciuti — l'autrice costruisce un archivio poetico dell'incompiuto. Ogni racconto diventa un disegno, poi custodito in una piccola bottiglia d'olio, materia viva e simbolica. Ne nasce un'opera frammentata e potente, fatta di assenze che chiedono spazio e memoria. Tra arte visiva, scrittura e riflessione esistenziale, Fantasmi è una meditazione sulla perdita, sull'immaginario collettivo e su tutte quelle "soluzioni di continuità" — fratture nella materia del vissuto — che definiscono ciò che siamo. Un libro che dà voce ai vuoti, e li trasforma in una forma di presenza. Prefazione di Erri De Luca.

Paolo Giovio fu uno degli intellettuali più autorevoli del Cinquecento. La sua notorietà è legata in particolare alla celebre Villa Museo che fece edificare a Como, concepita come luogo di raccolta per una straordinaria collezione di oltre quattrocento ritratti di personalità illustri, antiche e contemporanee: letterati, sovrani, artisti, papi e condottieri. Questa raccolta, frutto di circa trent'anni di lavoro, venne in seguito frammentata nelle successioni ereditarie e in gran parte dispersa. Il volume "Paolo Giovio. La collezione dei ritratti degli uomini illustri", a cura di Bruno Fasola, presenta i ritratti originali di Giovio conservati nella Pinacoteca di Como, affiancandoli a quelli oggi custoditi in musei e collezioni private.

Carlo Cardazzo (1908-1963) fu tra i protagonisti più audaci del sistema dell'arte del secondo dopoguerra. Collezionista, editore e gallerista, riuscì a trasformare Venezia, Milano e Roma in crocevia internazionali attraverso le gallerie del Cavallino, del Naviglio e Selecta. Aprì le porte a Lucio Fontana dando vita allo Spazialismo, promosse Capogrossi e introdusse artisti d'avanguardia internazionali come Jasper Johns, Cy Twombly e Jackson Pollock, che con Cardazzo tenne la sua prima personale in una galleria europea. Questo volume, a cura di Luca Massimo Barbero, raccoglie i saggi della mostra "Carlo Cardazzo. Una nuova visione dell'arte", tenutasi tra il 2008 e il 2009 presso la Peggy Guggenheim Collection di Venezia rievocando, tra le altre analisi, anche il rapporto tra Cardazzo e la collezionista americana. Cardazzo aprì l'Italia al dialogo con le avanguardie internazionali e, con sorprendente lucidità, colse scarti e accelerazioni destinati a ridefinire il panorama artistico della seconda metà del XX secolo.

Questa guida accompagna il visitatore lungo il percorso espositivo dell’edizione 2025 del progetto Restituzioni, il programma di Intesa Sanpaolo nato nel 1989 e giunto oggi alla sua XX edizione. In collaborazione con il Ministero della Cultura, Restituzioni promuove ogni due anni il restauro di opere d’arte appartenenti a musei, chiese, siti archeologici e collezioni pubbliche di tutta Italia, restituendo al Paese un patrimonio prezioso, spesso poco noto e fragile, ma di altissimo valore culturale. La mostra 2025 presenta una nuova, straordinaria selezione di dipinti, sculture, oggetti liturgici, manoscritti e reperti archeologici restaurati grazie a questa iniziativa. Ogni scheda offre una lettura chiara ed essenziale delle opere, raccontando il loro contesto storico e artistico, i dettagli del restauro e le ragioni della loro rilevanza culturale. Concepita come strumento agile ma rigoroso, la guida breve aiuta il lettore a orientarsi tra le sale, fornendo una visione d’insieme del progetto e del lavoro corale di tutela che Restituzioni rappresenta: un esempio virtuoso di collaborazione tra pubblico e privato, che valorizza la storia e l’identità dei territori italiani attraverso l’arte. Una mappa sintetica ma densa, per accompagnare lo sguardo e la memoria lungo un viaggio di rinascita e bellezza.

In un tempo accelerato, Elisabetta Di Maggio ci invita a rallentare. Le sue opere – delicate, minuziose, profondamente intime – parlano il linguaggio della natura e del tempo, restituendo alla fragilità il suo valore essenziale. Questo volume accompagna la mostra personale dell’artista milanese alla GAM di Torino (29 ottobre 2025 – 1 marzo 2026), a cura di Chiara Bertola e Fabio Cafagna, e raccoglie il corpus delle installazioni e dei lavori che raccontano una ricerca coerente, poetica e radicale. Ogni opera nasce da un gesto paziente e ripetuto – tagli, incisioni, trame – che mimano i ritmi della crescita organica e dell’erosione naturale. Un lavoro di cura, che porta l’attenzione sul valore del dettaglio, sul tempo lento dell’artigianato e sul legame profondo tra arte e biologia. Il catalogo riflette la tensione tra ordine e instabilità, equilibrio e mutamento, offrendo uno sguardo sensibile su un’arte che non impone, ma ascolta. Un libro per chi cerca il senso nelle pieghe più impercettibili del reale.

Luciano Sorlini (1925-2015) ha rappresentato un punto di riferimento per la storia imprenditoriale del territorio: un’identità forte e una precisa indole tipica della gente bresciana, del suo modo di intendere il lavoro e l’impresa legato alla tradizione di famiglia. Ma non solo, anche per la pluralità dei suoi interessi, in particolare la grande passione per la bellezza, che ritrova nelle forme degli aerei, nelle confezioni dei prodotti delle sue aziende, nelle residenze che sceglie di abitare e arredare e che si concretizza nella Collezione Luciano Sorlini, una delle più importanti raccolte italiane di arte veneta del Settecento. E ancora, un Palazzo e una Fondazione in grado di assolvere alla volontà di lasciare lunga e profonda traccia della ricerca di una vita intera. Il MarteS Museo d’Arte Sorlini di Calvagese della Riviera è la realizzazione di un grande sogno, un luogo per comprendere l’evoluzione della sensibilità collezionistica del “signor Luciano”, per soddisfare (e sollecitare) un rinnovato bisogno di cultura, formazione, educazione, di una ricerca di senso e di inesausta curiosità verso il bello.

Dedicato all’artista ucraina Louise Nevelson, naturalizzata statunitense (al secolo Lija Isaakivna Berljavs’ka, Kiev, 1899 – New York, 1988), il volume ripercorre la vita e il lavoro di una donna che ha avuto un ruolo fondamentale nell’arte internazionale del Novecento. Un omaggio a una figura radicale, alla sua lotta per l’autoaffermazione e l’autonomia femminile nell’arte e nella società. Realizzando grandi sculture monocrome nere, bianche e oro mediante assemblaggi di materiali in legno di recupero, ha messo in atto un procedimento di trasformazione simile all’antico processo alchemico per cui il piombo diviene oro, anticipando tematiche ancora oggi attuali, quali la memoria e la condizione femminile.