Storia dell'arte: stili artistici

«La storia del blu è un autentico rebus storico: per i popoli dell'antichità, questo colore contava poco; per i romani era il colore dei barbari e aveva connotazioni negative. Oggi, il blu è di gran lunga il colore preferito in tutta Europa e la sua popolarità distanzia di molto quella del verde e del rosso. C'è stato, dunque, nel corso dei secoli, un rovesciamento completo dei valori. Il libro si concentra su tale rovesciamento. Mostra dapprima il disinteresse per il blu nelle società dell'antichità e dell'alto Medioevo; poi segue in tutti i campi l'ascesa progressiva e la considerevole valorizzazione dei toni blu a partire dal XII secolo, soprattutto nell'abbigliamento e nella vita quotidiana. Enfatizza i valori sociali, morali, artistici e religiosi di questo colore fino al periodo romantico. Infine mette in risalto il trionfo del blu nell'epoca contemporanea, stende un bilancio dei suoi usi e dei suoi significati e si interroga sul suo futuro».

miramART è la collezione di arte contemporanea del Grand Hotel Miramare. Conta oggi oltre 80 opere di 60 artisti e artiste, italiani e internazionali, distribuite tra camere, corridoi, saloni e spazi all’aperto. Nata in modo spontaneo, la collezione è cresciuta nel tempo, diventando parte integrante dell’identità del luogo e dell’esperienza di chi lo abita. La fotografia ne rappresenta il nucleo centrale, affiancata da pittura, scultura e video. Le opere non sono semplicemente esposte: si inseriscono negli spazi e ne trasformano la percezione. Tra i nuovi ingressi del 2025 figurano, tra gli altri, lavori di Jacopo Benassi, Rossella Biscotti, Patrizio Di Massimo, Martin Parr e Silvia Rosi. Prosegue anche il percorso degli interventi pensati appositamente per il luogo: dopo quelli di Luca Vitone, Irene Fenara e Franco Mazzucchelli, entra in collezione un nuovo lavoro site-specific di Sonia Kacem, installato nella hall al terzo piano.

Leggeremo la partnership con Hypermaremma , una realtà di promozione dei linguaggi dell’arte contemporanea a cura dei galleristi Carlo Pratis, Giorgio Galotti, il collezionista Matteo d’Aloja. Il suo noto festival di Land Art in Maremma, l’accessibilità agli spazi dell’arte. I testi critici di Massimo Belli, storico dell’arte e project manager di Hypermaremma che inanellano quelli della curatrice. Il critico ha indagato attentamente i Query Artist in tutte le fasi della Project Room e l’esposizione laziale, definendo e promuovendo le loro poetiche all’interno del sistema Arte contemporanea e Arte under 36.

Di cosa parliamo, quando parliamo di Arte Sacra oggi: di regole o di temi? Di soggetti fermi nel tempo, o di argomenti che ci spingono a riflettere su chi siamo, da dove veniamo, e i nostri atti verso Dio e il Creato di cui siamo parte? Il pensiero artistico è in costante divenire e dà forma al tempo, alla storia. Dunque, ancor più, qual è il suo rapporto con il Sacro, oggi? Volendosi dedicare allo studio di quell’argomento così speciale che è l’arte sacra, soprattutto nelle sue declinazioni contemporanee, è importante chiarire alcuni punti, al fine di non incappare in impostazioni convenzionali e confuse. Così, per ben iniziare, è importante specificare cosa si intenda per “sacro”, e cosa si debba ritenere per “contemporaneo”, per ben comprendere il “cosa” e il “quando”. Questo breve saggio vuol essere un contributo a un dibattito di grande interesse, cambiando anche l’accento sugli obiettivi e sui temi ai quali guardare, ponendoli in chiave forse inattesa ma coinvolgente. Con la Prefazione di Padre Bernardo Gianni.

«Quando una Casa Editrice come PandiLettere e una Compagnia Teatrale come TeatroDaViaggio con il suo Piccolo Teatro Carlo Goldoni decidono di collaborare, il punto di partenza è senza dubbio l'amore per la scrittura, la parola e tutto ciò che è "segno". In Greco antico il -γραμμα (gramma) di parole come διαγραμμα, επιγραμμα (diagramma ed epigramma) aveva la radice in γραφω (grafo) che vuol dire "scrivere". Nell'espressione contemporanea si utilizzano diversi tipi di "segno" (la luce, le immagini, i pixel, il laser, i vari alfabeti, il digitale, ecc.). Gli Artisti contemporanei, infatti, hanno infinite possibilità espressive, per veicolare le loro suggestioni e affidarci contenuti complessi e profondi.»

Stimolato dalle fascinazioni provenienti dagli scavi archeologici di Sibari, Angelo Ventimiglia incentra parte della sua ricerca visiva sulle iconografie caratterizzanti la pittura vascolare e le antiche monete della Magna Graecia. Ventimiglia rivisita in termini personali queste immagini antiche attraverso la tecnica della lavorazione a sbalzo di lastre metalliche che tratta “a freddo” con chiodi simili a quelli presenti nei vecchi portoni; vengono così prodotti medaglioni con figure a rilievo. Il campo visivo del quadro viene successivamente interessato da ulteriori tracce figurative in cui in alcuni casi confluiscono particolari, spunti, linee e forme desunte dal tema presente nel medaglione, mentre in altri lavori compaiono veri e propri lembi di panni piegati che rimandano a quelli usati dalla nonna dell’artista per custodire il pane appena sfornato: il cibo donato alla famiglia diventa metafora dell’arte donata alla comunità.

Frammenti di biografia “L'incontro con Francesco I Re di Francia”. Tre saggi: “Belle Ferronnière” - “Gioconda” - “Sul progetto di Palazzo Loggia a Brescia”. Una brochure “Sopra alcuni schizzi delle valli bergamasche e bresciane per riconoscere un possibile Cammino di Leonardo”.

Sin dalla sua scoperta, l'Adorazione dei Magi della chiesa parrocchiale di San Vincenzo martire a Giaglione ha sollevato diversi interrogativi tra coloro che l'avevano osservata con attenzione e che avevano intuito la possibilità che in quell'affresco si celasse un messaggio di non immediata interpretazione. Pur trattando un episodio ricorrente nella pittura e nei cicli affrescati del Quattrocento che narrano gli episodi cardine della vita di Gesù Cristo, l'Adorazione di Giaglione appariva in qualche modo differente, quasi una sorta di manifesto il cui scopo fosse quello di richiamare l'attenzione nei confronti di una questione di interesse generale per la Cristianità. In qualche modo l'ampio paesaggio che si apre in secondo piano alle spalle della Vergine con il Bambino e dei Magi, popolato di castelli, fortezze e città, nonché di numerosi personaggi e di tre cavalieri che reggono ognuno un'insegna diversa e che si incontrano su di un ponte, doveva rimandare a quella causa e al legame con il luogo in cui l'affresco era stato realizzato. Così come a quella causa sembravano essere necessariamente legati anche i tre Magi le cui fattezze, ad una più attenta analisi, apparivano richiamare quelle di personaggi storici realmente esistiti. L'indagine fin qui condotta allo scopo di comprendere il tema fondante dell'Adorazione ha portato alla raccolta di diversi elementi che sembrano rivelarne, oltre ogni ragionevole dubbio, il legame con un fatto – la caduta di Costantinopoli e dell'Impero Romano d'Oriente – che ha avuto grande eco nel mondo occidentale del Quattrocento e che ha segnato la storia dell'Europa del XV secolo in modo definitivo. Con la pubblicazione dei risultati di questa indagine ci si propone dunque di rendere noti questi elementi allo scopo di favorire il dibattito e di fornire spunti di riflessione per ulteriori approfondimenti.

Con un'acuta capacità di osservazione e di innovazione artistica, Francisco de Goya ha catturato la società spagnola all'alba del XIX secolo. Svelando la sua visione creativa in oltre 290 stampe, l'artista si concentra sulla violenza della Guerra Peninsulare nei suoi Desastres de la Guerra, mentre i suoi Caprichos satirici pongono domande senza tempo sulla natura del genere umano.

“Il volto e l’allegoria. Sculture di Lorenzo Bartolini” a cura di Carlo Sisi raduna una selezione di opere incentrate sul ritratto e l’allegoria: soggetti e temi perseguiti dall’artista toscano – prima allievo di Jacques-Louis David, poi scultore ufficiale dei Bonaparte – in un’epoca in cui l’estetica del Purismo con il suo “bello relativo” si imponeva sulle astratte forme neoclassiche, introducendo nell’arte gli elementi di una Natura osservata senza mediazioni. Nel testo Sisi offre un approfondimento della temperie ideologica e culturale in cui si muove Bartolini. L’atelier dello scultore in Borgo San Frediano, a Firenze, era un luogo di incontro mondano, le sedute di posa erano animate da dialoghi cordiali con i quali l’artista «intratteneva le persone, giovani o d’età, autorevoli o meno, facendole partecipi, mentre ne eseguiva il ritratto, delle idee e dei moti del suo animo con l’intento di cogliere appunto l’“anima”, quella “speciale bellezza” che egli si sforzava di restituire avvalendosi della conquistata sintonia spirituale». Viene preso in esame inoltre uno dei capisaldi della poetica formale di Bartolini, attraverso l’unione di bellezza naturale, basata sullo studio dei maestri quattrocenteschi, e concetti aderenti alle aspirazioni etiche e politiche della Restaurazione. Fulcro dell’analisi è il gruppo della Carità educatrice, apice dell’allegoria romantica che raffigura l’educazione spirituale e intellettuale dei fanciulli e allude alle cure paternalistiche del governo granducale, messo a confronto con i modelli in gesso utili a ricostruirne la vicenda compositiva. Il volume è stato pubblicato in occasione della mostra “Il volto e l’allegoria. Sculture di Lorenzo Bartolini” tenutasi alla Fondazione Luigi Rovati di Milano tra settembre 2024 e febbraio 2025.